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Pintura Artística

PINTURA ARTISTICA

La expresión artística que es indudablemente más conocida por el público, es la pintura. El conocimiento de la población sobre nombres de artistas pintores, escultores y arquitectos daría como resultado una notable desproporción a favor de los primeros.

Pablo Picasso Salvador Dalí Miguel Ángel Frida Kahlo Da Vinci Vicent Van Gogh Rembrandt Francisco de Goya

Siendo la pintura artística la más conocida de las Bellas Artes, destacamos a estos famosos pintores con sus cuadros más famosos que han contribuido a su popularidad y que ahora son conocidos.

Como hemos comentado con anterioridad, la pintura artística es una de las siete Bellas Artes; a la vez, se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas. En la teoría del arte o estética, es considerada universalmente como una categoría que incluye todas las creaciones artísticas elaboradas sobre superficies.

En definitiva, es una representación gráfica de la imaginación o de la realidad; en la práctica, los materiales utilizados para pintar son habitualmente pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas, con cierta capacidad adhesiva. En esta expresión artística, se aplican técnicas de pintura y el dibujo, conocimientos sobre la teoría del color y de composición gráfica.

Tipos o movimientos en la pintura de artística

La clasificación de la pintura artísticamente puede elaborarse según los materiales utilizados y el estilo empleado. Sin embargo, generalmente cuando pensamos en tipos de pintura de arte, nos referimos a los estilos o corrientes artísticas. A lo largo de las décadas han habido muchas corrientes que han gozado de un gran éxito en su momento, no obstante los principales estilos de pintura que reconocemos son los siguientes:

Realismo

un retrato de mi autoría

El principal objetivo del realismo es hacer una representación lo más exacta posible de la realidad. Es mi estilo, y puedes ver todas mis obras en marcosgarcia.art

De esta manera, los pintores de esta clasificación utilizan con gran destreza la pintura, el color y el tono. Habitualmente esta pintura es considerada por la mayoría de personas como el “verdadero arte”. Por otro lado, su historia se remonta a Francia tras la Revolución de 1848, originada como un evidente rechazo al romanticismo, su predecesor. Los pintores realistas orientaron su arte hacia la representación de escenas de personas contemporáneas y de la vida cotidiana.

Hiperrealismo

El hiperrealismo, en esencia, es un paso más allá del realismo; demanda una representación de la realidad con una mayor exactitud que la fotografía. Se lleva a cabo, por regla general, a partir de una fotografía y su origen se remonta a la tendencia estadounidense y europea de finales de 1960, que trae consigo el estilo de arte independiente. 

Surrealismo

El surrealismo es una tendencia que se destaca por pinturas a menudo ilógicas, que promueven lo irracional con la intención de superar lo real, también tienen una calidad onírica o “dreamlike”, acentuando la influencia del subconsciente. La procedencia de este movimiento se remonta a la década de 1920, cuando un conjunto de artistas adoptaron una técnica denominada como “automatismo”, que dependía del subconsciente para despertar la creatividad. A día de hoy, el mayor representante del surrealismo es el artista español Salvador Dalí.

Impresionismo

El impresionismo prioriza las formas sobre los detalles. Por ello, resalta su predilección por las pinturas de paisajes (de hecho los impresionistas usualmente prefieren pintar al aire libre) y le otorgan especial importancia a la luz, independientemente de la identidad de aquello que la proyectaba. Este famoso movimiento artístico alguna vez fue una corriente menospreciada.

Expresionismo

El expresionismo es una corriente que se origina en respuesta del impresionismo. Se denomina de esta manera porque indaga sobre el reflejo de la expresión de los sentimientos y emociones más que en la realidad. Se trataba de un movimiento heterogéneo ya que no era un estilo con característica comunes, contaba con una actitud y una manera de entender el arte que englobaba a diferentes artistas de tendencias muy diversas, con distinta formación y nivel intelectual. Surgió en Alemania a principios del siglo XX.

Arte abstracto

arte abstracto
Kandinsky

El arte abstracto es una tendencia que alude a un método de pintura que no emplea la realidad simbólica como referencia. Es habitual el empleo de colores y figuras con el fin de hacer una introspección para retratar las emociones y el mundo interior del artista. Se originó durante las décadas de 1940 y 1950, sin embargo este concepto se utilizó para describir los obras de artistas posteriores, como Wassily Kandinsky. Es un método que se inspira en la naturalidad del surrealismo y lo incorpora a la evasión de los artistas del ambiente de la postguerra mediante el humor negro.

Arte Pop

El arte pop fue el movimiento definitivo que dio inicio al arte contemporáneo. Es una tendencia que se inspira en la cultura popular de Reino Unido y Estados Unidos de la década de 1950; estaba basado en los productos de consumo y la estética de la cotidianidad de la época, así como los mensajes publicitarios, comics, personajes famosos. Un claro ejemplo, es el reconocido cuadro del artista Andy Warhol, un retrato de la actriz y modelo Marilyn Monroe.

Renacimiento italiano

Este tendencia, que se extendió durante los siglos XIV y XVII, destaca por dar un mayor énfasis a temas culturales como el arte y la arquitectura. Se desarrolló en Italia que experimentó un periodo artístico como nunca antes visto,  consiguiendo relevantes logros y cambios culturales.

Barroco

Es un movimiento surgido al finalizar el Renacimiento en Italia, en el que los elementos principales de la técnica pictórica son el color, la luz y, sobre todo, el movimiento. El objetivo principal es desprender una mayor impresión de movimiento

De esta manera, se complican las composiciones, se consiguen planos insólitos y remarcan la distribución asimétrica de los volúmenes, siendo muy presente la ostentación en la obra y tratando la luz con el fin de añadir drama a sus escenas.

Técnicas de pinturas artísticas

Es necesario llevar a cabo un minucioso estudio descriptivo de la obra de arte que observamos, a fin de determinar la técnica de pintura que presenta. Así como también debemos considerar los materiales utilizados y los aspectos técnicos de la obra. Los materiales son definidos como los instrumentos con las que podemos pintar, dibujar o esculpir.

En definitiva, en la producción de una obra, la técnica utilizada es el conjunto de procedimientos de pintura que se emplean. Estos procesos se diferencian según el lenguaje artístico en el que nos expresamos. También existen diferentes tipos de pintura, clasificadas según el material disolvente y aglutinante, cuyas cualidades son diversas. Así es como el estudio descriptivo de una obra pueda llevarse a cabo según lo que analizamos, que puede ser: lo visual o lo pictórico.

EL DIBUJO

Se trata de una método que puede realizarse como obra o como base para emplear otras técnicas. Es necesario distinguir entre el dibujo técnico (que se lleva a cabo con herramientas de dibujo) y el dibujo artístico (a mano alzada).

Por un lado, el objetivo del dibujo artístico es plasmar sensaciones propias, con la influencia de la imaginación e ingenio, y las vivencias individuales, de manera que es evidentemente subjetivo. Por otro lado, el dibujo técnico es objetivo y busca una representación realista de los objetos, mediante escalas, para proporcionar la información especial necesaria para su meticuloso análisis técnico.  Generalmente, las técnicas más utilizadas son el carboncillo o la tinta, los pasteles, los lápices y los lápices de cera.

EL LÁPIZ GRAFITO

🥇Los 5 mejores lápices de dibujo para principiantes

Su origen se remonta al siglo XVIII, tiene diversas ventajas lo que hace que sea uno de los artículos más utilizados, pudiendo encontrar una amplia gama de durezas que se clasifican, generalmente, según el sistema de dureza europeo:

  • El sistema está basado en un conjunto de letras y números, en el que la dureza depende del número que las acompaña.
  • El más blando viene definido por una letra B.
  • Mientras que, la dureza intermedia a blanda, es un lápiz HB.
  • Si quisiéramos un lápiz un poco más duro que el anterior, optaríamos por una letra F.
  • La letra H pertenece a los lápices con la mayor dureza.

LOS LÁPICES DE COLORES

Los lápices de colores son el instrumento con el que iniciamos habitualmente en el mundo del arte de pequeños. Al igual que el lápiz de grafito, tienen diferentes grados de dureza; por otro lado, su textura varía según lo profesional que sea la gama, permitiendo degradar la tonalidad del color mediante líneas más delicadas.

LOS ROTULADORES

Este artículo de dibujo, van evolucionando constantemente, van apareciendo distintos modelos con mucha variedad y eso nos da muchas posibilidades en este mundo. El rotulador tiene como elemento grafico principal la línea, lo que aporta direcciones, ritmos, puntos, texturas, masas de color, tachaduras, frotados, mezclas de color entre los colores en el propio papel, etc. Debido a sus características, es importante recordar que primero se deben aplicar los colores claros y luego los más oscuros.

EL CARBONCILLO

El carboncillo es uno de los medios más utilizados antiguamente, ya que actualmente, a pesar de que muchos los siguen utilizando para la realización del dibujo, básicamente se sigue utilizando para realizar bocetos y estudio del dibujo que posteriormente se realizará con otras técnicas, como el óleo, hay que tener mucho cuidado con este artículo, ya que es muy sucio, mancha fácilmente y si no se tiene cuidado, puede arruinar fácilmente una hoja ya dibujada, aunque por el mismo motivo, puede cubrir rápidamente partes del sombreado del dibujo.

8 sencillas técnicas para iniciarse en el arte de la acuarela

GOUACHES

Son similares a las acuarelas aunque mas compactos y se ven más opacos o mates, como con más pigmentación, por lo que las obras se ven con colores más vivos o intensos cuando se secan. Estas características son la gran diferencia a las acuarelas, que son más transparentes.

PINTURA ACRILICA

En esta técnica, la sustancia aglutinante es el polímero de acrílico (de naturaleza plástica), mezclada con los pigmentos. Suele venir presentada en tubos; además, según el nivel profesionalidad y de la marca tiene un espesor diferente con respecto a la pigmentación. A pesar de que una vez secas son resistentes al agua, las pinturas acrílicas pueden disolverse en agua mientras se usan. Se secan rápidamente y su tonalidad cambia levemente cuando están completamente fijadas. La pintura acrílica es ideal para aprender a pintar cuadros y es muy utilizada por los principiantes debido a estas tres características:

  • Como comentábamos con anterioridad, tiene un secado muy rápido, lo que contribuye a la corrección de errores simplemente «repintando» por encima unos minutos después de haberlos cometido.
  • Presenta una gran facilidad para ser manipulada y mezclada, además de que se puede disolver en agua.
  • En el plano económico, es más barata que otras opciones y no es necesario emplear materiales extras.

Otra de sus ventajas es que no amarillea con el paso del tiempo. Puede guardarse y enrollarse sin problema ya que no se agrieta, ni sufre daños, aunque pase el tiempo se puede seguir pintando sobre la pintura anterior. Por último, también se pueden comprar en botes, habitualmente adquiridos por pintores inexpertos, y tiene una mayor fluidez ya que son menos compactas, lo que les permite ser más solubles en agua y otros disolventes, con el fin de facilitar su aplicación.

Accesorios para la pintura artística

Material Bellas Artes - Bellas Artes

Una vez vistas las diferentes técnicas empleadas en la pintura artística según su material de composición, vamos a comentar los accesorios indispensables para pintar.

Iniciamos la lista con uno de los más importantes, el soporte de las pinturas:

CABALLETES

Son tan imprescindibles, porque nos da estabilidad a la hora de pintar, ya que soportan donde se plasma la pintura, los lienzos o papeles o el complemento que tengamos. Si hacemos un poco de historia, diremos que ya se usaban en la época de los egipcios.

También son utilizados para poder exhibir las obras, como en una galería de arte o donde se haga la exposición del artista. En la actualidad, los hay de muchos materiales, se va buscando la versatilidad y que el peso sea el menor posible, sin que pierda su propiedad de firmeza. Los encontramos fabricados de madera, de aluminio y ya los están fabricando con partes de fibra de carbono.

Con respecto a su estilo, normalmente los hay con pie de trípode, con base cuadrada y pequeños de sobremesa para obras pequeñas, independientemente del grado de inclinación, ya que hay caballetes que se ponen totalmente horizontales.

Caballetes profesionales

Los materiales para pintar son diferentes en función del tipo de pintura que vayamos a emplear, así como de la superficie sobre la que vayamos a trabajar. Por ejemplo, con un maletín de pinturas al óleo podemos pintar sobre lienzo o sobre ladrillo, mientras que la acuarela no se queda fijada en cualquier material.

ESPATULAS

Las espátulas son una gran ayuda para la pintura artística, sobre todo en la profesional, son de acero inoxidable y muy finas, las hay de muchos estilos y longitudes, con ellas podemos mezclar, licuar, limpiar, pintar, dar textura, son muy versátiles, yo personalmente las utilizo siempre para licuar un poco el óleo que viene en el bote con un poco más de aceite, y de ahí consigo los degradados de las tonalidades que voy a utilizar. Si queréis saber más, no dudéis con contactar conmigo.

PINCELES

Los pinceles, estos artículos tan necesarios y variados que tenemos los pintores, hay tanta variedad por su forma y su composición como gustos tiene cada artista, recomiendo que se conozcan todos, porque son indispensable para según que trazado o pincelada queramos dar.

Por su composición podemos decir que están fabricados en tres partes, el pelo, que es la parte que mancha de color el lienzo, la parte metálica que tiene por misión sujetar el pelo, y que se llama férula, y la parte donde se agarra que suele ser de madera o plástico y se llama mango.

Por su pelo, hay una gran variedad, ya que los hay mas suaves o mas rígidos, los suaves son de pelo fino y suele ser de natural de un animal que se llama marta Kolinski, también se utilizan pelos de oreja de buey que es de suavidad media, y pelo de equino, para el pelo más fuerte. Por su puesto que las hay también de pelo sintético, cada uno de nosotros, tenemos que probar para encontrar los nuestros.

PALETAS

PALETA MUY GRANDE DE PINTOR PROFESIONAL. NUEVA (Antigüedades - Técnicas - Herramientas Antiguas - Otras profesiones)

Las paletas brindan una superficie para mezclar pinturas con base de agua y óleos. Si quiere una alternativa más económica puede utilizar platos. Las paletas con orificios para el dedo pulgar están diseñadas de forma que puedan agarrarse con una mano y apoyarse en el antebrazo. Existen diversos tamaños y formas, ya sean rectangulares, ovaladas o en forma de riñón. Pueden ser fabricadas en caoba que son caras, madera contrachapada o las de melanina que son las mas económicas. Las paletas nuevas de madera deben sellarse con aceite de linaza. De esta manera se evita que la madera absorba el aceite de la pintura lo que podría ocasionar que ésta se secase rápidamente en la paleta. Las paletas con huecos pueden estar fabricadas en plástico, cerámica y aluminio. Principalmente se usan para mezclar diluciones de pintura.

Lienzo

El lienzo esta compuesto de tela, bastidor y cuñas. Estos viene de diversos tamaños. La tela es el soporte de pintura más utilizado. Cuando se coloca rígida y se imprime esta se encuentra tirante pero flexible, y tiene una receptividad única a cada pincelada. Las dos fibras más utilizadas son el lino y el algodón aunque además se utilizan fibras sintéticas. Los bastidores de madera están  compuestos de listones para tensar la tela. Se venden en distintas longitudes. Tienen las esquinas previamente  cortadas a 45º con junturas de ranura y espaldón. El lado de cada listón esta biselado para prevenir que el borde interior del tensador ocasiones protuberancia en la tela. Existen diferentes anchuras y grosores, este depende del tamaño del soporte que desee utilizar. Se necesitan 8 cuñas para cada bastidor, estas se introducen en las ranuras del interior de cada esquina del bastidor ensamblado. Si ha pasado mucho tiempo y la tela se afloja puede introducir todavía mas las cuñas con un martillo para expandir las esquinas y hacer que la tela se tense nuevamente. 

Papel

El papel se utiliza como soporte de todos los materiales incluyendo las acuarelas, acrílicos, pasteles y los óleos. Estos viene en una gran diversidad de tipo, tamaño y grosor.  Los papeles ligeros (menos de 300 gramos por metros cuadrados), tienden  a doblarse y arrugarse cuando se aplican aguadas por lo que es necesario humedecerlos y tensarlos sobre una tabla antes de su uso. Sin embargo, no es necesario hacer lo mismo con papeles más pesados a menos que desee inundar el papel con aguadas.

OBRA ARTÍSTICA, CÓMO OBSERVAR UNA OBRA, GUÍA DE MUSEOS

Arte moderno y sus estilos

pinturas-oleo-modernos | Pinturas en oleo modernas, Blog de arte,  Producción artística

Desde el impresionismo ligero y aireado hasta el expresionismo abstracto enérgico, conoce los movimientos del arte moderno, sus principales estilos.

El arte moderno comprende una serie de movimientos artísticos, los cuales se desarrollaron durante un periodo de 100 años, y cada uno de ellos posee una estética vanguardista, la cual sigue inspirando a los artistas de hoy en día. Es por ello que consideramos necesario conocer un poco sobre dichos movimientos y características de las obras del arte moderno y sus autores.

¿Qué es el arte moderno?

Una de las razones principales por las que consideramos necesario conocer un poco más de este arte, es debido a que muchos confunden esta expresión artística con el contemporáneo. No obstante, el moderno es aquel se llevó a cabo a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Una de las características que más identifica a sus autores es que éstos buscaban reimaginar y reinterpretar; rechazando así, las reglas estéticas de los estilos anteriores. Desde el impresionismo ligero y aireado hasta el expresionismo abstracto enérgico, el moderno se compone de varios movimientos importantes.

Impresionismo

El impresionismo desafió las reglas rígidas y las representaciones realistas de la pintura académica. Atrás quedaron aquellos cuadros cuyo detalle de los ojos, cabello y demás se notaba con gran claridad.

Surgió en 1872, cuando Claude Monet utilizó innovadoramente pinceladas borrosas, un enfoque en la luz y una paleta de colores vivos para pintar Impression, Sunrise. Este estilo tuvo bastante influencia sobre la pintura francesa hasta finalizar el siglo, algunos de los representantes más resaltantes fueron Monet, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas a la vanguardia.

Post – Impresionismo

Inspirados por la libertad, en cuanto a formas de expresarse a través del arte respecta, por los impresionistas, algunos autores como Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri Toulouse-Lautrec decidieron también ‘aventurarse’ trabajando estilos no convencionales. Movimiento lleno de color que comenzó en la década de 1890 y muestra un interés en la emoción y una preferencia por la interpretación subjetiva, por encima de la representación realista.

Fauvismo

El nombre se debe a que fue fundando por un grupo vanguardistas, liderado por autores como André Derain y Henri Matisse-Fauvism. Apareció por primera vez a principios del XX. Y, del mismo modo que los postimpresionistas, los fauvistas preferían dejar atrás los tonos piel y/o tonos tierra más realistas por utilizar tonos más surrealistas y un énfasis en las percepciones subjetivas del autor en sus representaciones, las cuales solían tener una apariencia abstracta.

Expresionismo

Este se dio antes de la Primera Guerra Mundial. Los pintores; oriundos de Alemania y Austria, decidieron optar por un enfoque experimental al igual que los representantes de los movimientos anteriormente mencionados. Al igual que las obras características de arte post impresionistas y fauvistas, las piezas representadas en el estilo expresionista transmiten una fascinación por el color brillante y artificial, además de una iconografía individualista.

Cubismo

Caracterizado por formas fracturadas y deconstruidas, el cubismo marcó el cambio de este género hacia la abstracción. Inició en 1907 por Georges Braque y Pablo Picasso, se materializó como pinturas al revés, esculturas multidimensionales y collages de vanguardia. Al igual que otros movimientos artísticos modernos, el cubismo enfatizó la subjetividad de sus autores, pues, como decía Pablo Picasso: «no teníamos el objetivo de descubrir el cubismo, sólo queríamos expresar lo que había en nosotros «.

Surrealismo

Estas obras características han sido de mucha influencia, no sólo en otras pinturas, sino también en otras artes como el cine y la fotografía. Desarrollado en la década de 1920, representado por los autores visuales Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró e Yves Tanguy. Quienes se unieron para fundar el surrealismo,  el cual se basa en el subconsciente. Al carecer de cualquier control ejercido por la razón, el género culminó en una colección diversa de representaciones oníricas directamente de la imaginación de los mismos.

Expresionismo Abstracto

Ultimo movimiento, pero no el menos importante. Desarrollado a mediados del XX, algunos decidieron dejar atrás los estilos figurativos para darle paso a lo abstracto. Estos pintores pusieron gran énfasis, no solo en las características clave de este género como el color, la composición y la emoción, sino también en el proceso creativo del mismo. Como se mencionó anteriormente, es muy común que las personas confundan este género con el contemporáneo. Uno de los motivos principales de dicha confusión es que ambos buscan romper con la estética de siglos atrás y ambos se enfocan; primordialmente, es la percepción personal del autor sobre el mundo que lo rodea.

No obstante, cabe aclarar que como hemos podido ver, el artístico moderno comprende desde el Impresionismo al Expresionismo Abstracto, mientras que el contemporáneo inicia con el Pop Art y se sigue desenvolviendo en  la actualidad.

Lo interesante del surgimiento de estos movimientos es que fue desde este momento en el que éste dejó de ser sólo un medio de ‘captura’ histórica e informativa, para convertirse en un medio de expresión artística.

Pintores más famosos de la historia del arte

Por Regina Sienra

mejores pintores de la historia

En el planteamiento de la cuestión sobre quiénes son los «mejores» artistas de todos los tiempos, debemos analizar sobre qué criterio vamos a evaluarlos, quizás por el ingenio o la innovación en sus obras, por su duro trabajo o perseverancia… Aunque hay muchos pintores sensacionales, se pueden distinguir algunos sobre el resto ya que son fuente de inspiración y han originado un legado que ha perseverado durante las generaciones.

De esta manera, los mejores pintores de todos los tiempos, además de tener una gran destreza técnica, hicieron importantes contribuciones culturales. La mayoría de estos pintores fueron considerados renovadores del arte, ya que aportaron sorprendentes innovaciones, desafiando los límites del ingenio. Muchos de ellos disfrutaron de la gloria del éxito, aunque otros no alcanzaron su merecida notoriedad hasta muchos años después de su muerte.

Los requisitos para ser considerado uno de los pintores fundamentales de la historia, son tener una destreza técnica impecable, poseer una creatividad e imaginación inigualables y una gran determinación. Estos elementos juntos, dan pie a la creación de obras extraordinarias que emocionan y sorprenden al público a pesar del paso del tiempo.

Es así como hemos creado una lista de los mejores pintores de la historia, valorando todos estos factores. Si bien tal vez faltan algunos nombres que te gustaría ver en esta lista, es innegable que estos artistas cambiaron el curso de la historia del arte.

Artistas más conocidos de la historia del arte

LEONARDO DA VINCI

pintores importantes

Leonardo da Vinci, “Mona Lisa”, ca. 1503-1516

Además de estudiar distintos métodos, Leonardo da Vinci además concibió formas innovadoras de crear composiciones sensacionales. En efecto, su característica composición triangular aún se usa hoy en día y es generalmente considerada como uno de los diseños de pintura más agradables gráficamente. Asimismo fue uno de los principales defensores del estudio anatómico con la finalidad de perfeccionar su arte aunque fuera ilegal en la época.

MIGUEL ÁNGEL

pintores mas importantes

Miguel Ángel, “La creación de Adán”, c. 1511

Miguel Ángel es un artista multifacético conocido por ser la principal figura del Renacimiento italiano. Aunque pocas pinturas de Miguel Ángel sobreviven, las que se conservan son consideradas como las mejores de la historia y resaltan su extraordinaria habilidad. Era su capacidad para dominar rápidamente la pintura al fresco y elevarla a nuevas alturas tanto en el techo de la Capilla Sixtina como en El juicio final, lo que sigue inspirando a los artistas hoy en día.

ARTEMISIA GENTILESCHI

los pintores mas importantes

Artemisia Gentileschi, “Judit decapitando a Holofernes”, 1614-1620

Artemisia Gentileschi fue una de las primeras artistas mujeres en gozar de éxito y es una figura clave de la pintura barroca. A lo largo del siglo XVII, creó pinturas dinámicas e impresionantes basadas en el uso del claroscuro y una paleta de colores intensos. Pese a que su arte era a menudo opacado por su contemporáneo,  Caravaggio, su capacidad y su rol en la historia del arte femenino han comenzado a recibir la atención que merecían desde un principio.

REMBRANDT

los mejores pintores

Rembrandt, “Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp”, 1632

Rembrandt van Rijn es un famoso pintor holandés que es tan aclamado que es llamado por su nombre. Su triunfo se debe a que al pintar todo tipo de elementos, desde escenas de género hasta paisajes, pasando por importantes pinturas históricas y mitológicas, durante gran parte del siglo XVII fue el principal representante en el arte holandés. Es un maestro del uso de la luz, a su vez destaca su enfoque refinado y expresivo de la pintura, convirtiéndose así en uno de los pintores favoritos del mundo del arte.

JMW TURNER

pintores importantes

JMW Turner, “‘Pescadores en el mar”, 1796

El pintor romántico JMW Turner es reconocido por ser un precursor del arte moderno. Inspirado en sus comienzos por la pintura tradicional neoclásica, empezó a luchar por el conocido realismo, que resultaba un enfoque prácticamente desconocido en ese momento. Experimentó con la luz, el color y el pincel a través del uso de acuarelas y pinturas al óleo. Incluso influyó en los impresionistas al trabajar en sus pinturas al óleo al aire libre.

VINCENT VAN GOGH

los mejores pintores

Vincent van Gogh, “La noche estrellada”, 1889

Lamentablemente Vincent van Gogh no tuvo éxito comercial durante su vida, pese a ser admirado y ser uno de los pintores más influyentes del arte occidental de la actualidad. Fue desde principios del siglo XX que cautivó al mundo del arte mediante sus expresivas pinturas. Sus obras resultan una ruta encaminada hacia el arte moderno debido al uso constante de pinceladas dramáticas y colores llamativos.

PAUL CÉZANNE

pintores importantes

Paul Cézanne, “Mont Sainte-Victoire”, c. 1895

El célebre pintor postimpresionista Paul Cézanne, ha gozado de un legado duradero a causa de su novedoso enfoque de la perspectiva, del uso de una paleta nutrida de colores vivos y el empleo de pinceladas pictóricas. En efecto, es considerado un precursor del cubismo debido a su inclinación por descomponer formas y usar tonos audaces.

CLAUDE MONET

los mejores pintores

Claude Monet, “Nenúfares”, 1906

Claude Monet, destacado por su transición desde pintar al aire libre hasta llevar a cabo estudios históricos sobre la luz y el tiempo, es considerado el más querido de todos los pintores impresionistas. De hecho, su pintura Impresión, sol naciente es calificada como el punto de partida de esta corriente artística.

MARY CASSATT

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Mary Cassatt “El baño del niño”, 1893.

Mary Cassatt es una pintora estadounidense que fue parte del conjunto de pintores impresionistas, también fue un pilar fundamental del legado de este movimiento. Su éxito se debe al uso de las pinceladas sueltas y de los colores luminosos, que desafiaron los límites. Además, sus pinturas son reconocidas por su enfoque hacia las madres y los niños. Sus composiciones, que gozaban de un marcado carácter íntimo, retrataban los momentos más habituales de la maternidad y tenían una naturaleza revolucionaria en ese momento, ayudando a forjar su legado al mismo tiempo.

TAMARA DE LEMPICKA

mejores pintoras mujeres
Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka fue una pintora artística polaca de principios del siglo XX. Caracterizada por el distanciamiento del impresionismo pese a estar rodeada por la élite vanguardista parisina. Aunque era la tendencia de la época, esta pintora se centró en proyectar su propio camino. Se convirtió en una líder de la pintura art déco gracias a los colores vivos e intensos empleados en sus pinturas, además de la destacable calidad gráfica de su trabajo. Hoy en día, continúa inspirando a los diseñadores y es un estilo emblemático de esta Edad de Oro.

PABLO PICASSO

Picasso

Pablo Picasso, “Las señoritas de Avignon”, 1907.

Pablo Picasso, cuenta con una extensa carrera que se destaca por el carácter polifacético del artista y su experimentación con diversos estilos, actualmente es sin duda uno de los pintores más reconocidos en el arte occidental. Su labor en la manifestación del cubismo sería suficiente para reafirmar su estatus en los libros de historia; sin embargo, Picasso hizo mucho más. Es mayormente conocido por demostrar cómo el arte clásico puede modernizarse y convertirse en algo nuevo mediante su manipulación y su dominio.

FRIDA KAHLO

frida kahlo pintores importantes
Frida kahlo

Frida Kahlo es una artista considerada una de las figuras más grandes del siglo XX debido a sus autorretratos, que se caracterizan por ser muy íntimos y evocar una gran emoción, así como la celebración de su patrimonio cultural. Pese a que, en la actualidad, Frida Kahlo se haya transformado en una especie de ícono de la cultura pop, este hecho no debería anular su gran destreza como pintora y sus innovaciones para encaminar a la cultura mexicana a un público más amplio. Volviendo a comentar sus autorretratos –indudablemente personales– que apuntaban a una nueva dirección para los artistas modernos, en la que el arte consistía en expresar emociones internas en vez de intentar complacer a un coleccionista o mecenas.

GEORGIA O’KEEFFE

Lirio blanco nº 7 - O'Keeffe, Georgia.
Lirio blanco nº 7

Georgia O’Keeffe consiguió, mediante su visión creativa, resaltar un modelo estándar de pintura. Aunque la pintura de flores es considerada como una tradición centenaria, nadie lo había hecho como O’Keeffe. Es conocida por ser una de las primeras pintoras estadounidenses en crear dibujos abstractos y llevar a cabo unos acercamientos de flores como nunca se habían visto antes. Cautivada por el suroeste de Estados Unidos, su sensacional obra contribuyó a la descentralización de la cultura del arte moderno, que se encontraba absolutamente arraigado a la ciudad de Nueva York.

Resumen
La pintura artística
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La pintura artística
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La pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies
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