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LAS ESCULTURAS MAS FAMOSAS DE TODOS LOS TIEMPOS

Hay un viejo chiste que dice que la escultura es aquello con lo que te tropiezas cuando retrocedes para ver mejor un cuadro, pero la escultura exige una forma de compromiso más real que un objeto bidimensional en un marco. Desde dearte.club te traemos este artículo sobre las mejores esculturas más famosas de todos los tiempos.

Esto se debe a que, independientemente del lugar en el que se encuentre -como una estatua en Central Park, por ejemplo, o como un proyecto de arte público, o como parte de la colección del Met, el MoMA o el Guggenheim-, la escultura siempre comparte el mismo espacio tridimensional que usted.

En lugar de contemplar un lienzo o un dibujo desde una posición más o menos fija, las esculturas están pensadas para ser experimentadas en redondo, obligando a cambiar el punto de vista a medida que se interactúa con ellas.

Desde tiempos inmemoriales, los escultores han explorado esta relación entre el espectador, el espacio y el objeto material de múltiples maneras, como puede verse en nuestra lista de las principales esculturas famosas de todos los tiempos.

Las mejores esculturas más famosas de todos los tiempos. Desde la prehistoria y el Renacimiento hasta el modernismo del siglo XX y el presente, clasificamos las mejores esculturas de todos los tiempos

Venus of Willendorf, 28,000–25,000 BC
Venus de Willendorf

Venus de Willendorf, 28.000-25.000 a.C.

Esta diminuta estatuilla de poco más de diez centímetros de altura, que es la última escultura de la historia del arte, fue descubierta en Austria en 1908. Nadie sabe qué función tenía, pero las conjeturas van desde diosa de la fertilidad hasta ayuda para la masturbación. Algunos estudiosos sugieren que podría ser un autorretrato hecho por una mujer. Es el más famoso de los muchos objetos de este tipo que datan de la Antigua Edad de Piedra.

Fotografía: Cortesía del Naturhistorisches Museum

Busto deNefertiti, 1345 A.C.
busto de Nefertiti

Busto de Nefertiti, 1345 a.C.


Este retrato ha sido un símbolo de la belleza femenina desde que fue desenterrado en 1912 dentro de las ruinas de Amarna, la capital construida por el faraón más controvertido de la historia del Antiguo Egipto: Akenatón.

Subiendo al trono como Amenhotep IV, Akenatón cambió su nombre como parte de su decisión de anular el panteón establecido de dioses egipcios para iniciar su propia religión: Un culto monoteísta dedicado al dios del sol Atón, que se representaba como un disco abstracto en tallas y murales.

La vida de su reina, Nefertiti, es un misterio: se cree que gobernó como faraón durante un tiempo tras la muerte de Akenatón, o más bien como corregente del rey niño Tutankamón. Algunos egiptólogos creen que en realidad era la madre de Tut. En cualquier caso, su momia nunca se ha encontrado, aunque investigaciones recientes sugieren que podría estar enterrada en una habitación sellada detrás de una pared de la tumba de Tut.

Se cree que este busto de piedra caliza recubierto de estuco es obra de Tutmosis, el escultor de la corte de Akenatón. Distinguido por un estilo naturalista que se aleja del carácter habitualmente estilizado del arte del Antiguo Egipto, el busto fue excavado por un equipo arqueológico alemán y llevado a Alemania.

Ha residido en Berlín desde antes de la Segunda Guerra Mundial, y ahora se considera un símbolo de la ciudad.

Fotografía: Cortesía de CC/Wiki Media/Philip Pikart

El Ejército de Terracota, 210-209 a.C.
El Ejército de Terracota

El Ejército de Terracota, 210-209 a.C.


Descubierto en 1974, el Ejército de Terracota (posiblemente el hallazgo más estupendo de toda la historia arqueológica) es un enorme alijo de estatuas de arcilla enterradas en tres enormes fosas cerca de la tumba de Shi Huang, el primer emperador de China, que murió en el 210 a.C.

Se cree que el ejército, destinado a protegerle en la otra vida, cuenta con más de 8.000 soldados, 670 caballos y 130 carros. Cada uno es de tamaño natural, aunque la altura real varía según el rango militar. Aunque los rasgos de cada soldado parecen únicos, en realidad se basan en 10 formas faciales básicas, que forman parte de un proceso de ensamblaje en el que los artesanos utilizaban moldes para fabricar las figuras en segmentos separados antes de unirlos con una arcilla diluida llamada barbotina.

A continuación, los soldados se equipaban con armas reales (lanzas, espadas, etc.) y se pintaban con colores brillantes, aunque con el tiempo el pigmento se desvanecía o se desprendía por completo.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/Maros M r a z

Laocoön and His Sons, Second Century BC
Laocoön y sus hijos

Laocoonte y sus hijos, siglo II a.C.


Quizás la escultura más famosa de la antigüedad romana, Laocoonte y sus hijos fue desenterrada originalmente en Roma en 1506 y trasladada al Vaticano, donde reside en la actualidad. Se basa en el mito de un sacerdote troyano asesinado junto a sus hijos por las serpientes marinas enviadas por el dios del mar Poseidón como castigo por el intento de Laocoonte de desenmascarar la artimaña del Caballo de Troya. Instalada originalmente en el palacio del emperador Tito, esta agrupación figurativa de tamaño natural, atribuida a un trío de escultores griegos de la isla de Rodas, no tiene rival como estudio del sufrimiento humano.

Fotografía: Cortesía de CC/Wiki Media/LivioAndronico

Michelangelo, David, 1501-1504
David de Miguel Ángel

David 1501-1504, Miguel Ángel


El David de Miguel Ángel, una de las obras más emblemáticas de toda la historia del arte, tuvo su origen en un proyecto más amplio para decorar los contrafuertes de la gran catedral de Florencia, el Duomo, con un grupo de figuras tomadas del Antiguo Testamento.

El David era uno de ellos, y en realidad fue comenzado en 1464 por Agostino di Duccio. Durante los dos años siguientes, Agostino consiguió desbastar parte del enorme bloque de mármol extraído de la famosa cantera de Carrara, antes de detenerse en 1466. (Nadie sabe por qué).

Otro artista retomó el trabajo, pero también lo hizo por poco tiempo. El mármol permaneció intacto durante los 25 años siguientes, hasta que Miguel Ángel reanudó la talla en 1501. En ese momento tenía 26 años. Una vez terminado, el David pesaba seis toneladas, por lo que no pudo ser izado hasta el techo de la catedral.

En su lugar, se expuso justo a la entrada del Palazzo Vecchio, el ayuntamiento de Florencia. La figura, una de las más puras destilaciones del estilo del Alto Renacimiento, fue inmediatamente adoptada por el público florentino como símbolo de la propia resistencia de la ciudad-estado frente a los poderes que se le oponían.

En 1873, el David fue trasladado a la Galería de la Academia, y se instaló una réplica en su ubicación original.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/Livioandronico2013

Gian Lorenzo Bernini, Ecstasy of Saint Teresa, 1647–52
Éxtasis de Santa Teresa. Lorenzo Bernini

Éxtasis de Santa Teresa, 1647-52, Gian Lorenzo Bernini


Reconocido como el creador del estilo del Alto Barroco romano, Gian Lorenzo Bernini creó esta obra maestra para una capilla de la iglesia de Santa Maria della Vittoria. El Barroco estuvo indisolublemente ligado a la Contrarreforma, con la que la Iglesia Católica trató de frenar la oleada de protestantismo que recorría la Europa del siglo XVII.

Obras de arte como las de Bernini formaban parte del programa para reafirmar el dogma papal, bien servido aquí por el genio de Bernini para impregnar las escenas religiosas con narraciones dramáticas. El Éxtasis es un ejemplo de ello: su tema -Santa Teresa de Ávila, una monja carmelita española y mística que escribió sobre su encuentro con un ángel- se representa justo cuando el ángel está a punto de clavarle una flecha en el corazón.

Los matices eróticos del Éxtasis son inconfundibles, sobre todo en la expresión orgásmica de la monja y en la tela que envuelve a ambas figuras. Arquitecto y artista, Bernini también diseñó el escenario de la Capilla en mármol, estuco y pintura.

Fotografía: Cortesía CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Antonio Canova, Perseus with the Head of Medusa, 1804–6
Perseus con la cabeza de Medusa. A. Cánova

Perseo con la cabeza de Medusa, 1804-6, Antonio Cánova


El artista italiano Antonio Canova (1757-1822) está considerado como el mejor escultor del siglo XVIII. Su obra personifica el estilo neoclásico, como puede verse en su interpretación en mármol del héroe mítico griego Perseo. En realidad, Canova realizó dos versiones de la obra: Una reside en el Vaticano, en Roma, mientras que la otra se encuentra en el Patio de Esculturas Europeas del Museo Metropolitano de Arte.

Fotografía: Cortesía del Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Edgar Degas, La pequeña bailarina de catorce años 1881/1922
La pequeña bailarina de catorce años.

La pequeña bailarina de catorce años, 1881/1922. Edgar Degas


Aunque el maestro impresionista Edgar Degas es más conocido como pintor, también trabajó en la escultura, produciendo lo que fue posiblemente el esfuerzo más radical de su obra.

Degas creó La pequeña bailarina de catorce años en cera (de la que se hicieron copias en bronce después de su muerte en 1917), pero el hecho de que Degas vistiera a su sujeto epónimo con un traje de ballet real (con corpiño, tutú y zapatillas) y una peluca de pelo real causó sensación cuando La bailarina debutó en la Sexta Exposición Impresionista de 1881 en París.

Degas optó por cubrir la mayor parte de los adornos con cera para que coincidieran con el resto de los rasgos de la muchacha, pero mantuvo el tutú, así como una cinta que ataba su pelo, tal como estaban, convirtiendo la figura en uno de los primeros ejemplos de arte de objetos encontrados.

La bailarina fue la única escultura que Degas expuso en vida; tras su muerte, se encontraron unos 156 ejemplares más languideciendo en su estudio.

Fotografía: Museo Metropolitano de Arte

Auguste Rodin, Los burgueses de Calais, 1894–85
Los burgueses de Calais.

Los burgueses de Calais, 1894-85, Auguste Rodin.


Aunque la mayoría de la gente asocia al gran escultor francés Auguste Rodin con El Pensador, este conjunto que conmemora un incidente de la Guerra de los Cien Años (1337-1453) entre Gran Bretaña y Francia es más importante para la historia de la escultura.

Encargado para un parque de la ciudad de Calais (donde se levantó un asedio de un año por parte de los ingleses, en 1346, cuando seis ancianos de la ciudad se ofrecieron para ser ejecutados a cambio de salvar a la población), Los Burgueses evitó el formato típico de los monumentos de la época: En lugar de figuras aisladas o apiladas en una pirámide sobre un alto pedestal, Rodin reunió a sus personajes de tamaño natural directamente en el suelo, a la altura del espectador.

Este giro radical hacia el realismo rompió con el tratamiento heroico que se solía dar a estas obras al aire libre. Con Los burgueses, Rodin dio uno de los primeros pasos hacia la escultura moderna.

Fotografía: Cortesía del Museo de Arte de Filadelfia

Pablo Picasso, Guitarra, 1912
Guitarra. Pablo Picasso

Mejores esculturas siglo XX

Guitarra, 1912, Pablo Picasso


En 1912, Picasso creó una maqueta de cartón de una obra que tendría un gran impacto en el arte del siglo XX. También en la colección del MoMA, representaba una guitarra, un tema que Picasso exploraba a menudo en la pintura y el collage, y en muchos aspectos, Guitarra transfería las técnicas de corte y pegado del collage de dos a tres dimensiones.

También hizo lo mismo con el cubismo, al ensamblar formas planas para crear una forma multifacética con profundidad y volumen. La innovación de Picasso consistió en evitar el tallado y modelado convencional de una escultura a partir de una masa sólida.

En su lugar, la guitarra se fijaba como una estructura. Esta idea resonaría desde el constructivismo ruso hasta el minimalismo y más allá. Dos años después de realizar la Guitarra en cartón, Picasso creó esta versión en lata recortada.

Fotografía: Cortesía de CC/Flickr/Wally Gobetz

Umberto Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913
Formas únicas de continuidad en el espacio

Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913 Umerto Boccioni


Desde sus inicios radicales hasta su encarnación fascista final, el futurismo italiano conmocionó al mundo, pero ninguna obra ejemplificó tanto el delirio del movimiento como esta escultura de una de sus principales figuras: Umberto Boccioni.

Boccioni, que empezó como pintor, empezó a trabajar en tres dimensiones tras un viaje a París en 1913 en el que visitó los estudios de varios escultores de vanguardia de la época, como Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon y Alexander Archipenko. Boccioni sintetizó sus ideas en esta dinámica obra maestra, que representa una figura que camina en una «continuidad sintética» de movimiento, como la describió Boccioni.

La obra fue creada originalmente en yeso y no se fundió en su versión conocida de bronce hasta 1931, mucho después de la muerte del artista en 1916 como miembro de un regimiento de artillería italiano durante la Primera Guerra Mundial.

Constantin Brancusi, Mlle Pogany, 1913
Mlle Pogany

Mlle Pogany, 1913 Constantin Brancusi


Nacido en Rumanía, Brancusi fue uno de los escultores más importantes del modernismo de principios del siglo XX y, de hecho, una de las figuras más importantes de toda la historia de la escultura. Una especie de proto-minimalista, Brancusi tomó formas de la naturaleza y las simplificó en representaciones abstractas.

Su estilo estaba influenciado por el arte popular de su país, que a menudo presentaba vibrantes patrones geométricos y motivos estilizados. Tampoco distinguía entre el objeto y la base, tratándolos, en algunos casos, como componentes intercambiables, un enfoque que representaba una ruptura crucial con las tradiciones escultóricas.

Esta pieza icónica es un retrato de su modelo y amante, Margit Pogány, una estudiante de arte húngara que conoció en París en 1910. La primera iteración fue tallada en mármol, seguida de una copia en yeso de la que se hizo este bronce. El yeso se expuso en Nueva York en el legendario Armory Show de 1913, donde los críticos se burlaron y lo pusieron en la picota. Pero también fue la pieza más reproducida de la muestra.

Brancusi trabajó en varias versiones de la señorita Pogany durante unos 20 años.

Fotografía: Cortesía de CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Duchamp, Rueda de Bicicleta, 1913
Duchamp Rueda de bicicleta

Rueda de bicicleta, 1913 Duchamp


Esta escultura se considera el primero de los «readymades» revolucionarios de Duchamp. Sin embargo, cuando terminó la pieza en su estudio de París, no tenía ni idea de cómo llamarla. «Tuve la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verla girar», diría Duchamp más tarde.

Fue necesario un viaje a Nueva York en 1915, y conocer la enorme producción de productos fabricados en la ciudad, para que Duchamp diera con el término ready-made. Y lo que es más importante, empezó a ver que hacer arte de forma tradicional y artesanal parecía inútil en la era industrial. Para qué molestarse, decía, si los artículos manufacturados, ampliamente disponibles, podían hacer el trabajo.

Para Duchamp, la idea que subyace a la obra de arte es más importante que su realización. Esta noción -quizás el primer ejemplo real de arte conceptual- transformaría por completo la historia del arte en adelante. Sin embargo, al igual que un objeto doméstico corriente, la rueda de bicicleta original no sobrevivió: Esta versión es en realidad una réplica que data de 1951.

Fotografía: Cortesía del Museo de Arte Moderno

Alexander Calder, El circo de Calder, 1926-31
El circo de Calder

El circo de Calder, 1926-31 Alexander Calder


El Circo de Calder, un elemento muy querido de la colección permanente del Museo Whitney, destila la esencia lúdica que Alexander Calder (1898-1976) aportó como artista que contribuyó a dar forma a la escultura del siglo XX. El circo, creado durante la estancia del artista en París, era menos abstracto que sus «móviles» colgantes, pero, a su manera, era igual de cinético: Realizado principalmente con alambre y madera, el Circo servía de centro para espectáculos de improvisación, en los que Calder movía varias figuras que representaban a contorsionistas, tragaespadas, domadores de leones, etc., como si se tratara de un maestro de ceremonias.

Fotografía: Whitney Museo de Arte Americano, © 2019 Calder Foundation, Nueva York/Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Aristide Maillol, El Aire, 1938
L’Air

Aristide Maillol, L’Air, 1938


Como pintor y diseñador de tapices, además de escultor, el artista francés Aristide Maillol (1861-1944) podría describirse como un neoclasicista moderno que dio un giro aerodinámico, propio del siglo XX, a la estatuaria tradicional grecorromana. También podría describirse como un conservador radical, aunque hay que recordar que incluso contemporáneos de vanguardia como Picasso realizaron obras en una adaptación del estilo neoclásico después de la Primera Guerra Mundial. El tema de Maillol era el desnudo femenino, y en L’Air, ha creado un contraste entre la masa material de su sujeto y la forma en que parece flotar en el espacio, equilibrando, por así decirlo, la obcecación física con la presencia evanescente.

Fotografía: Cortesía del Museo J. Paul Getty

Yayoi Kusama, Accumulación No 1, 1962
Acumulación número 1

Yayoi Kusama, Acumulación nº 1, 1962

Artista japonesa que trabaja en múltiples medios, Kusama llegó a Nueva York en 1957 y regresó a Japón en 1972. Entre tanto, se estableció como una figura importante de la escena del centro de la ciudad, cuyo arte tocó muchas bases, como el arte pop, el minimalismo y el arte de la performance. Como mujer artista que a menudo se refería a la sexualidad femenina, fue también una precursora del Arte Feminista. La obra de Kusama se caracteriza a menudo por patrones alucinógenos y repeticiones de formas, una proclividad enraizada en ciertas condiciones psicológicas -alucinaciones, TOC- que ha sufrido desde la infancia. Todos estos aspectos del arte y la vida de Kusuma se reflejan en esta obra, en la que una butaca normal y corriente, tapizada, se ve enervantemente subsumida por un brote plagado de protuberancias fálicas hechas de tela rellena cosida.

Fotografía: Cortesía de CC/Flickr/C-Monster

Marisol, Mujer y perro, 1963-64
Mujer y perro

Mujer y perro, 1963-64 Marisol


Conocida simplemente por su nombre de pila, Marisol Escobar (1930-2016) nació en París de padres venezolanos. Como artista, se asoció con el arte pop y más tarde con el arte óptico, aunque estilísticamente no pertenecía a ninguno de los dos grupos. En cambio, creó cuadros figurativos que pretendían ser sátiras feministas de los roles de género, la celebridad y la riqueza. En Women and Dog aborda la objetivación de las mujeres y el modo en que los estándares de feminidad impuestos por los hombres se utilizan para obligarlas a conformarse.

Andy Warhol, Brillo Box (Soap Pads), 1964
Caja de jabón brillo

Andy Warhol, Brillo Box (Soap Pads), 1964


La Caja de Brillo es quizás la más conocida de una serie de obras escultóricas que Warhol creó a mediados de los años 60 y que llevó su investigación de la cultura pop a las tres dimensiones.

Fiel al nombre que Warhol había dado a su estudio -la Fábrica-, el artista contrató a carpinteros para que trabajaran en una especie de cadena de montaje, clavando cajas de madera en forma de cartones para diversos productos, como el Ketchup Heinz, los copos de maíz Kellogg’s y la sopa Campbell, así como las pastillas de jabón Brillo.

A continuación, pintó cada caja de un color que coincidiera con el original (blanco en el caso de Brillo) antes de añadir el nombre del producto y el logotipo en serigrafía. Creadas en múltiplos, las cajas se mostraban a menudo en grandes pilas, convirtiendo la galería en la que se encontraban en un facsímil cultural de un almacén.

Su forma y su producción en serie eran quizás un guiño -o una parodia- del entonces naciente estilo minimalista. Pero el verdadero objetivo de Brillo Box es cómo su aproximación a lo real subvierte las convenciones artísticas, al dar a entender que no hay diferencia real entre los productos manufacturados y el trabajo del estudio de un artista.

Fotografía: Cortesía de CC/Flickr/Rocor

Donald Judd, Untitled (Stack), 1967
Donald Judd, sin título.

Donald Judd, Sin título (Pila), 1967


El nombre de Donald Judd es sinónimo de Arte Mínimo, el movimiento de mediados de los años 60 que destiló la tensión racionalista del modernismo hasta lo más esencial. Para Judd, la escultura significaba articular la presencia concreta de la obra en el espacio.

Esta idea se describió con el término «objeto específico» y, aunque otros minimalistas la adoptaron, Judd podría decir que dio a la idea su expresión más pura al adoptar la caja como su forma distintiva. Al igual que Warhol, las producía como unidades repetitivas, utilizando materiales y métodos tomados de la fabricación industrial.

A diferencia de las latas de sopa y las Marilyn de Warhol, el arte de Judd no se refería a nada fuera de sí mismo. Sus «pilas» se encuentran entre sus piezas más conocidas. Cada una consiste en un grupo de cajas de idéntica profundidad hechas de chapa galvanizada, que sobresalen de la pared para crear una columna de elementos uniformemente espaciados.

Pero Judd, que empezó como pintor, estaba tan interesado en el color y la textura como en la forma, como se ve aquí por la laca de carrocería verde aplicada a la cara frontal de cada caja. La interacción de Judd con el color y el material confiere a Sin título (Pila) una elegancia fastidiosa que suaviza su absolutismo abstracto.

Fotografía: Cortesía de CC/Flickr/Esther Westerveld

Eva Hesse, Hang Up, 1966
Hang Up

Hang Up, 1966 Eva Hesse


Al igual que Benglis, Hesse fue una mujer artista que filtró el posminimalismo a través de un prisma posiblemente feminista. Judía que huyó de la Alemania nazi cuando era niña, exploró las formas orgánicas, creando piezas de fibra de vidrio industrial, látex y cuerda que evocaban la piel o la carne, los genitales y otras partes del cuerpo. Dados sus antecedentes, es tentador encontrar un trasfondo de trauma o ansiedad en obras como ésta.

Fotografía: Cortesía de CC/Flickr/Rocor

Richard Serra, One Ton Prop (House of Cards), 1969
One Ton Prop

One Ton Prop (House of Cards), 1969 Richard Serra


Tras Judd y Flavin, un grupo de artistas se apartó de la estética de líneas limpias del minimalismo. Como parte de esta generación postminimalista, Richard Serra puso el concepto de objeto específico en esteroides, ampliando enormemente su escala y peso, y haciendo que las leyes de la gravedad fueran parte integral de la idea.

Creó precarios actos de equilibrio con placas y tubos de acero o plomo que pesaban toneladas, lo que tenía el efecto de impartir una sensación de amenaza a la obra. (En dos ocasiones, los montadores que instalaban las piezas de Serra murieron o resultaron mutilados cuando la obra se derrumbó accidentalmente).

En las últimas décadas, la obra de Serra ha adoptado un refinamiento curvilíneo que la ha hecho enormemente popular, pero en sus inicios, obras como One Ton Prop (House of Cards), que presenta cuatro placas de plomo apoyadas entre sí, comunicaban sus preocupaciones con una franqueza brutal.

Fotografía: Cortesía del Museo de Arte Moderno de Nueva York

Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970
Espiral

Spiral Jetty, 1970 Robert Smithson


Siguiendo la tendencia contracultural general de las décadas de 1960 y 1970, los artistas comenzaron a rebelarse contra el comercialismo del mundo de las galerías, desarrollando formas artísticas radicalmente nuevas, como las obras de tierra.

También conocido como land art, la figura principal de este género fue Robert Smithson (1938-1973), quien, junto con artistas como Michael Heizer, Walter De Maria y James Turrel, se aventuró en los desiertos del oeste de Estados Unidos para crear obras monumentales que actuaran en concierto con su entorno. Este enfoque específico del lugar, como llegó a denominarse, empleaba a menudo materiales tomados directamente del paisaje.

Tal es el caso del Spiral Jetty de Smithson, que se adentra en el Gran Lago Salado de Utah desde Rozel Point, en la orilla noreste del lago. Fabricado con barro, cristales de sal y basalto extraído in situ, Spiral Jetty mide 4.000 por 5 metros. Estuvo sumergido bajo el lago durante décadas hasta que una sequía a principios de la década de 2000 lo sacó de nuevo a la superficie. En 2017, Spiral Jetty fue nombrada obra de arte oficial de Utah.

Fotografía: Cortesía CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Louise Bourgeois, Spider, 1996
Spider (Araña)

Araña, 1996 Louise Bourgeois


Spider, escultura emblemática de la artista de origen francés, fue creada a mediados de la década de 1990, cuando Bourgeois (1911-2010) ya tenía ochenta años. Existe en numerosas versiones de diversa escala, incluidas algunas monumentales. Spider pretende ser un homenaje a la madre de la artista, restauradora de tapices (de ahí la alusión a la propensión del arácnido a hilar telas).

Cortesía de CC/Flickr/Pierre Metivier

Antony Gormley, El ángel del norte, 1998
El ángel del norte

The Angel of the North, 1998 Antony Gormley

Ganador del prestigioso Premio Turner en 1994, Antony Gormley es uno de los escultores contemporáneos más célebres del Reino Unido, pero también es conocido en todo el mundo por su singular visión del arte figurativo, en el que las amplias variaciones de escala y estilo se basan, en su mayor parte, en la misma plantilla: Un molde del propio cuerpo del artista. Eso es lo que ocurre con este enorme monumento alado situado cerca de la ciudad de Gateshead, en el noreste de Inglaterra.

Situado a lo largo de una importante autopista, Angel se eleva a 66 pies de altura y abarca 177 pies de ancho de punta a punta de las alas. Según Gormley, la obra pretende ser una especie de marcador simbólico entre el pasado industrial de Gran Bretaña (la escultura está situada en el país del carbón de Inglaterra, el corazón de la Revolución Industrial) y su futuro postindustrial.

Después de leer LAS ESCULTURAS MAS FAMOSAS DE TODOS LOS TIEMPOS y si quieres seguir con un magistral artículo sobre la escultura como bellas artes, lee aquí.

Y si quieres saber la función de la escultura, puedes leer aquí.