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Literatura

Cuáles son las 7 bellas artes - Las 7 bellas artes: Literatura | Bellas  artes, Arte, Bellisima

Las definiciones de la palabra literatura tienden a ser circulares. La undécima edición del Merriam-Webster’s Collegiate Dictionary considera que la literatura es «escritos que tienen excelencia de forma o expresión y que expresan ideas de interés permanente o universal». El crítico del siglo XIX Walter Pater se refirió a «la materia de la literatura imaginativa o artística» como una «transcripción, no del mero hecho, sino del hecho en sus formas infinitamente variadas». Pero tales definiciones suponen que el lector ya sabe lo que es la literatura. Y, de hecho, su significado central, al menos, está bastante claro. Derivada del latín littera, «una letra del alfabeto», la literatura es, en primer lugar, el conjunto de la escritura de la humanidad; después, el conjunto de la escritura perteneciente a una lengua o a un pueblo determinado; y, por último, los escritos individuales.

Pero ya es necesario matizar estas afirmaciones. Utilizar la palabra escritura para describir la literatura es en sí mismo engañoso, ya que se puede hablar de «literatura oral» o de «la literatura de los pueblos preliterarios». El arte de la literatura no se reduce a las palabras que aparecen en la página; éstas están ahí únicamente por el oficio de escribir. Como arte, la literatura podría describirse como la organización de las palabras para dar placer. Sin embargo, a través de las palabras, la literatura eleva y transforma la experiencia más allá del «mero» placer. La literatura también funciona de forma más amplia en la sociedad como medio para criticar y afirmar los valores culturales.

El alcance de la literatura

La literatura es una forma de expresión humana. Pero no todo lo que se expresa con palabras -incluso cuando se organiza y se escribe- se considera literatura. La mayoría de los críticos, aunque no todos, excluyen de la categoría de literatura los escritos principalmente informativos -técnicos, académicos, periodísticos-. Sin embargo, ciertas formas de escritura se consideran universalmente pertenecientes a la literatura como arte. Se dice que los intentos individuales dentro de estas formas tienen éxito si poseen algo llamado mérito artístico y fracasan si no lo tienen. La naturaleza del mérito artístico es menos fácil de definir que de reconocer. Ni siquiera es necesario que el escritor lo persiga para alcanzarlo. Por el contrario, una exposición científica puede tener un gran valor literario y un poema pedestre ninguno.

La forma literaria más pura (o, al menos, la más intensa) es el poema lírico, y tras él vienen el verso elegíaco, el épico, el dramático, el narrativo y el expositivo. La mayoría de las teorías de la crítica literaria se basan en el análisis de la poesía, porque los problemas estéticos de la literatura se presentan allí en su forma más simple y pura. La poesía que fracasa como literatura no se llama en absoluto poesía sino verso. Muchas novelas -ciertamente todas las grandes novelas del mundo- son literatura, pero hay miles que no se consideran así. La mayoría de los grandes dramas se consideran literatura (aunque los chinos, poseedores de una de las mayores tradiciones dramáticas del mundo, consideran que sus obras, con pocas excepciones, no tienen ningún mérito literario).

Los griegos consideraban la historia como una de las siete artes, inspirada por una diosa, la musa Clío. Todos los estudios clásicos de historia del mundo pueden considerarse nobles ejemplos del arte de la literatura, pero la mayoría de las obras y estudios históricos actuales no se escriben principalmente pensando en la excelencia literaria, aunque puedan poseerla, por así decirlo, por accidente.

El ensayo se escribía antaño deliberadamente como pieza literaria: su tema tenía una importancia comparativamente menor. Hoy en día, la mayoría de los ensayos se escriben como periodismo expositivo e informativo, aunque todavía hay ensayistas de la gran tradición que se consideran artistas. Ahora, como en el pasado, algunos de los mejores ensayistas son críticos de la literatura, el teatro y las artes.

Algunos documentos personales (autobiografías, diarios, memorias y cartas) figuran entre la mejor literatura del mundo. Ejemplos de esta literatura biográfica se escribieron pensando en la posteridad, otros sin pensar en que fueran leídos por nadie más que el escritor.

Algunos tienen un estilo literario muy depurado; otros, redactados en un lenguaje de evolución privada, ganan su posición como literatura por su contundencia, perspicacia, profundidad y alcance.

Muchas obras de filosofía se clasifican como literatura. Los Diálogos de Platón (siglo IV a.C.) están escritos con gran habilidad narrativa y en la más fina prosa; las Meditaciones del emperador romano del siglo II Marco Aurelio son una colección de pensamientos aparentemente aleatorios, y el griego en el que están escritas es excéntrico. Sin embargo, ambas son clasificadas como literatura, mientras que las especulaciones de otros filósofos, antiguos y modernos, no lo son. Algunas obras científicas perduran como literatura mucho tiempo después de que su contenido científico haya quedado obsoleto. Esto es especialmente cierto en el caso de los libros de historia natural, en los que el elemento de observación personal tiene una importancia especial. Un excelente ejemplo es la obra de Gilbert White Natural History and Antiquities of Selbourne (1789).

La oratoria, el arte de la persuasión, se consideró durante mucho tiempo un gran arte literario. Es famosa, por ejemplo, la oratoria de los indios americanos, mientras que en la Grecia clásica «Polimnia» era la musa sagrada de la poesía y la oratoria.

El gran orador romano Cicerón ejercería una influencia decisiva en el desarrollo del estilo de la prosa inglesa.

El discurso de Gettysburg de Abraham Lincoln es conocido por todos los escolares estadounidenses, sin embargo, hoy en día la oratoria se considera más un oficio que un arte.

La mayoría de los críticos no admitirían la redacción de textos publicitarios, la ficción puramente comercial o los guiones de cine y televisión como formas aceptadas de expresión literaria, aunque otros discutirían acaloradamente su exclusión.

La prueba en los casos individuales parece ser la satisfacción duradera y, por supuesto, la verdad.

De hecho, cada vez es más difícil clasificar la literatura, ya que en la civilización moderna las palabras están por todas partes. El hombre está sometido a una avalancha continua de comunicación. La mayor parte de ella es fugaz, pero aquí y allá -en el periodismo de alto nivel, en la televisión, en el cine, en la ficción comercial, en los westerns y en las historias de detectives, y en la prosa llana y expositiva- algunos escritos, casi por accidente, logran una satisfacción estética, una profundidad y una relevancia que les da derecho a situarse junto a otros ejemplos del arte de la literatura.

Historia de la literatura

La literatura (del latín Littera, que significa «letras» y se refiere al conocimiento de la palabra escrita) es la obra escrita de una cultura, subcultura, religión, filosofía o el estudio de dicha obra escrita que puede aparecer en poesía o en prosa. La literatura, en Occidente, se originó en la región meridional de Mesopotamia, en Sumer (hacia el año 3200), en la ciudad de Uruk, y floreció en Egipto, más tarde en Grecia (la palabra escrita fue importada allí desde los fenicios) y desde allí, a Roma. La escritura parece haberse originado de forma independiente en China a partir de las prácticas de adivinación y también de forma independiente en Mesoamérica y otros lugares.

La primera autora de literatura del mundo, conocida por su nombre, fue la gran sacerdotisa de Ur, Enheduanna (2285-2250 a.C.), que escribió himnos en alabanza a la diosa sumeria Inanna. Gran parte de la literatura primitiva de Mesopotamia se refiere a las actividades de los dioses pero, con el tiempo, los seres humanos pasaron a ser los protagonistas de poemas como Enmerkar y el Señor de Aratta y Lugalbanda y el Monte Hurrum (c.2600-2000 a.C.). A efectos de estudio, la literatura se divide hoy en las categorías de ficción o no ficción, pero a menudo se trata de decisiones arbitrarias, ya que la literatura antigua, tal y como la entendían quienes escribían los relatos, así como quienes los oían hablar o cantar antes de la alfabetización, no se entendía de la misma manera que en la actualidad.

La verdad en la literatura

Las elevadas odas de Homero a la grandeza de la flota griega que navega hacia Troya o el viaje de Odiseo por el mar oscuro como el vino eran tan reales para los oyentes como sus descripciones de la hechicera Circe, el cíclope Polifemo o las sirenas. Esos relatos que hoy se consideran mitos eran entonces tan verdaderos y sagrados como cualquiera de los escritos contenidos en la Biblia judeocristiana o el Corán musulmán para los creyentes. Denominaciones como ficción y no ficción son etiquetas bastante recientes aplicadas a las obras escritas. La mente antigua entendía que, con bastante frecuencia, la verdad puede ser aprehendida a través de una fábula sobre un zorro y unas uvas inalcanzables. La preocupación moderna por la verdad de una historia no habría preocupado a nadie que escuchara uno de los cuentos de Esopo; lo que importaba era lo que la historia intentaba transmitir.

Aun así, se valoraba la exactitud en el registro de los hechos reales (como demuestran las antiguas críticas a los relatos del historiador Heródoto). Las primeras obras literarias solían tener un enfoque didáctico y un propósito religioso subyacente (o a menudo manifiesto), como en el Enuma Elish sumerio del año 1120 a.C. o la Teogonía del escritor griego Hesíodo del siglo VIII a.C.

Historia de la literatura - Wikipedia, la enciclopedia libre

El mejor ejemplo es el género conocido como literatura naru mesopotámica, en el que personajes históricos aparecen en tramas de ficción. Las obras más conocidas de este género son La maldición de Agade y La leyenda de Cutha, ambas protagonizadas por el gran rey acadio Naram-Sin (r. 2261-2224 a.C.), nieto de Sargón de Acad (r. 2334-2279 a.C., padre de Enheduanna). Ambas obras presentan a Naram-Sin con comportamientos que se contradicen con las pruebas físicas y con otros escritos más objetivos. Sin embargo, el propósito de la literatura naru no era relatar lo que «realmente» sucedió, sino enfatizar un punto moral, cultural y religioso.

Ejemplos de literatura antigua
Los Textos de las Pirámides de Egipto, también considerados literatura, relatan el viaje del alma al más allá en el Campo de las Cañas y estas obras, a diferencia de la Literatura Naru mesopotámica, presentaban el tema como una verdad. La cultura religiosa egipcia se basaba en la realidad de una vida después de la muerte y en el papel que desempeñaban los dioses en el viaje eterno de cada uno, del que la vida en la tierra era sólo una parte. La Ilíada de Homero relata la famosa guerra de diez años entre los griegos y los troyanos, mientras que su Odisea cuenta el viaje del gran héroe Odiseo de vuelta a casa después de la guerra, a su amada esposa Penélope de Ítaca, y ésta, al igual que las otras obras mencionadas, reforzaba los valores culturales sin preocuparse por lo que pudiera o no haber ocurrido en relación con la guerra con Troya.

La historia narrada en el libro bíblico del Éxodo (1446 a.C.) es considerada por muchos como una verdad histórica, pero originalmente podría haber sido interpretada como una liberación de la esclavitud en un sentido espiritual, ya que fue escrita para empoderar a los adoradores de Yahvé, los alentó a resistir las tentaciones de los pueblos indígenas de Canaán y elevó la percepción de la audiencia de sí mismos como un pueblo elegido de un dios todopoderoso.

El Cantar de los Cantares (c. 950 a.C.), de las escrituras hebreas del Tanaj, inmortaliza el amor apasionado entre un hombre y una mujer (interpretado por los cristianos, mucho más tarde, como la relación entre Cristo y la iglesia, aunque el texto original no apoya tal interpretación) y el aspecto sagrado de dicha relación. La epopeya india Mahabharata (c. 800-400 a.C.) relata el nacimiento de una nación, mientras que el Ramayana (c. 200 a.C.) cuenta la historia del rescate por parte del gran Rama de su esposa secuestrada Sita del malvado Ravna.

Las obras encontradas en la biblioteca del rey asirio Asurbanipal (647-627 a.C.) recogen las hazañas de los dioses, las diosas y las luchas y triunfos de los reyes heroicos de la antigua Mesopotamia, como Enmerkar, Lugalbanda y Gilgamesh. El erudito Samuel Noah Kramer señala que las primeras obras sumerias -y, de hecho, la cultura sumeria en su conjunto- resuenan en la actualidad a muchos niveles y son especialmente evidentes en la literatura. Kramer escribe:

Sigue siendo evidente en una ley mosaica y en un proverbio salomónico, en las lágrimas de Job y en un lamento de Jerusalén, en el triste relato del dios-hombre moribundo, en una cosmogonía hesiódica y en un mito hindú, en una fábula esópica y en un teorema euclidiano, en un signo zodiacal y en un diseño heráldico.

Kramer

Originalidad en la literatura antigua

La mayoría de las obras primitivas fueron escritas en el metro poético que el escritor había oído repetir a lo largo del tiempo y, por lo tanto, la datación de piezas como el Enuma Elish o la Odisea es difícil, ya que fueron finalmente registradas por escrito muchos años después de su composición oral. El gran valor que los lectores y críticos actuales otorgan a la «originalidad» en la literatura era desconocido para los antiguos. La sola idea de considerar una obra de la imaginación de un individuo con algún grado de respeto nunca se le habría ocurrido a nadie del mundo antiguo. Las historias eran relatos de las hazañas de los grandes héroes, de los dioses, de las diosas o de la creación, como en Hesíodo y Homero.

Tan grande era el respeto por lo que hoy se llamaría «no ficción», que Geoffrey de Monmouth (1100-1155 d.C.) afirmó que su famosa Historia de los Reyes de Bretaña (que en gran parte inventó) era en realidad una traducción de un texto anterior que había «descubierto», y Sir Thomas Malory (1405-1471 d.C.), famoso por ser el autor de la Morte D’Arthur, negó cualquier contribución original a la obra que compiló a partir de autores anteriores, aunque hoy está claro que añadió mucho al material fuente que utilizó.

Esta tradición literaria de atribuir una obra original a fuentes anteriores, aparentemente autorizadas, es un ejemplo famoso de los evangelios del Nuevo Testamento cristiano, ya que los evangelios de Mateo, Marcos, Lucas y Juan, que muchos creyentes consideran relatos de testigos presenciales del ministerio de Jesús, fueron escritos mucho más tarde por autores desconocidos que eligieron nombres asociados a la iglesia primitiva.

La literatura abarca formas como la poesía, el drama, la prosa, el folclore, el relato épico, la narrativa personal, la poesía, la historia, la biografía, la sátira, los diálogos filosóficos, los ensayos, las leyendas y los mitos, entre otros. Los Diálogos de Platón, aunque no fueron los primeros en combinar los temas filosóficos con la forma dramática, fueron los primeros en poner el drama al servicio de la investigación filosófica. Los escritores posteriores se inspiraron en estas obras anteriores (como hizo Virgilio al componer su Eneida, basada en la Ilíada y la Odisea de Homero, entre el 30 y el 18 a.C.) y esta tradición de préstamos duró hasta la época de Shakespeare (1564-1616 d.C.) y continúa en la actualidad.

Autores famosos en la literatura

Entre los autores más destacados por que crear algunas de las obras más importantes de literatura se pueden mencionar a:

  • Voltaire
  • J.W. von Goethe
  • Jane Austen
  • Gustave Flaubert
  • Charles Dickens
  • Leo Tolstoy
  • Fyodor Dostoyevsky
  • Marcel Proust
  • Franz Kafka
  • George Orwell

Voltaire (1694-1778)
François-Marie Arouet, más conocido por su seudónimo Voltaire, fue un escritor, historiador y filósofo francés nacido en París. Escribió durante el Siglo de las Luces (1715-1789) y dirigió la mayor parte de su poder retórico a temas como la religión, la libertad de expresión y la separación de la Iglesia y el Estado. En su libro satírico titulado Cartas sobre la nación inglesa, publicado en 1773, Voltaire criticaba el comportamiento de sus compatriotas yuxtaponiendo la amabilidad de Inglaterra a la intolerancia de Francia a la hora de comerciar con extranjeros. El libro fue censurado poco después de su publicación.

Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832)
Goethe fue un escritor y político alemán nacido en Fráncfort, ciudad que en aquella época se encontraba dentro del Sacro Imperio Romano Germánico. Su obra más famosa fue un drama épico titulado Fausto, publicado en 1808, que cuenta la historia del hombre que pretende saberlo todo. No todo en un campo concreto… literalmente, todo. (¿Intrigado?) Sin duda, Goethe insertó mucho de sí mismo en Fausto, porque además de ser un prolífico escritor, también fue comisario de guerra y carreteras, crítico, botánico e ilustrador. ¿Se siente ya inadecuado?

Jane Austen (1775-1817)
Jane Austen fue una novelista inglesa nacida en Hampshire, Inglaterra. Es una de las grandes moralistas de la literatura, que anima a los lectores, a través de su narrativa dramática, a mejorar en cuestiones de carácter, amor e independencia. Desde que comenzó su carrera de escritora con Orgullo y prejuicio, publicada de forma anónima en 1811, Austen rara vez ha dejado de publicarse, ya que los lectores contemporáneos siguen encontrando placer en los sanos temas que interpoló magistralmente en las esferas de la decadencia victoriana.

Gustave Flaubert (1821-1880)
Gustave Flaubert fue un escritor francés nacido en Rouen, Francia, y es considerado uno de los pioneros del género del realismo. Su primera novela y obra magna, Madame Bovary, publicada en 1857, muestra sin tapujos la opresión y la falta de autonomía a la que se veían obligadas las mujeres de la época. Emma, la protagonista de la novela, es una hermosa joven del campo que, esperando que el amor verdadero sea como el de las fantásticas novelas románticas que lee, se ve arrastrada por el primer pretendiente que le muestra su inquebrantable atención. Pero cuando descubre que el matrimonio no es todo lo que parece, reanuda su búsqueda del príncipe azul en una serie de aventuras extramatrimoniales. Lee el libro para descubrir lo que sucede a continuación. Es una novela que te costará dejar de leer.

Charles Dickens (1812-1870)
Charles Dickens fue un novelista y gran caricaturista literario inglés nacido en Portsmouth, Inglaterra. Su obra a menudo trataba de corregir los males que veía en el mundo, como las violaciones de los derechos de los trabajadores, la obsesión victoriana por el utilitarismo y la pomposidad del caballero de los siglos XVIII y XIX. Verdadero amante de la coma, Dickens es conocido por su estilo de prosa florida, en la que las frases ocupan a veces un párrafo entero. Aunque su lectura es a veces frustrante, Dickens merece el tiempo y el esfuerzo, y deja al lector con una sensación de edificación tras cerrar la tapa de una de sus novelas cuidadosamente planificadas y temáticamente ricas.

Leo Tolstoi (1828-1910)
El conde Lev Nikoláievich Tolstói, conocido en inglés como Leo Tolstoy, fue un escritor ruso, pacifista y teórico religioso nacido en Yasnaya Polyana, Imperio Ruso. Considerado uno de los mejores escritores que han existido, Tolstoi se especializó en dramas narrativos ambientados en el campo ruso. Sus obras más famosas, Guerra y Paz y Ana Karenina, publicadas en 1869 y 1877, respectivamente, constituyen sólo una pequeña parte de su obra, que incluye una trilogía semiautobiográfica y numerosos cuentos y novelas. Tolstoi también es conocido por haber sido un gran narrador oral.

Fiódor Dostoyevski (1821-1881)
Fiódor Dostoyevski fue un novelista, ensayista, periodista y filósofo ruso nacido en Moscú, en el Imperio Ruso. Comenzó a escribir en serio a los 20 años, y su obra se interesa de manera peculiar por el funcionamiento de la psique humana cuando soporta diversos factores de estrés, algo que no escaseaba en la Rusia del siglo XIX. Tras introducirse en la literatura a través de los cuentos y las leyendas, Dostoyevski se puso a trabajar en la creación de una enorme obra que incluye sus novelas más famosas: Crimen y castigo (1866), El idiota (1869) y Los hermanos Karamazov (1880). En total, el autor cuenta con once novelas, diecisiete relatos y una masa inabarcable de otras obras.

Marcel Proust (1871-1992)
Marcel Proust fue un novelista, crítico y ensayista francés nacido en Auteuil, Francia. Más conocido por su obra en siete volúmenes À la recherche du temps perdu o En busca del tiempo perdido, publicada entre 1913 y 1927, la novela es oficialmente la más larga del mundo y contiene más de 2.000 personajes. Fue considerada inmediatamente como una obra maestra, que entrelaza descripciones en prosa inmaculadas de paisajes y personas con reflexiones filosóficas para crear un colorido hilo de imágenes e ideas. El primer volumen de la novela de Proust fue rechazado por la editorial Gallimard. Poco después de rechazar la obra, el editor dijo que era la peor decisión de su vida.

Franz Kafka (1883-1924)
Franz Kafka fue un novelista y cuentista alemán nacido en Praga, Austria-Hungría (actual República Checa). La mayoría conoce su cuento Metamorfosis, publicado en 1915, que cuenta la historia de un vendedor que se despierta y se encuentra transformado en una cucaracha. Sus padres llaman a la puerta para despertarle para ir a trabajar, llamándole vago por quedarse dormido. Pero cuando finalmente fuerzan la cerradura y descubren una cucaracha gigante en la habitación, se asustan y comienzan a atacarle, acabando por encerrarle. Si esto le parece extraño, es que no ha leído lo suficiente a Kafka. El autor es conocido por representar escenarios extraños y surrealistas, y a menudo se centra en temas de alienación, ansiedad existencial o el absurdo, y la culpa.

George Orwell (1903-1950)
Eric Arthur Blaire, más conocido por su seudónimo George Orwell, fue un novelista, periodista y escritor de no ficción inglés. Conocido sobre todo por su espeluznante descripción del futuro en su perenne novela Diecinueve Ochenta y Cuatro, publicada en 1949, Orwell perfeccionó la novela distópica, un género que engloba Brave New World, de Aldous Huxley, y que describe lo contrario de una utopía. Orwell también destacó en los ámbitos de la poesía, la crítica literaria y la escritura alegórica. Su novela Rebelión en la granja, publicada en 1945, refleja los acontecimientos que condujeron a la Revolución Rusa de 1917. Aparte de la ficción, en 1938 Orwell publicó Homenaje a Cataluña, que documenta sus experiencias y observaciones durante su estancia como soldado en la Guerra Civil española. Tras llegar a Barcelona en 1936, Orwell le dijo a John McNair que «había venido a España para unirse a la milicia y luchar contra el fascismo».

En conclusión
Los hombres y mujeres mencionados anteriormente cambiaron el mundo con sus escritos, una persona a la vez. Si aún no lo has hecho, tómate un tiempo para leer las obras de estos maestros de la literatura y observa cómo la sabiduría que difunden a través de palabras cuidadosamente elegidas entra en ti; afectará a tu personalidad, a tus procesos de pensamiento, a tu percepción… todo para mejor. Cuando por fin vuelvas a la literatura ligera, estarás mejor equipado para cortar el relleno, identificar el tema y el objetivo de un libro, y llevarte de tu experiencia de lectura no sólo lo que quieres, sino lo que necesitas.

Literatura como arte

La literatura: un arte por excelencia | José Fabara J. - Revista Punto Tlön

La literatura es una de las bellas artes, como la música, la danza, la pintura o la escultura, ya que está destinada a proporcionar placer estético más que a servir a un propósito utilitario. En el ámbito de la poesía, el teatro y la ficción, las mejores obras se seleccionan en función de la excelencia estética o la belleza de la expresión.

En resumen, la literatura es una forma estética de cualquier tipo de escritura. La literatura se refiere a la escritura considerada como una forma de arte o a cualquier escrito que se considere que tiene un valor artístico o intelectual, a menudo debido al despliegue del lenguaje de forma diferente al uso ordinario.

Su raíz latina literatura/litteratura (derivada a su vez de littera: letra o escritura La literatura se clasifica según sea ficción o no ficción, y según sea poesía o prosa. También puede distinguirse según las principales formas, como la novela, el cuento o el drama; y las obras suelen clasificarse según los periodos históricos o su adhesión a determinadas características o expectativas estéticas (género).

La literatura y las bellas artes existen como procesos y no son lo mismo que la cultura o los procesos culturales. Las artes son, por definición, actos creativos de los seres humanos. Los principales elementos de los procesos artísticos son los artistas, el público y la distribución, y como fenómenos históricos existen dentro de un marco temporal determinado. El mito y temas como el amor y la muerte no se desvanecen con el tiempo. Los cambios en las artes se producen con los nuevos conocimientos (incluidos los nuevos materiales), y con nuevas formas de comunicación provocadas por nuevos públicos. Lo más importante para el contexto de las artes son las estructuras de poder y los mercados. La modernización supuso un cambio básico cambio, pero hasta ahora no ha llevado a una «aldea global». La cultura de los pueblos es más importante para los artistas.

Además, el mundo sigue dividido entre los que viven en pobreza y no tienen acceso a las artes y los que son ricos (y a veces no tienen ningún interés por las artes). Desde esta perspectiva, las tesis de la UNESCO sobre las conexiones entre las artes y la «mejora de la sostenibilidad global» son muy importantes.

Mitos y literatura

Aunque parezca que el mito es sólo un fenómeno histórico, está vivo como lo está la historia. Los mitos los encontramos hoy en las películas indias (la mayor industria cinematográfica del mundo), en el teatro africano teatro asiático y europeo (aquí en un sentido amplio) y también en las formas en que se transmitió transmitidas: en la literatura. Y la literatura en América Latina y en diferentes partes del mundo es muy famosa.

Tal vez una de las razones sea que los primeros elementos de conocimiento de la humanidad son los «mitos». Cuando analizamos estos antiguos mitos (como hizo Jakob Grimm en su libro Deutsche Mythologie (Mitología alemana), que estimuló la escritura mitológica e incluso la invención de mitos en Europa en el siglo XIX), tenemos que darnos cuenta de que estos mitos sólo se conocen porque están documentados en textos escritos como la literatura.

Las fuentes orales no fueron todas influenciadas por la historia escrita. Esto es diferente de los cuentos o historias (de hadas) que fueron conocidos por contemporáneos de los Grimm después de la publicación de su libro. Los hermanos Grimm incluso crearon nuevas historias a partir de la «materia prima» o modificaron los cuentos antiguos. El objetivo de su inmensa obra erudita era ayudar a la creación de un estado-nación: Alemania.

Mitos vivientes

Sin embargo, todavía existen «mitos vivientes» en diferentes partes del mundo. Wole Soyinka (2000) ha analizado estos mitos y ha mostrado su interacción con el arte moderno en África. Aquí todavía hay posibilidades de «entender» las formas míticas. Pero una vez que se convierten en parte de las descripciones científicas o de los dramas, dejan de ser mitos (originales). Este hecho ofrece muchas oportunidades para analizar el paso del mito a la literatura de forma comparativa, pero, como veremos, no es posible hacer una reconstrucción. Existen numerosas herramientas científicas para una aproximación, pero ninguna prueba real. Incluso si pudiéramos demostrar la validez de las reconstrucciones, el resultado seguiría siendo un objeto de museo y no un mito.

A diferencia de éstos, los mitos de la vida cotidiana se llaman mitos pero no lo son en el sentido original. Siguen desempeñando un cierto papel en los discursos y controversias del presente. En su mayoría, la creación de estos mitos tiene lugar dentro de en las narrativas nacionales y en la vida cotidiana del siglo XXI, en sociedades divididas.

Características de la literatura

Características de la Literatura

A continuación se presentan las principales normas de la literatura:

Las siete normas literarias son: arte, sugestión, valor intelectual, valor espiritual, permanencia, universalidad y estilo. Son un conjunto de características para determinar si una obra es o no literaria.

  1. Universalidad
    Apela a todo el mundo independientemente de la cultura, la raza, el sexo y la época que se consideren significativos. La universalidad describe un escrito que apela a los corazones y las mentes de casi cualquier lector. La apelación se considera universal debido a su capacidad para cruzar las barreras de género, raza y cultura, independientemente de la época en que se escriba.
  2. Arte
    Tiene un atractivo estético para todos y, por tanto, posee un sentido de la belleza. El arte describe la literatura que es estéticamente atractiva y revela o transmite la verdad y la belleza ocultas. Este tipo de literatura atrae a un público amplio y posee un sentido de la belleza en la escritura que podría incluso parecer poético.
  3. Valor intelectual
    Estimula el pensamiento crítico que enriquece los procesos mentales de abstracción y razonamiento, haciendo que el hombre se dé cuenta de las verdades fundamentales de la vida y su naturaleza.

El valor intelectual lleva a los lectores a una zona un poco gris, ya que pueden tener diferentes opiniones sobre lo que se califica de intelectual, pero desde un punto de vista académico, las obras intelectuales son relevantes para la sociedad y provocan la reflexión. La literatura con valor intelectual promueve el pensamiento crítico que mejora los procesos de pensamiento tanto abstractos como basados en la razón y hace que los lectores se centren en las verdades fundamentales de la vida y la naturaleza.

  1. Sugerencia
    Desvela y conjura el poder emocional del hombre para definir el simbolismo, los matices, los significados implícitos, las imágenes y el mensaje, dando y evocando visiones por encima del plano de la vida y las experiencias ordinarias. Una obra literaria sugestiva se basa en el poder emocional para transmitir matices, simbolismos, significados implícitos, imágenes y mensajes. El poder de la sugestión permite que la obra inspire y provoque pensamientos y comprensión más allá de las palabras reales escritas en la página.
  2. Valor espiritual
    Eleva el espíritu y el alma y, por tanto, tiene el poder de motivar e inspirar, extraído de las moralejas o lecciones sugeridas de los diferentes géneros literarios.

La literatura con valor espiritual eleva el espíritu y el alma interiores y tiene el poder de motivar e inspirar a los lectores. Suele basarse en las lecciones sugeridas y los códigos morales de la sociedad que se representan en los distintos géneros literarios.

  1. Permanencia
    Perdura a través del tiempo y hace resaltar el factor temporal: La temporalidad, que se produce en un momento determinado, y la permanencia, que se mantiene invariablemente a lo largo del tiempo.

La permanencia viene determinada por la capacidad de la obra escrita para resistir el paso del tiempo, lo que hace imposible determinarla en el momento de la escritura. Las novelas que se siguen leyendo una y otra vez a lo largo de décadas, ya sea para disfrutarlas o para obtener nuevas ideas, cumplen este criterio. Muchas novelas gozan de una popularidad inicial, pero al final se desvanecen en la oscuridad con el tiempo, no superando la prueba de la permanencia.

  1. Estilo
    El estilo se refiere a la forma distintiva en que el autor expresa sus pensamientos. Las palabras pueden utilizarse de forma única, creativa y entretenida, lo que hace que la obra sea memorable. El estilo es otro elemento sujeto a la interpretación de los lectores en cuanto a su atractivo.

Presenta maneras peculiares de ver la vida por parte del hombre, que se manifiestan en la formación de sus ideas, formas, estructuras y expresiones, marcadas por su sustancia memorable.

Una obra literaria concreta debe poseer estas siete normas literarias para que se la pueda calificar de epítome inigualable de la obra de arte, capaz de soportar las inexorables mareas borrascosas de la alteración. Criticarla es tener en cuenta las siete normas literarias. Sea crítico. Pregúntate de vez en cuando.

¿Le conmueve?
¿Le transporta con su imaginación?
¿Qué te sugiere?
¿Qué lecciones morales se pueden extraer?
¿Seguirá siendo leído y constituirá una buena referencia dentro de cientos de años?
¿Posee una naturaleza polifacética para todo tipo de público?
¿Le fascina el estilo?
¿El estilo utilizado es autentico?

Géneros de la literatura

Género es un término francés derivado del latín genus, generis, que significa «tipo», «clase» o «género». Designa la forma o tipo literario en el que se clasifican las obras en función de lo que tienen en común, ya sea en sus estructuras formales o en su tratamiento del tema, o en ambos. El estudio de los géneros puede ser valioso de tres maneras. En el nivel más sencillo, la agrupación de obras nos ofrece una forma ordenada de hablar de un número de textos literarios que, de otro modo, sería desconcertante. Y lo que es más importante, si reconocemos el género de un texto, también podemos tener una mejor idea de su estructura y/o tema general. Por último, un enfoque basado en el género puede profundizar nuestro sentido del valor de cualquier texto individual, al permitirnos verlo de forma comparativa, junto a muchos otros textos de su tipo.

Clasificación por tipos

Aunque el número de géneros y sus subdivisiones ha proliferado desde la época clásica, sigue siendo útil la división del ámbito literario en tres grandes géneros (de Platón, Aristóteles y, posteriormente, Horacio). Son la lírica, el drama y la epopeya, y se distinguen por el «modo de imitación», es decir, por la forma en que se presentan los personajes y la acción. El cuadro resume brevemente las principales diferencias en la forma de presentar la acción y los personajes en la lírica, el drama y el narrativo.

  • GÉNERO NARRATIVO. Esta larga narración está escrita principalmente en tercera persona. Sin embargo, el poeta narrativo se hace presente, a veces hablando en primera persona, como cuando se apela a las musas para que se inspiren (la invocación) o informando del discurso directo de los personajes.
  • GÉNERO LÍRICO. El poeta escribe el poema como su propia experiencia; a menudo el poeta utiliza la primera persona («yo»); sin embargo, este hablante no es necesariamente el poeta, sino que puede ser un personaje ficticio o una persona.
  • GÉNERO DRAMÁTICO O TEATRAL. Los personajes están obviamente separados del escritor; de hecho, generalmente parecen tener vida propia y su discurso refleja sus personalidades individuales. El escritor está presente, por supuesto, en las indicaciones escénicas (de las que el público no es consciente durante la representación), y ocasionalmente un personaje actúa como portavoz del escritor.

La lírica incluye todas las formas de poesía más breves, como la canción, la oda, la balada, la elegía o el soneto. Hasta el siglo XIX, el poema lírico corto se consideraba el menos importante de los géneros, pero con el movimiento romántico el prestigio de la lírica aumentó considerablemente. La relativa brevedad de la lírica hace que se haga hincapié en una construcción formal ajustada y una unidad concentrada. Por lo general, el tema es expresivo, ya sea de emociones personales, como el amor o el dolor, o de emociones públicas, como el patriotismo, la reverencia o la celebración.

El teatro presenta las acciones y palabras de los personajes en un escenario. La disposición formal convencional en actos y escenas se deriva en última instancia de la práctica en el drama griego de alternar escenas de diálogo con secciones corales. Del ejemplo clásico procede también la subdivisión estándar en tragedia y comedia. Históricamente, muchas de las convenciones específicas de estos dos tipos han cambiado. Nos referimos, por ejemplo, a la tragedia griega, a la medieval o a la shakesperiana. Esto no niega las interrelaciones entre ellas, sino que subraya la misma importancia de sus rasgos distintivos. Algo que comparten la tragedia griega y la tragedia shakesperiana es la «visión trágica».

Es útil, al hablar de las obras, estar familiarizado con algunas convenciones básicas del drama. Toda obra teatral implica normalmente la presentación directa de acciones y palabras por parte de los personajes en un escenario. Aunque los principios estructurales son bastante fluidos, la forma dramática a menudo tiende a pasar de la exposición o presentación de la situación dramática, a través de la complicación, estableciendo la dirección del conflicto dramático, a un clímax o punto de inflexión (conectado con la peripecia de Aristóteles o «cambio de fortuna»), y luego a través de la acción adicional, resolviendo las diversas complicaciones, hasta el desenlace o conclusión de la obra. Este movimiento convencional en el drama no es un absoluto, sino una tendencia que observamos, y las variaciones son frecuentes. («La exposición» de la motivación de los personajes, por ejemplo, no tiene por qué limitarse al primer acto).

Es útil comprender esta estructura convencional del drama para poder apreciar mejor las desviaciones de la misma, así como aplicarla más específicamente a las tragedias, así como a las comedias.

La epopeya, en la formulación clásica de los tres géneros, se refería exclusivamente a la «epopeya poética». Era, por supuesto, en verso, bastante larga (24 libros en Homero, 12 libros en Virgilio), y tendía a ser episódica. Trataba en un lenguaje elevado de figuras heroicas (héroes humanos y deidades) cuyas hazañas afectaban a civilizaciones enteras o incluso, por implicación, a toda la humanidad. Su extensión respondía a la magnitud del tema.

Hoy en día, clasificamos las narrativas con otras formas del «tipo mixto». Es decir, consideramos que la narrativa clásica no es más que una de las subdivisiones genéricas de la epopeya o la ficción. Esta clasificación más amplia puede incluir muchos tipos de narraciones, tanto en prosa como en verso. Así, el «género mixto» incluye ahora la novela, el cuento popular, la fábula, el cuento de hadas, incluso el cuento y la novela corta, así como el romance, que puede ser en prosa o en verso. De ellos, la novela y el romance tienden a continuar la tradición épica de la longitud (se habla de la «extensión» de una novela de gran tamaño).

Hay que señalar que la división en tres partes de la lírica, el drama y la narrativa o la ficción, aunque útil y relativamente completa, no da cabida a todos los géneros literarios conocidos. Algunas omisiones evidentes son el ensayo, la pastoral, la biografía y la autobiografía, y la sátira.

Cómo han utilizado los géneros los críticos literarios

Los críticos han empleado el enfoque de género de la literatura de varias maneras. Desde el Renacimiento hasta la mayor parte del siglo XVIII, por ejemplo, a menudo intentaban juzgar un texto según lo que consideraban las «leyes del género» fijas, insistiendo en la pureza, es decir, la fidelidad al tipo. Así, la inclusión de episodios cómicos en obras predominantemente serias estaba mal vista, y formas híbridas como la tragicomedia eran descartadas. También se tendía a jerarquizar los géneros, normalmente con la epopeya o la tragedia en la cima, y las formas más breves, como el epigrama y las subdivisiones de la lírica, en la base. Los críticos modernos tienen una visión diferente de los géneros y suelen señalar cómo, en la práctica real, los escritores juegan contra y con las tradiciones genéricas y cómo las convenciones específicas son imitadas o desafiadas, modificadas o renovadas.

Los géneros literarios: Conclusión

Todas las artes se componen de géneros. Por nombrar algunos de los tipos más destacados: en pintura, están el paisaje, la naturaleza muerta, el retrato; en música están la sonata, la sinfonía, la canción; en cine tenemos la comedia doméstica, el terror/thriller, el western.

Si los estudiantes piensan en las formas con las que están más familiarizados (tal vez los géneros cinematográficos), comprenderán que, para una apreciación sofisticada, necesitan estar siempre familiarizados con las convenciones específicas del tipo.

El estudio de los géneros es esencialmente el estudio de las convenciones. Y tanto en la literatura como en las demás artes, el conocimiento de las convenciones genéricas es fundamental para enriquecer nuestras respuestas a los textos particulares. Es cierto que, dado que estamos leyendo «hitos», siempre habrá algo maravillosamente único en cada gran obra estudiada. Pero en cada caso habrá también un conjunto de expectativas relacionadas con su tipo, con su tradición genérica, así como con el Zeitgeist (el «espíritu de la época») en el que se escribió la obra.

Los 14 Géneros literarios

Ficción literaria. Las novelas de ficción literaria se consideran obras con valor artístico y mérito literario. Suelen incluir crítica política, comentarios sociales y reflexiones sobre la humanidad. Las novelas de ficción literaria suelen estar centradas en los personajes, en lugar de en la trama, y siguen la historia interior de un personaje.

Misterio. Las novelas de misterio, también llamadas de ficción detectivesca, siguen a un detective que resuelve un caso de principio a fin. Dejan caer pistas y revelan información lentamente, convirtiendo al lector en un detective que intenta resolver el caso. Las novelas de misterio comienzan con un emocionante gancho, mantienen el interés de los lectores con un ritmo de suspense y terminan con una conclusión satisfactoria que responde a todas las preguntas pendientes del lector.

Thriller. Las novelas de suspense son historias oscuras, misteriosas y de suspense. Rara vez incluyen elementos cómicos, pero lo que les falta de humor lo compensan con suspense. Las novelas de suspense mantienen a los lectores en vilo y utilizan giros de la trama, pistas falsas y suspense para mantenerlos expectantes hasta el final.

De terror. Las novelas de terror pretenden asustar, sobresaltar, conmocionar e incluso repeler a los lectores. Por lo general, se centran en temas como la muerte, los demonios, los espíritus malignos y el más allá, y se aprovechan de los miedos con seres terroríficos como fantasmas, vampiros, hombres lobo, brujas y monstruos. En la ficción de terror, la trama y los personajes son herramientas que se utilizan para provocar una aterradora sensación de miedo.

Histórica. Las novelas de ficción histórica se desarrollan en el pasado. Escritas con un cuidadoso equilibrio de investigación y creatividad, transportan a los lectores a otro tiempo y lugar, que puede ser real, imaginado o una combinación de ambos. Muchas novelas históricas cuentan historias en las que intervienen personajes o acontecimientos históricos reales dentro de escenarios históricos.

Romance. La ficción romántica se centra en historias de amor entre dos personas. Son alegres, optimistas y tienen un final emocionalmente satisfactorio. Las novelas románticas contienen conflictos, pero no eclipsan la relación romántica, que siempre prevalece al final.

Western. Las novelas del Oeste narran las historias de vaqueros, colonos y forajidos que exploran la frontera del Oeste y domestican el Viejo Oeste americano. Se caracterizan por los elementos específicos de su género y se apoyan en ellos de un modo que no lo hacen las novelas de otros géneros de ficción. Los westerns ya no son tan populares como antes; la edad de oro del género coincidió con la popularidad de las películas del oeste en las décadas de 1940, 1950 y 1960.
Bildungsroman. El Bildungsroman es un género literario de historias sobre un personaje que crece psicológica y moralmente desde su juventud hasta la edad adulta. Por lo general, experimentan una profunda pérdida emocional, emprenden un viaje, se enfrentan a un conflicto y se convierten en una persona madura al final de la historia. Traducido literalmente, un bildungsroman es «una novela de educación» o «una novela de formación».

Ficción especulativa. La ficción especulativa es un supergénero que engloba diferentes tipos de ficción, desde la ciencia ficción hasta la fantasía y la distopía. Las historias se desarrollan en un mundo diferente al nuestro. La ficción especulativa no conoce fronteras; no hay límites para lo que existe más allá del mundo real.

Ciencia Ficción. Las novelas de ciencia ficción son historias especulativas con elementos imaginados que no existen en el mundo real. Algunas se inspiran en las ciencias naturales «duras», como la física, la química y la astronomía; otras, en las ciencias sociales «blandas», como la psicología, la antropología y la sociología. Los elementos más comunes de las novelas de ciencia ficción son los viajes en el tiempo, la exploración espacial y las sociedades futuristas.

Fantasía. Las novelas de fantasía son historias de ficción especulativa con personajes imaginarios situados en universos imaginarios. Se inspiran en la mitología y el folclore y a menudo incluyen elementos de magia. Este género atrae tanto a niños como a adultos; entre los títulos más conocidos se encuentran Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll, y la serie de Harry Potter, de J.K. Rowling.

Distopía. Las novelas distópicas son un género de ciencia ficción. Están ambientadas en sociedades consideradas peores que la que vivimos. La ficción distópica contrasta con la utópica, que se desarrolla en sociedades consideradas mejores que la nuestra.

Realismo mágico. Las novelas de realismo mágico describen el mundo con veracidad y añaden elementos mágicos. Los elementos fantásticos no se ven como algo extraño o único, sino que se consideran normales en el mundo en el que se desarrolla la historia. El género nació del movimiento artístico realista y está estrechamente relacionado con autores latinoamericanos.

Literatura realista. Las novelas de ficción realista están ambientadas en una época y un lugar que podrían ocurrir en el mundo real. Representan a personas, lugares e historias reales con el fin de ser lo más veraces posible. Las obras de ficción realistas son fieles a la vida cotidiana y respetan las leyes de la naturaleza tal y como las entendemos actualmente.

Tipos de literatura

Al rastrear la evolución de la literatura a través del tiempo, los estudiosos suelen agrupar las obras de una determinada época y etiquetarlas como un período o movimiento. Esta sección de La Red de Literatura pretende diseccionar estos movimientos para que usted, el lector, los comprenda mejor. Los movimientos o periodos enumerados aquí no son mutuamente excluyentes en sus marcos temporales, sino que se solapan, libremente. En algunos casos, un mismo autor puede ser reivindicado por más de un movimiento. Clasificar el arte, un arte en sí mismo, a menudo acaba siendo más fluido. Cada introducción (enumerada a continuación) incluye una amplia descripción del movimiento o periodo, ejemplos de obras clave y una lista de los principales autores.

El renacimiento

El Renacimiento en Europa fue en cierto sentido un despertar del largo letargo de la Edad Media. Lo que había sido un tipo de sociedad estancada, incluso en retroceso, volvió a invertir en la promesa de ganancias materiales y espirituales. Existía la creencia sincera de que la humanidad estaba progresando hacia una noble cumbre de existencia perfecta.

El modo en que este renacimiento -pues Renacimiento significa literalmente renacimiento- llegó a buen puerto es objeto de debate entre los historiadores. Lo que no puede discutirse es que la humanidad dio un asombroso salto adelante tras cientos de años de deriva. Los siglos XIV a XVI en Europa fueron testigos de una ruptura deliberada con los modos de vida feudales.

Los terratenientes aristocráticos perdieron su hegemonía sobre las clases bajas, ya que las oportunidades de crecimiento y enriquecimiento se presentaban en los crecientes centros urbanos. En Italia, por ejemplo, los ciudadanos cultos redescubrieron la gracia y el poder de sus tradiciones clásicas y paganas. Las mitologías y filosofías griegas y romanas sirvieron de inspiración para una nueva ola de creación artística.

Los intelectuales adoptaron una línea de pensamiento conocida como «humanismo», en la que se creía que la humanidad era capaz de alcanzar una perfección terrenal más allá de lo que se había imaginado antes. El espíritu dominante de la época era el optimismo, una creencia insaciable de que la vida estaba mejorando por primera vez en la memoria de cualquiera.

De hecho, el espectro de la Edad Media y la Peste Negra estaba todavía muy fresco en la mente de la gente, y la promesa de avanzar y alejarse de esos horrores era bienvenida de todo corazón.

Ilustrativa

La Ilustración, a veces denominada la Edad de la Razón, fue una confluencia de ideas y actividades que tuvieron lugar a lo largo del siglo XVIII en Europa Occidental, Inglaterra y las colonias americanas. El racionalismo científico, ejemplificado por el método científico, fue el sello de todo lo relacionado con la Ilustración.

Siguiendo los pasos del Renacimiento, los pensadores de la Ilustración creían que los avances de la ciencia y la industria anunciaban una nueva era de igualitarismo y progreso para la humanidad. Se producían más bienes por menos dinero, la gente viajaba más y las posibilidades de que los ascendentes cambiaran realmente su posición en la vida mejoraban significativamente.

Al mismo tiempo, muchas voces expresaban una fuerte crítica a algunas instituciones culturales consagradas. La Iglesia, en particular, fue señalada como un obstáculo para el avance de la razón humana. Muchos intelectuales de la Ilustración practicaban una variedad de Deísmo, que es un rechazo a la religión organizada y doctrinal en favor de un tipo de fe más personal y espiritual.

Por primera vez en la historia occidental registrada, la hegemonía de los líderes políticos y religiosos se debilitó hasta el punto de que los ciudadanos tenían poco que temer a la hora de dar a conocer sus opiniones. La crítica estaba a la orden del día y la argumentación era el nuevo modo de conversación.

Romanticismo

Ningún otro periodo de la literatura inglesa muestra más variedad de estilos, temas y contenidos que el Movimiento Romántico de los siglos XVIII y XIX. Además, ningún periodo ha sido objeto de tantos desacuerdos y confusiones sobre sus principios definitorios y su estética. Así pues, la mejor manera de describir el Romanticismo es como una gran red de filosofías, agendas y puntos de interés que a veces compiten entre sí.

En Inglaterra, el Romanticismo tuvo su mayor influencia desde finales del siglo XVIII hasta aproximadamente 1870. Su principal vehículo de expresión fue la poesía, aunque los novelistas adoptaron muchos de los mismos temas. En Estados Unidos, el movimiento romántico se retrasó y moduló ligeramente, dominando las artes y las letras desde aproximadamente 1830 hasta la Guerra Civil. A diferencia del ejemplo inglés, la literatura estadounidense defendió la novela como el género más adecuado para la exposición del Romanticismo.

En un sentido más amplio, el Romanticismo puede concebirse como un adjetivo aplicable a la literatura de prácticamente cualquier época. En este sentido, desde las epopeyas homéricas hasta las modernas novelas de bolsillo pueden llevar el sello del Romanticismo. A pesar de estos desacuerdos generales sobre el uso, hay algunas afirmaciones definitivas y universales que se pueden hacer sobre la naturaleza del movimiento romántico tanto en Inglaterra como en América.

Transcendentalismo

A principios y mediados del siglo XIX, un movimiento filosófico conocido como trascendentalismo echó raíces en América y evolucionó hasta convertirse en una expresión predominantemente literaria. Los seguidores del trascendentalismo creían que se podía llegar al conocimiento no sólo a través de los sentidos, sino a través de la intuición y la contemplación del espíritu interno.

Como tal, profesaban el escepticismo de todas las religiones establecidas, creyendo que la Divinidad residía en el individuo, y la mediación de una iglesia era engorrosa para alcanzar la iluminación. La génesis del movimiento puede rastrearse con precisión hasta 1836 y la primera reunión del Club Trascendental en Cambridge, Massachusetts. El padre del movimiento, un apelativo que probablemente no le gustaba, fue Ralph Waldo Emerson.

Otros colaboradores destacados fueron Henry David Thoreau, Margaret Fuller, William Henry Channing y George Ripley. En el gran esquema, el momento de los trascendentalistas en el escenario literario fue decididamente breve. Con la muerte de Fuller en 1850, uno de los grandes defensores del movimiento fue silenciado. Emerson carecía de la vitalidad y el deseo de seguir su camino. Aunque su influencia en la imaginación del público fue efímera, no se puede negar la prolongada influencia que los trascendentalistas ejercieron en la literatura estadounidense.

Incluso los críticos de la filosofía se vieron obligados a reconocer los efectos que el Movimiento Trascendental tuvo en el mundo, especialmente en la experiencia americana del mundo. Porque el trascendentalismo fue una expresión netamente estadounidense, con preocupaciones e ideales que quizá no se tradujeron del todo en Inglaterra o en la Europa continental. La filosofía estaba inexorablemente unida al impulso expansionista de Estados Unidos, así como a la inquietante cuestión de la esclavitud y el lugar de la mujer en la sociedad.

Un movimiento filosófico-literario no puede resolver esos problemas, pero puede proporcionar el vocabulario para discutirlos razonablemente.

Victoriana

Definir la literatura victoriana de forma satisfactoria y completa ha resultado problemático para los críticos desde que el siglo XIX llegó a su fin. A grandes rasgos, el movimiento abarca los años que van de 1830 a 1900, aunque existe un amplio desacuerdo incluso sobre este simple punto. El nombre que se le ha dado al periodo se debe a la matriarca real de Inglaterra, la reina Victoria, que ocupó el trono de 1837 a 1901.

Resulta difícil determinar con exactitud dónde termina el Movimiento Romántico de principios del siglo XIX y dónde comienza el Período Victoriano porque estas tradiciones tienen muchos aspectos en común. Del mismo modo, identificar el punto en el que el victorianismo da paso por completo al modernismo no es tarea fácil. Los periodos literarios nunca son los ámbitos discretos y autónomos que las antologías sugieren.

Más bien, un periodo literario se asemeja a una cuerda deshilachada por ambos extremos. Son muchos los hilos que componen la cuerda y que colaboran para formar el conjunto del medio artístico y cultural. Los escritores victorianos exhibieron algunos hábitos bien establecidos de épocas anteriores, al tiempo que impulsaron las artes y las letras en direcciones nuevas e interesantes.

De hecho, algunos de los últimos novelistas y poetas victorianos son casi indistinguibles de los modernistas que les siguieron poco después. A pesar de la incertidumbre terminológica, se pueden hacer algunas afirmaciones concretas sobre la naturaleza de la literatura victoriana y el mundo intelectual que la alimentó.

Realismo

El paradigma dominante en la escritura de novelas durante la segunda mitad del siglo XIX ya no era el idealismo romántico de la primera parte del siglo. Lo que se impuso entre los grandes novelistas de Europa y América fue un nuevo enfoque de los personajes y los temas, una escuela de pensamiento que más tarde se conoció como Realismo. Por un lado, el realismo es precisamente lo que parece.

Es la atención al detalle y un esfuerzo por reproducir la verdadera naturaleza de la realidad de una manera que los novelistas nunca habían intentado. Existe la creencia de que la función de la novela es simplemente informar de lo que ocurre, sin comentarios ni juicios. Elementos aparentemente intrascendentes acaparan la atención de la novela que funciona al modo realista.

De Henry James, por ejemplo, uno tiene la sensación de estar allí en el momento, mientras se construye un denso tejido de detalles y observaciones minúsculas. Este cambio de estilo obligó a dejar de lado algunas de las expectativas tradicionales sobre la forma de la novela. A diferencia de lo que ocurría antes, la novela realista se basa en los puntos fuertes de sus personajes más que en la trama o en los giros de la frase.

Los personajes que produjo la escuela de novelistas realistas son algunos de los más famosos de la historia de la literatura, desde la Daisy Miller de James hasta el Raskolnikov de Dostoievski. Son psicológicamente complicados, polifacéticos y con impulsos y motivaciones conflictivas que casi reproducen las tribulaciones diarias del ser humano.

Naturalismo

La consecuencia lógica del Realismo literario fue el punto de vista conocido como Naturalismo. Este movimiento literario, al igual que su predecesor, se expresó casi exclusivamente en la novela. El naturalismo también encontró su mayor número de practicantes en América poco antes y después del cambio de siglo.

El naturalismo pretendía ir más allá y ser más explicativo que el realismo, identificando las causas subyacentes de las acciones o creencias de una persona. El pensamiento era que ciertos factores, como la herencia y las condiciones sociales, eran determinantes inevitables en la vida de una persona. Un inmigrante pobre no podía escapar de su vida de pobreza porque sus condiciones previas eran los únicos aspectos formativos en su existencia que importaban.

El naturalismo prescindió casi por completo de la noción de libre albedrío, o al menos de un libre albedrío capaz de provocar un cambio real en las circunstancias de la vida. A menudo se señala que las teorías de Charles Darwin desempeñaron un papel en el desarrollo del naturalismo literario; sin embargo, esa relación no resiste el rigor de la investigación.

Darwin nunca aplicó sus teorías al comportamiento social humano, y al hacerlo muchos autores abusaron gravemente de la ciencia real. A finales del siglo XIX hubo una moda en la sociología de aplicar la teoría evolutiva a los problemas sociales humanos. Esta línea de pensamiento llegó a conocerse como darwinismo social, y hoy se reconoce como el racismo científico sistematizado que es. No pocas atrocidades en la historia del mundo fueron perpetradas por quienes aplicaron erróneamente el darwinismo al ámbito social. El naturalismo, para bien o para mal, es en algunos aspectos una forma de darwinismo social representado en la ficción.

Modernismo

El periodo modernista de la literatura inglesa abarcó los años que van desde poco después del comienzo del siglo XX hasta aproximadamente 1965. A grandes rasgos, este periodo se caracterizó por una ruptura repentina e inesperada con las formas tradicionales de ver e interactuar con el mundo.

La experimentación y el individualismo se convirtieron en virtudes, mientras que en el pasado a menudo se desaconsejaban. El modernismo se puso en marcha, en cierto sentido, a través de una serie de choques culturales. La primera de estas grandes conmociones fue la Gran Guerra, que asoló Europa desde 1914 hasta 1918, conocida ahora como la Primera Guerra Mundial. En aquella época, esta «Guerra para acabar con todas las guerras» se contemplaba con un horror tan espantoso que mucha gente simplemente no podía imaginar hacia dónde parecía que se estaba precipitando el mundo.

Los primeros indicios de esa particular forma de pensar llamada Modernismo se remontan al siglo XIX. En cuanto a los periodos literarios, el Modernismo muestra un sentido relativamente fuerte de cohesión y similitud entre géneros y lugares. Además, los escritores que adoptaron el punto de vista moderno lo hicieron a menudo de forma deliberada y consciente. De hecho, una de las principales preocupaciones del Modernismo es el yo interior y la conciencia.

A diferencia de la visión romántica del mundo, el modernista se preocupa poco por la naturaleza, el ser o las estructuras generales de la historia. En lugar de progreso y crecimiento, la intelectualidad modernista ve la decadencia y una creciente alienación del individuo. La maquinaria de la sociedad moderna se percibe como impersonal, capitalista y antagónica al impulso artístico. Sin duda, la guerra influyó mucho en esta forma de ver el mundo. Dos guerras mundiales en el lapso de una generación conmocionaron a toda la civilización occidental.

Grupo de Bloomsbury

El Grupo de Bloomsbury era una pequeña asociación informal de artistas e intelectuales que vivían y trabajaban en la zona de Bloomsbury, en el centro de Londres. La más destacada era la novelista y ensayista Virginia Woolf. En total, sólo una docena de personas podían considerarse miembros del grupo.

Desde poco antes de 1910, el Grupo de Bloomsbury se reunía a intervalos irregulares para conversar, acompañar y reponer la energía creativa. Los miembros de Bloomsbury, o «Bloomsberries», mantendrían más o menos su filosofía mutua de una sociedad ideal, incluso a través de una Guerra Mundial y tres décadas de cambios tectónicos en el clima político. No tenían una agenda o misión codificada.

No eran políticos en el sentido habitual de la palabra. Y lo que es más importante, no se requería ninguna solicitud o iniciación para convertirse en miembro. Bloomsbury era una mezcolanza informal de amigos intelectuales, y uno merecía ser incluido en ese círculo o no. Ninguna regla de orden, como en un comité, regía la forma en que Bloomsbury gestionaba sus interacciones.

En su lugar, celebraban cenas y reuniones improvisadas en las que cualquier tema era objeto de una seria discusión y contemplación. Estos intercambios intelectuales fueron la principal influencia en el trabajo posterior de cada uno de los miembros. No todos los miembros estaban de acuerdo en todos los temas. Algunas de las ideas y escritos más estimulantes de Bloomsbury surgieron de los desacuerdos y luchas internas.

Se puede decir con seguridad que cada miembro de Bloomsbury era de izquierdas en su política, aunque como individuos expresaban su política de formas muy diferentes.

Existencialismo

«Pienso, luego existo». Aunque reducida ahora al nivel de cliché, la famosa máxima de René Descartes resume perfectamente los fundamentos filosóficos del pensamiento existencialista. El existencialismo tiene sus raíces en los escritos de varios filósofos de los siglos XIX y XX, entre ellos Friedrich Nietzsche, Martin Heidegger y Søren Kierkegaard.

La filosofía es, en la mayoría de los casos, un conglomerado muy poco preciso de perspectivas, estéticas y enfoques para abordar el mundo y sus dificultades inherentes.

Por lo tanto, hay innumerables permutaciones y sabores del existencialismo que atraviesan las líneas disciplinarias y los modos de investigación. En el sentido más general, el existencialismo se ocupa del problema recurrente de encontrar el sentido de la existencia. Desde esta perspectiva, no hay significados o estructuras que precedan a la propia existencia, como se encuentra en la religión organizada.

Por tanto, el individuo debe encontrar o crear un sentido para sí mismo. El pensamiento existencialista se ha ganado una injusta reputación de pesimismo e incluso de nihilismo en toda regla. Esta reputación es en cierto modo comprensible. La idea de la creación de un significado parece, en última instancia, carente de sentido o incluso absurda. Algunos de los tropos populares asociados a la filosofía existencial, como la angustia, el aburrimiento o el miedo, también parecen estar impregnados de pesimismo.

Sin embargo, nada en el pensamiento filosófico del existencialismo dicta una visión negativa de la humanidad o de la realidad. De hecho, gran parte de la filosofía gira en torno a la capacidad ilimitada de las personas ética e intelectualmente comprometidas para introducir cambios en el mundo. El cambio positivo es entonces un imperativo para el verdadero existencialista; de lo contrario, la existencia es un completo vacío. Dicho de otro modo, no basta con «ser». Hay que ser «algo» o la vida carece realmente de sentido o propósito. Desde este punto de vista, el existencialismo tiene el potencial de ser un medio muy positivo de acercarse a la realidad.

Generacion Beat

La Generación BeatEn los Estados Unidos, en la década de 1950, un nuevo movimiento cultural y literario se impuso en la conciencia de la nación. La Generación Beat nunca fue un movimiento grande en términos de número, pero en cuanto a influencia y estatus cultural fue más visible que cualquier otra estética competidora.

Los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial fueron testigos de una reevaluación total de las estructuras convencionales de la sociedad. Justo cuando el boom económico de la posguerra se afianzaba, los estudiantes de las universidades empezaban a cuestionar el materialismo desenfrenado de su sociedad.

La Generación Beat fue un producto de este cuestionamiento. Consideraban que el capitalismo desbocado era destructivo para el espíritu humano y antitético para la igualdad social. Además de su insatisfacción con la cultura del consumo, los Beat se rebelaron contra la mojigatería de la generación de sus padres. Los tabúes que impedían hablar con franqueza de la sexualidad se consideraban malsanos y posiblemente perjudiciales para la psique.

En el mundo de la literatura y el arte, los beats se opusieron al formalismo limpio y casi antiséptico de los modernistas de principios del siglo XX. Crearon una literatura más atrevida, directa y expresiva que todo lo anterior. Los estilos musicales underground, como el jazz, eran especialmente evocadores para los escritores Beat, a la vez que amenazantes y siniestros para el establishment. Para muchos, las producciones artísticas de los Beat cruzaban la línea de la pornografía y, por tanto, merecían la censura. Algunos desestimaron la literatura de la Generación Beat como una mera provocación, un medio para llamar la atención, no un arte serio.

El tiempo ha demostrado que el impacto cultural de los escritores Beat no fue efímero, ya que la influencia de su obra sigue siendo muy amplia.

▷ Generos literarios y tipos de literatura que existen actualmente
Literatura antigua

¿Cuáles son las cualidades de la buena literatura en el siglo XXI?

En este artículo vamos a ver 5 cualidades esenciales de la buena literatura.

  • La literatura debe tener un tema.
  • Debe explicar la relevancia del tema.
  • La literatura debe tener una idea convincente.
  • Debe tener un buen estilo y gramática.
  • La literatura debe sonar genuina.

¿Qué es la literatura del siglo XXI?

Literatura del siglo XXI Nuevas obras literarias creadas en la última década, Escritura imaginativa, Aborda temas actuales y refleja la cultura tecnológica A menudo rompe con la escritura tradicional Traza la representación artística de experiencias compartidas y familiares.

¿Cuál es la importancia de la literatura del siglo XXI?

Nos enseña sobre la vida exponiéndonos a las vidas de diferentes personas a través de sus historias, y de estas experiencias vicarias, aprendemos importantes lecciones y valores. La literatura nos enseña humanidad: a ser sensibles y empáticos con los demás.

¿Cuáles son las principales formas de la literatura?

Formas de literatura:

La poesía. Un poema es una composición generalmente escrita en verso.

Teatro. Una obra de teatro o drama ofrece otra forma literaria clásica que ha seguido evolucionando a lo largo de los años.

Ensayo. La ficción en prosa.

¿Cuáles son las primeras formas de la literatura?

Al igual que la rueda, las ciudades y los códigos legales, los primeros ejemplos de literatura escrita parecen haberse originado en la antigua Mesopotamia. La civilización sumeria desarrolló por primera vez la escritura hacia el año 3400 a.C., cuando empezó a hacer marcas en tablillas de arcilla en una escritura conocida como cuneiforme.

¿Cuáles son los cambios en la literatura del siglo XXI?

He aquí otra diferencia de la literatura del siglo XXI, los modernistas estarían más en líneas de verso libre, sin esquema de rima establecido, o formato a diferencia de los escritores convencionales. La literatura antigua, si se entiende por literatura tradicional, era predominantemente oral, didáctica y mítica, llena de romanticismo e idealismo.

¿Qué son los ejemplos de literatura del siglo XXI?

Libros de literatura del siglo XXI

La carretera Cormac McCarthy.
La vida de Pi Yann Martel.
El ferrocarril subterráneo Colson Whitehead
Expiación
Toda la luz que no vemos
El jilguero
Las increíbles aventuras de Kavalier y Clay
Nunca me dejes ir