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Escultura

La escultura, al igual que otras expresiones artísticas es una de las denominadas bellas artes, como todas estas, la escultura merece un espacio enteramente dedicado a su estudio, es por ese motivo que hemos dedicado este espacio para contarte todo lo que se relaciona con la escultura, desde sus orígenes hasta sus más grandes exponentes. Desde dearte.club te traemos este artículo que esperemos sea de tu agrado.

LA ESCULUTURA COMO EXPRESIÓN ARTÍSTICA

La escultura, una forma artística en la que se trabajan materiales duros o plásticos para crear objetos artísticos tridimensionales. Los diseños pueden plasmarse en objetos independientes, en relieves sobre superficies o en entornos que van desde cuadros a contextos que envuelven al espectador.

Se puede utilizar una enorme variedad de medios, como la arcilla, la cera, la piedra, el metal, la tela, el vidrio, la madera, el yeso, el caucho y los objetos «encontrados» al azar. Los materiales pueden tallarse, modelarse, moldearse, fundirse, forjarse, soldarse, coserse, ensamblarse o combinarse de otro modo.

La escultura no es un término fijo que se aplique a una categoría permanentemente circunscrita de objetos o conjuntos de actividades. Es, más bien, el nombre de un arte que crece y cambia y que amplía continuamente el alcance de sus actividades y hace evolucionar nuevos tipos de objetos.

El alcance del término era mucho más amplio en la segunda mitad del siglo XX de lo que había sido sólo dos o tres décadas antes, y en el fluido estado de las artes visuales en el siglo XXI nadie puede predecir cuáles serán sus futuras extensiones.

¿QUE ES LA ESCULTURA?

Como se mencionó anteriormente, la escultura es una de las bellas artes, específicamente es una forma de expresión artística que emplea técnicas como moldear, esculpir, cincelar o tallar piezas de diversos materiales como piedra y madera, con el objetivo de producir formas estéticamente agradables.

También es común el uso de otros materiales como la cera, el yeso, y metales como el oro, el cobre y la plata. Dentro del mundo de la escultura, hay un sinfín de vertientes, hay escultores que se dedican a esculpir formas abstractas y hay otros quienes se dedican a moldear figuras de la naturaleza como plantas, personas y animales. Hay algunos otros que tallan piezas con formas que tienen significados importantes o que transmiten mensajes de diversa índole.

Algunas características que en siglos anteriores se consideraban esenciales para el arte de la escultura no están presentes en gran parte de la escultura moderna y ya no pueden formar parte de su definición. Una de las más importantes es la representación.

Antes del siglo XX, la escultura se consideraba un arte de representación, que imitaba formas de la vida, casi siempre figuras humanas, pero también objetos inanimados, como juegos, utensilios y libros. Sin embargo, desde principios del siglo XX, la escultura incluye también formas no representativas.

Durante mucho tiempo se ha aceptado que las formas de objetos tridimensionales funcionales como muebles, vasijas y edificios pueden ser expresivas y bellas sin ser en absoluto representativas; pero sólo en el siglo XX se empezaron a producir obras de arte tridimensionales no funcionales y no representativas.

NACIMIENTO DE LA ESCULTURA ¿CUALES SON SUS ORIGENES?

La historia de la escultura es muy extensa, se sabe que la humanidad la ha empleado para expresarse artísticamente durante miles de años. A continuación, haremos un recorrido por la historia de la escultura, desde su nacimiento hasta la época contemporánea.

Esculturas de Moais, situadas en Rapanui
Moais (Isla de Pascua)

Antes del siglo XX, la escultura se consideraba principalmente un arte de la forma sólida, o de la masa. Es cierto que, los elementos negativos de la escultura -los vacíos y huecos dentro y entre sus formas sólidas- siempre han sido en cierta medida parte integrante de su diseño, pero su papel era secundario. Sin embargo, en gran parte de la escultura moderna, el centro de atención se ha desplazado y los aspectos espaciales han pasado a ser dominantes. La escultura espacial es ahora una rama generalmente aceptada del arte de la escultura.

En la escultura del pasado también se daba por sentado que sus componentes tenían una forma y un tamaño constantes y, a excepción de piezas como la Diana de Augustus Saint-Gaudens (una veleta monumental), no se movían. Con el reciente desarrollo de la escultura cinética, ni la inmovilidad ni la inmutabilidad de su forma pueden considerarse ya esenciales para el arte de la escultura.

Por último, desde el siglo XX, la escultura no se limita a los dos procesos tradicionales de formación, la talla y el modelado, ni a los materiales naturales tradicionales como la piedra, el metal, la madera, el marfil, el hueso y la arcilla. Dado que los escultores actuales utilizan cualquier material y método de fabricación que sirva para sus fines, el arte de la escultura ya no puede identificarse con ningún material o técnica especial.

A través de todos estos cambios, probablemente sólo hay una cosa que ha permanecido constante en el arte de la escultura, y es esto lo que surge como la preocupación central y permanente de los escultores: el arte de la escultura es la rama de las artes visuales que se ocupa especialmente de la creación de la forma en tres dimensiones.

La escultura puede ser redonda o en relieve. La escultura en bulto es un objeto separado y autónomo, que tiene la misma existencia independiente en el espacio que un cuerpo humano o una silla. El relieve no tiene esta independencia.

Se proyecta a partir de algo y está unido a ello o es parte integrante de otra cosa que sirve de fondo sobre el que se asienta o de matriz de la que emerge.

La propia tridimensionalidad de la escultura en redondo limita su alcance en ciertos aspectos en comparación con el alcance de la pintura. La escultura no puede crear la ilusión de espacio por medios puramente ópticos ni dotar a sus formas de atmósfera y luz como hace la pintura. Sin embargo, tiene un tipo de realidad, una presencia física vívida que se niega a las artes pictóricas. Las formas de la escultura son tangibles y visibles, y pueden apelar fuerte y directamente a las sensibilidades táctil y visual. Incluso los discapacitados visuales, incluidos los ciegos congénitos, pueden producir y apreciar ciertos tipos de escultura.

De hecho, el crítico de arte del siglo XX Sir Herbert Read sostenía que la escultura debe considerarse principalmente un arte del tacto y que las raíces de la sensibilidad escultórica pueden rastrearse en el placer que se experimenta al acariciar las cosas.

Todas las formas tridimensionales se perciben con un carácter expresivo, además de las propiedades puramente geométricas. El observador las percibe como delicadas, agresivas, fluidas, tensas, relajadas, dinámicas, suaves, etc.

Al explotar las cualidades expresivas de la forma, el escultor puede crear imágenes en las que el tema y la expresividad de la forma se refuerzan mutuamente.

Estas imágenes van más allá de la mera presentación de hechos y comunican una amplia gama de sentimientos sutiles y poderosos.

La materia prima estética de la escultura es, por así decirlo, todo el ámbito de la forma tridimensional expresiva. Una escultura puede basarse en lo que ya existe en la infinita variedad de formas naturales y artificiales, o puede ser un arte de pura invención. Se ha utilizado para expresar una amplia gama de emociones y sentimientos humanos, desde los más tiernos y delicados hasta los más violentos y extáticos.

Todos los seres humanos, íntimamente involucrados desde su nacimiento con el mundo de la forma tridimensional, aprenden algo de sus propiedades estructurales y expresivas y desarrollan respuestas emocionales a ellas. Esta combinación de comprensión y respuesta sensible, a menudo llamada sentido de la forma, puede cultivarse y refinarse. Es a este sentido de la forma al que apela principalmente el arte de la escultura.

Este artículo trata de los elementos y principios del diseño; los materiales, métodos, técnicas y formas de la escultura; y su temática, imaginería, simbolismo y usos. Para la historia de la escultura en la antigüedad, véase arte y arquitectura, anatolia; arte y arquitectura, egipcia; arte y arquitectura, iraní; y arte y arquitectura, mesopotámica. Para el desarrollo de la escultura en diversas regiones, véanse artículos como escultura, occidental; y arte africano. Para formas de arte relacionadas, véase máscara y cerámica.

LA ESCULTURA Y SUS INICIOS

Para comprender dónde inicia la escultura hay que remontarse a la edad de piedra. Se sabe que existen dos pequeñas esculturas, las cuales son conocidas como las primeras de la historia, se trata de dos efigies llamadas La Venus de Tan-tan y La Venus de Berejat Ram, ambas con una antigüedad de entre 200.000 y 230.000 años.

La venus de Tan Tan
La venus de Tan-Tan

Estas fueron las primeras formas esculturales que precedieron a la era prehistórica, donde comenzaron a ver esculturas más definidas, es en esta etapa donde se comienzan a verse figuras de animales y aves, y otro tipo de figuras. Los materiales empleados en esta etapa fueron muy diversos, desde cenizas de hueso, arcilla y huesos de mamut hasta roca volcánica.

Arte escultórico mesolítico

En esta etapa comienzan a emerger las esculturas y estatuas antropomórficas, el manejo de materiales como la madera se hace más notorio y resultado de esta época se encuentran muestras artísticas de gran trascendencia como El Ídolo de Shigir considerado como el tallado de madera más antiguo del mundo.

Escultura en el neolítico

Fue en el neolítico cuando el uso de la cerámica y el bronce comenzó a hacerse más evidente. Aunque puede que la forma más reconocida de arte del neolítico sea la arquitectura egipcia donde se evidenciaba además la presencia de pequeñas estatuillas y esculturas con significados importantes para la cultura de entonces.

El crecimiento de las ciudades y la aparición de todo tipo de edificaciones requirió también de la aparición de más formas de arte, permitiendo así la evolución de la escultura como expresión artística.

Escultura en la antigüedad

Para lo que se conoce como antigüedad, la escultura ya había evolucionado, en este punto la escultura griega se había abierto paso y dividida en etapas resultó en hermosas muestras de arte como lo es Victoria de Samotracia y La Venus de Milo, esta última una de las esculturas más representativas del período helenístico de la escultura griega.

7.000 años de desigualdad sexual y social | Ciencia | elmundo.es
escultura animal

Queda en evidencia también la influencia de la escultura romana, la cual impulsada por el pensamiento liberal de los etruscos estaba basada en la representación del dominio romano y destacaba por la elaboración de bustos y monumentos. Más tarde aparecieron la escultura románica y la escultura gótica, esta última caracterizada por representación de profetas, figuras del evangelio como los apóstoles.

Este fue el complemento a las vidrieras y a una forma de arquitectura que reemplazaba las pequeñas ventanas, y los arcos redondeados propios de la etapa románica.

FORMAS MODERNAS DE LA ESCULTURA

Desde la década de 1950, se han desarrollado muchas nuevas formas de arte combinadas que no encajan fácilmente en ninguna de las categorías tradicionales. Dos de las más importantes, los entornos y la cinética, están lo suficientemente relacionadas con la escultura como para que muchos artistas y críticos las consideren ramas o vástagos de la escultura.

Las esculturas tradicionales en relieve y en bulto son objetos o imágenes estáticas y fijas. Su inmovilidad e inmutabilidad forman parte de la permanencia tradicionalmente asociada al arte de la escultura, especialmente a la escultura monumental. Lo que se denomina movimiento en una escultura barroca o griega, por ejemplo, no es un movimiento físico real, sino un movimiento que se representa directamente en el tema (caballos al galope) o se expresa a través del carácter dinámico de su forma (espirales, curvas ondulantes). En el siglo XX, sin embargo, el uso del movimiento real, el cinetismo, se convirtió en un aspecto importante de la escultura.

Naum Gabo, Marcel Duchamp, László Moholy-Nagy y Alexander Calder fueron los pioneros de la escultura cinética en los tiempos modernos, pero muchos artistas cinéticos ven una conexión entre su trabajo y formas como los juguetes, muñecas y relojes móviles de épocas anteriores.

Actualmente hay tipos de escultura en los que los componentes se mueven por corrientes de aire, como en los conocidos móviles de Calder; agua; por magnetismo, la especialidad de Nicholus Takis; y una variedad de dispositivos electromecánicos; o por la participación del propio espectador. La cualidad de sátira neodada de la escultura cinética creada durante la década de 1960 queda ejemplificada en las obras de Jean Tinguely. Su «Homenaje a Nueva York», que se autodestruye, perfeccionó el concepto de que una escultura es a la vez un objeto y un acontecimiento, o «happening».

El objetivo de la mayoría de los escultores cinéticos es hacer que el propio movimiento forme parte del diseño de la escultura y no simplemente sugerir el movimiento dentro de un objeto estático. Los móviles de Calder, por ejemplo, dependen para su efecto estético de patrones de relación que cambian constantemente. Cuando se utilizan líquidos y gases como componentes, las formas y dimensiones de la escultura pueden sufrir continuas transformaciones. El movimiento del humo; la difusión y el flujo de agua coloreada, mercurio, aceite, etc.; el inflado y desinflado neumático; y el movimiento de masas de burbujas han servido como medios para la escultura cinética. En las complejas construcciones «espacio-dinámicas» y «lumino-dinámicas» de Nicolas Schöffer, controladas electrónicamente, la proyección de patrones cambiantes de luz en el espacio es una característica importante.

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El escultor ambiental crea nuevos contextos espaciales que difieren de todo lo desarrollado por la escultura tradicional. La obra ya no se enfrenta al espectador como un objeto, sino que lo rodea para que se mueva dentro de ella como lo haría en un escenario, un jardín o un interior.

El tipo de entorno más común es la «habitación», que puede tener paredes con formas y superficies especiales, efectos de iluminación especiales y muchos tipos de contenidos diferentes.

La Merzbau de Kurt Schwitters (destruida en 1943) fue la primera de estas habitaciones, que ahora incluyen la fantasía de pesadilla de los cuadros de Edward Kienholz, como el de Roxy (1961) o La operación ilegal (1962); las composiciones de George Segal, en las que se colocan en interiores moldes de figuras humanas vestidas en actitudes congeladas y desenfadadas.

Las salas construidas con espejos, como la Endless Love Room de Yayoi Kusama y la Mirrored Room de Lucas Samaras, en las que el propio espectador, infinitamente reflejado, se convierte en parte del efecto total.

El arte ambiental, al igual que el collage y el ensamblaje, ha tendido a una mayor concreción, no haciendo una representación más realista, como hace el arte naturalista, sino incluyendo más de la propia realidad en la obra; por ejemplo, utilizando moldes tomados del cuerpo humano real, ropa real, objetos reales y moldes de objetos, efectos de iluminación reales y elementos de mobiliario reales.

Los elementos plásticos pueden combinarse con la música y los efectos sonoros, la danza, los espectáculos teatrales y el cine para crear los denominados happenings, en los que las figuras reales son componentes de la «obra de arte» y las operaciones se realizan no sobre materiales «artísticos» sino sobre objetos reales y sobre el entorno real. Estas ideas van mucho más allá de todo lo que se ha asociado con el término escultura.

En estrecha relación con las imágenes devocionales están todas las esculturas narrativas conmemorativas en las que se representan leyendas, hechos heroicos e historias religiosas para deleite e instrucción de los pueblos que vivían cuando los libros y la alfabetización eran escasos.

Las tradiciones budista, hindú y cristiana son especialmente ricas en escultura narrativa. Las historias de las encarnaciones de Buda -Jataka- y de los dioses hindúes abundan en la escultura de los templos de la India y el sudeste asiático por ejemplo, en Sanchi, Amaravati, Borobudur y Angkor. La escultura que ilustra las historias de la Biblia es tan abundante en las iglesias medievales que éstas han sido llamadas «Biblias en piedra». Las esculturas que relatan las hazañas de reyes y generales son comunes, especialmente en Asiria y Roma.

Los romanos utilizaron una forma conocida como narración continua, cuyo ejemplo más conocido es la banda de escultura en relieve en forma de espiral, o helicoidal, que rodea la Columna de Trajano (c. 106-113 d.C.) y cuenta la historia de las Guerras Dácicas del emperador.

Los episodios de la narración no están separados en una serie de composiciones enmarcadas, sino que están enlazados para formar una banda continua de relieve ininterrumpido.

IMAGENES DEVOCIONALES Y ESCULTURA NARRATIVA

La producción de imágenes devocionales ha sido una de las principales tareas del escultor, y muchas de las mejores esculturas del mundo son de este tipo. Entre ellas se encuentran imágenes de Buda y de los dioses hindúes; de Cristo, la Virgen y los santos cristianos; de Atenea, Afrodita, Zeus y otros dioses griegos; y de todos los diversos dioses, espíritus y seres míticos de Roma, el antiguo Oriente Próximo, la América precolombina, África y las islas del Pacífico.

Retrato

Los egipcios practicaban el retrato, pero era relativamente raro en el mundo antiguo hasta que los griegos y los romanos hicieron de la escultura de retratos uno de sus principales logros artísticos.

Los rasgos de muchos personajes famosos sólo son conocidos por el hombre moderno a través del trabajo de los escultores romanos en monedas y medallas, bustos retratados y retratos de cuerpo entero. El retrato ha sido un aspecto importante de la escultura occidental desde el Renacimiento hasta nuestros días. Algunos de los escultores retratistas modernos más conocidos son Rodin, Charles Despiau, Augusta Savage, Marino Marini y Jacob Epstein.

Retrato Escultura
escultura de retrato

Escenas de la vida cotidiana

Las escenas de la vida cotidiana se han representado en escultura principalmente a pequeña escala en obras menores. Las esculturas que más se acercan en espíritu a la tranquila dignidad de las grandes pinturas de género de los siglos XVII y XVIII de Johannes Vermeer y Jean-Baptiste-Siméon Chardin son quizás algunas lápidas griegas, como la de la Estela de Hegeso, que representa un momento tranquilo y absorto en el que una joven sentada y su sirvienta miran un collar que acaban de sacar de un ataúd.

En los relieves medievales y egipcios se representan a menudo escenas íntimas de las personas y sus actividades en la vida rural cotidiana como parte de composiciones más amplias.

Animales

Los animales siempre han sido temas importantes para la escultura. El hombre del Paleolítico produjo algunas esculturas de animales de extraordinaria sensibilidad, tanto en relieve como en bulto. Las representaciones de caballos y leones se encuentran entre las mejores obras de la escultura asiria. Los escultores egipcios produjeron sensibles representaciones naturalistas de ganado, asnos, hipopótamos, simios y una gran variedad de aves y peces. Los antiguos escultores chinos realizaron magníficas esculturas de animales a pequeña escala en bronce y cerámica.

Los animales fueron el tema principal de la escultura de las tribus nómadas de Eurasia y el norte de Europa, para quienes se convirtieron en la base de elaboradas fantasías zoomórficas.

Este arte animal contribuyó a la rica tradición de la escultura animal en el arte medieval. Los animales también sirvieron de base para la fantasía semiabstracta en la escultura mexicana, maya, india norteamericana y oceánica.

El caballo siempre ha ocupado un lugar importante en la escultura occidental, pero otros animales también han figurado en la obra de escultores como Giambologna, en el siglo XVI, y Antoine-Louis Barye, en el XIX, así como numerosos escultores de piezas de jardín y fuentes.

Entre los escultores modernos que han utilizado ampliamente animales o formas parecidas a los animales están Constantin Brancusi, Pablo Picasso, Gerhard Marcks, Germaine Richier, François Pompon, Pino Pascali y François-Xavier-Maxime Lalanne.

Fantasía

En su intento de imaginar dioses y seres míticos, los escultores han inventado imágenes fantásticas basadas en la combinación y metamorfosis de formas animales y humanas. El centauro, el minotauro y los dioses con cabeza de animal del mundo antiguo son combinaciones sencillas. Los escultores mexicanos y mayas, así como otros escultores de muchas partes del mundo, produjeron fantasías más imaginativas. Las criaturas fantásticas abundan en la escultura producida en el norte de Europa durante la primera Edad Media y el periodo románico. La fantasía de tipo lúdico se encuentra a menudo en la escultura de jardín y en las fuentes.

En el periodo posterior a la Primera Guerra Mundial, la fantasía fue un elemento dominante en la escultura representativa.

Entre sus múltiples formas se encuentran las imágenes derivadas de los sueños, la fantasía tecnológica de la ciencia ficción, las fantasías eróticas y toda una serie de monstruos y autómatas. Los surrealistas han contribuido en gran medida a este aspecto de la escultura moderna.

Otros temas

Los fondos arquitectónicos en la escultura van desde los simplificados baldaquinos (estructuras ornamentales que se asemejan a doseles utilizados especialmente sobre los altares) de los primeros relieves medievales hasta los virtuosos paisajes urbanos en perspectiva de los siglos XVII y XVIII de Grinling Gibbons.

Los accesorios arquitectónicos como zócalos, entablamentos, pilastras, columnas y molduras han desempeñado un papel destacado tanto en los sarcófagos griegos y romanos como en los retablos y biombos medievales y en los sepulcros murales del Renacimiento.

Fuera del ámbito del ornamento, las formas botánicas han desempeñado un papel menor en la escultura. Los árboles y los lotos estilizados son especialmente comunes en la escultura india por su gran significado simbólico. Los árboles también están presentes en muchos relieves del Renacimiento y en algunos relieves medievales.

El paisaje, que era un importante elemento de fondo en muchos relieves renacentistas (sobre todo los de Ghiberti) y que, en forma de rocas esculpidas, aparecía en varias fuentes barrocas, entró en la escultura de una manera nueva cuando Henry Moore combinó las formas de cuevas, rocas, colinas y acantilados con la forma humana en una serie de grandes figuras reclinadas.

No hay nada en la escultura comparable con la tradición de la pintura de bodegones. Cuando se representan objetos, casi siempre es como parte de una composición de figuras. Sin embargo, algunos escultores modernos, en particular Giacomo Manzù y Claes Oldenburg, han utilizado el tema de la naturaleza muerta.

Escultura no representativa

Hay dos tipos principales de escultura no representativa. Una de ellas utiliza la naturaleza no como objeto de representación, sino como fuente de ideas formales.

Para los escultores que trabajan de este modo, las formas que se observan en la naturaleza sirven como punto de partida para una especie de juego creativo, cuyos productos finales pueden tener poco o ningún parecido con su fuente original o con cualquier otro objeto natural. Muchas obras de Brancusi, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Henri Laurens, Umberto Boccioni y otros escultores modernos pioneros tienen este carácter.

La transformación de las formas naturales hasta el punto de que ya no son reconocibles es también común en muchos estilos de arte primitivo y ornamental.

El otro tipo principal de escultura no representativa, a menudo conocida como escultura no objetiva, es una forma más completamente no representativa que ni siquiera tiene un punto de partida en la naturaleza. Surge de una manipulación constructiva de las ideas generales y abstractas del escultor sobre las relaciones espaciales, el volumen, la línea, el color, la textura, etc. El enfoque del escultor no objetivo se ha comparado con el del compositor de música, que manipula los elementos de su arte de manera similar. La inclusión de artefactos tridimensionales puramente inventados bajo el título de escultura es una innovación del siglo XX.

Algunos escultores no objetuales prefieren formas con la compleja curvilineidad de la superficie típica de los organismos vivos; otros prefieren formas geométricas más regulares y sencillas.

Todo el ámbito de la forma tridimensional está abierto a los escultores no objetivos, pero estos escultores suelen limitarse a una estrecha gama de tipos de forma preferidos.

Por ejemplo, un tipo de escultura no objetiva que destacó en las décadas de 1950 y 1960 consistía en las llamadas formas primarias, extremadamente austeras. Se trataba de construcciones muy acabadas, normalmente coloreadas, a menudo de gran escala y compuestas enteramente por superficies planas o monocurvas. Entre la primera generación de escultores no objetivos destacan Jean Arp, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Barbara Hepworth, Max Bill y David Smith. Entre los artistas posteriores que trabajaron de esta manera se encuentran Robert Morris, Donald Judd y Phillip King.

Escultura aplicada

Los dispositivos y motivos de la escultura ornamental se dividen en tres categorías principales: abstractos, zoomórficos y botánicos. Las formas abstractas, que pueden adaptarse fácilmente a cualquier marco, son una forma de decoración muy extendida. Los ejemplos más destacados de ornamentación abstracta en relieve se encuentran en edificios islámicos, mexicanos y mayas y en pequeños artefactos metálicos celtas.

El carácter de la obra varía desde los relieves rectilíneos de dos planos a gran escala de los edificios de Mitla en México, hasta la decoración plástica curvilínea a pequeña escala de un escudo u ornamento corporal celta.

escultura ornamental
escultura ornamental

La decoración zoomorfa en relieve, derivada de una amplia gama de formas animales, es común en los artefactos tempranos y en las iglesias románicas, especialmente en las iglesias de duelas de madera de Escandinavia.

Las formas botánicas se prestan fácilmente a fines decorativos porque sus patrones de crecimiento son variables y sus componentes -hoja, zarcillo, brote, flor y fruto- son infinitamente repetibles. Los motivos de acanto y antemio del relieve clásico y los lotos del relieve indio son espléndidos ejemplos de ornamentación vegetal estilizada.

La ornamentación naturalista de hojas de Southwell Minster (Inglaterra), de la catedral de Reims (Francia) y de otras iglesias góticas trasciende lo meramente decorativo y se convierte en una magnífica escultura plástica por derecho propio.

Simbolismo

Las imágenes escultóricas pueden ser simbólicas en varios niveles. Aparte de los símbolos convencionales, como los de la heráldica y otras insignias, el tipo de símbolo escultórico más sencillo y directo es aquel en el que se representa una idea abstracta mediante la alegoría y la personificación.

Algunos ejemplos comunes son las figuras que personifican las virtudes cardinales (prudencia, justicia, templanza, fortaleza), las virtudes teologales (fe, esperanza y caridad), las artes, la iglesia, la victoria, las estaciones del año, la industria y la agricultura. Estas figuras suelen estar provistas de objetos simbólicos que sirven para identificarlas; por ejemplo, el martillo de la industria, la hoz de la agricultura, el reloj de arena del tiempo, la balanza de la justicia.

Estas personificaciones abundan en la escultura medieval y renacentista, y hasta hace poco eran el pan de cada día en la escultura pública de todo el mundo. Los animales también se utilizan con frecuencia de la misma manera; por ejemplo, el búho (como emblema de Atenas y símbolo de la sabiduría), el león británico y el águila americana.

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Escultura Águila americana. Texas

Más allá de este nivel directo de simbolismo, las imágenes de la escultura pueden servir como símbolos religiosos, míticos y cívicos más amplios y abstrusos que expresan algunas de las ideas, creencias y sentimientos espirituales más profundos de la humanidad.

Los grandes tímpanos (el espacio sobre el dintel de una puerta que está cerrado por el arco de la entrada) de Autun, en el centro de Francia, Moissac, en el sur de Francia, y otras iglesias medievales simbolizan algunas de las más profundas doctrinas cristianas sobre los fines de la vida humana y las relaciones del hombre con lo divino.

La imagen hindú de la danza de Shiva es simbólica en todos sus detalles, y toda la imagen expresa en un símbolo concentrado algunas de las complejas ideas cosmológicas de la religión hindú. El templo budista de Borobudur, en Java, es uno de los símbolos religiosos más complejos e integrados. Está diseñado como una montaña sagrada cuya estructura simboliza la estructura del universo espiritual.

Cada uno de los nueve niveles del templo tiene un tipo diferente de simbolismo escultórico, que va desde los símbolos del infierno y el mundo del deseo en el nivel más bajo hasta los austeros símbolos de los misterios espirituales más elevados en sus niveles superiores.

En las sociedades más individualistas, las obras de escultura pueden tener un carácter simbólico a nivel personal y privado. Los esclavos de Miguel Ángel se han interpretado como alegorías neoplatónicas del alma humana que lucha por liberarse de la esclavitud del cuerpo, su «prisión terrenal», o, más directamente, como símbolos de la lucha de la forma inteligible contra la mera materia.

Pero también podrían ser símbolos inquietantes de las actitudes personales, las emociones y los conflictos psicológicos de Miguel Ángel. Si es una expresión de su mente inconsciente, el propio escultor puede no ser consciente de este aspecto del diseño de su obra.

Muchos escultores modernos renuncian a cualquier intento de simbolismo en sus obras. Cuando las imágenes simbólicas desempeñan un papel en la escultura moderna, se derivan de fuentes clásicas, medievales y otras fuentes históricas obsoletas o son privadas.

Dado que ha habido poco simbolismo socialmente reconocido para que el escultor moderno lo utilice en su obra, han primado los símbolos inventados conscientemente por artistas individuales o derivados de la función productora de imágenes de la mente inconsciente individual. Muchos de ellos son símbolos totalmente personales que expresan las actitudes, creencias, obsesiones y emociones privadas del artista. A menudo son más sintomáticos que simbólicos. Henry Moore destaca entre los escultores modernos por haber creado un mundo de símbolos personales que también tienen una cualidad universal.

Naum Gabo ha buscado imágenes que simbolizaran de forma general las actitudes del hombre moderno ante la imagen del mundo proporcionada por la ciencia y la tecnología.

Ejemplos de esculturas en las que tanto la ubicación como las imágenes son simbólicas son los mojones tallados del mundo antiguo; los monumentos conmemorativos situados en los campos de batalla o en los lugares en los que murieron mártires religiosos y políticos; la Estatua de la Libertad y otros símbolos cívicos similares situados en puertos, puertas de ciudades, puentes, etc.; y las escenas del Juicio Final colocadas sobre las entradas de las catedrales, donde podían servir de advertencia a los fieles.

La elección del simbolismo adecuado a la función de una escultura es un aspecto importante del diseño. Las fuentes, los púlpitos, los atriles, los arcos de triunfo, los monumentos de guerra, las lápidas y otros elementos similares requieren un simbolismo adecuado a su función.

De manera algo diferente, las esculturas de las tumbas de Egipto, destinadas a cumplir una función mágica en la vida de ultratumba de sus habitantes, debían ser imágenes adecuadas a su propósito. Sin embargo, éstas tienen más la naturaleza de sustitutos mágicos que de símbolos.

USOS DE LA ESCULTURA

La gran mayoría de las esculturas no son totalmente autónomas, sino que están integradas o vinculadas de algún modo con otras obras de arte en otros soportes.

El relieve, en particular, ha servido como forma de decoración para una inmensa gama de artefactos domésticos, personales, cívicos y sagrados, desde los lanzadores de lanzas del hombre paleolítico y las paletas de cosméticos de la primera civilización egipcia hasta la última reproducción plástica producida en masa de un panel de lino jacobeo (un panel tallado o moldeado que representa un pliegue, o rollo, de lino).

El principal uso de la escultura a gran escala ha sido en conjunción con la arquitectura. Ha formado parte del tejido interior o exterior del propio edificio o se ha colocado contra el edificio o cerca de él como complemento del mismo. El papel de la escultura en relación con los edificios como parte del paisaje urbano es también de considerable importancia. Tradicionalmente, se ha utilizado para proporcionar un punto focal en el encuentro de las calles, y en los mercados, plazas y otros lugares abiertos, una tradición que muchos urbanistas continúan hoy en día.

La escultura ha sido ampliamente utilizada como parte del esquema decorativo total de un jardín o parque. La escultura de jardín suele tener como objetivo principal el disfrute, ayudando a crear el ambiente adecuado para la meditación, la relajación y el deleite. Dado que el objetivo es crear una atmósfera arcádica o paradisíaca ideal, se suelen evitar los temas inquietantes o serios. La escultura puede colocarse entre los árboles y el follaje, donde puede sorprender y deleitar al espectador, o situarse al aire libre para proporcionar un punto focal a una vista.

Las fuentes también están pensadas principalmente para el disfrute de los sentidos. No hay nada que se pueda comparar con la interacción de luz, movimiento, sonido e imágenes escultóricas de las grandes fuentes, que combinan el movimiento y el sonido de las láminas, los chorros y las cataratas de agua con esculturas ricas en imaginación, plantas acuáticas y follaje, peces que saltan, reflejos y luces cambiantes. Son los prototipos de todas las esculturas cinéticas «mixtas» del siglo XX.

La durabilidad de la escultura la convierte en un medio ideal para fines conmemorativos, y gran parte de la mejor escultura del mundo ha sido creada para perpetuar la memoria de personas y acontecimientos. La escultura conmemorativa incluye tumbas, lápidas, estatuas, placas, sarcófagos, columnas conmemorativas y arcos de triunfo. También el retrato cumple a menudo una función conmemorativa.

Uno de los usos más conocidos y extendidos de la escultura es el de las monedas. Producidas desde hace más de 2.500 años, estas obras de arte en miniatura contienen una gama de cabezas de retratos y dispositivos simbólicos de gran valor histórico y a menudo artísticamente excelentes. También las medallas, a pesar de su pequeña escala, pueden ser vehículos para el arte plástico de la más alta calidad.

Las medallas del siglo XV del artista italiano Antonio Pisanello y las monedas de la antigua Grecia se consideran generalmente los logros supremos en estos campos de la escultura en miniatura.

Monumento a Cervantes
Escultura conmemorativa de Cervantes

También a pequeña escala están los productos escultóricos de las artes glípticas, es decir, las artes de la talla de gemas y piedras duras. En muchos países se han realizado trabajos magníficos y variados, a menudo en combinación con la orfebrería.

Por último, la escultura se ha utilizado ampliamente para objetos ceremoniales y rituales, como báculos de obispo, incensarios, relicarios, cálices, tabernáculos, cubiertas de libros sagrados, antiguos bronces chinos, accesorios funerarios, la parafernalia de los rituales tribales, el equipo especial que llevaban los participantes en el juego de pelota sagrado del antiguo México, imágenes procesionales, máscaras y tocados, y trofeos y premios modernos.

Si quieres saber más sobre escultura griega. Lee aquí.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA

La escultura como arte, goza de una serie de características que la hacen evidentemente diferenciable de las demás bellas artes, a continuación verás los rasgos más representativos de esta forma de expresión artística:

Detalles finales para una escultura que están esculpiendo.
Con el esculpido, vas eliminado material hasta darle forma.
  • La escultura se basa en formas con acabado bidimensional o tridimensional.
  • Cuando se trata del tallado del material, se emplean instrumentos como martillos o cinceles.
  • Una escultura puede perdurar en el tiempo de manera indefinida, esto quiere decir que su permanencia en el tiempo es perenne.

También es evidente que de acuerdo a la etapa y a la realidad cultural, la escultura puede variar en característica preservando las más primordiales. Estas son algunas características que se encontraban en ciertos tipos de esculturas:

Características de la escultura renacentista

  • Mayor interés en plasmar expresividad.
  • En esta etapa, la escultura toma un valor propio y se independiza de la arquitectura.
  • Se centra en el hombre y en la naturaleza.
  • Manejo de materiales como el mármol, la terracota y el bronce.

Escultura barroca

  • Se aprecia una mayor expresividad en las figuras.
  • Manejo de materiales como la madera y el mármol.
  • Se puede apreciar la sensación de movimiento en las esculturas.

Características de la escultura griega

  • Mayor cuidado de la simetría y la claridad.
  • Crea figuras estereotipadas tanto de hombres como de mujeres.
  • Idealización de diversas fuentes artísticas.
Escultura Griega
Escultura griega

ELEMENTOS Y PRINCIPIOS DEL DISEÑO ESCULTÓRICO

Los dos elementos más importantes de la escultura –la masa y el espacio– son, por supuesto, separables sólo en el pensamiento. Toda escultura está hecha de una sustancia material que tiene masa y existe en el espacio tridimensional. La masa de la escultura es, por tanto, el volumen sólido, material y que ocupa el espacio que contienen sus superficies. El espacio entra en el diseño de la escultura de tres maneras principales: los componentes materiales de la escultura se extienden o se mueven a través del espacio; pueden encerrar o envolver el espacio, creando así huecos y vacíos dentro de la escultura; y pueden relacionarse entre sí a través del espacio. El volumen, la superficie, la luz y la sombra, y el color son elementos de apoyo de la escultura.

La importancia concedida a la masa o al espacio en el diseño de la escultura varía considerablemente. En la escultura egipcia y en la mayor parte de la escultura del artista del siglo XX Constantin Brancusi, por ejemplo, la masa es primordial, y la mayor parte del pensamiento del escultor se dedicó a dar forma a un bulto de material sólido. En cambio, en las obras del siglo XX de Antoine Pevsner o Naum Gabo, la masa se reduce al mínimo, y consiste únicamente en láminas transparentes de plástico o finas varillas de metal.

La forma sólida de los componentes en sí tiene poca importancia; su función principal es crear movimiento a través del espacio y encerrarlo. En obras de escultores del siglo XX como Henry Moore y Barbara Hepworth, los elementos de espacio y masa se tratan como socios más o menos iguales.

Escultura  Barbara Hepworth,
Escultura Barbara Hepworth,

No es posible ver la totalidad de una forma totalmente tridimensional a la vez. El observador sólo puede verla en su totalidad si la gira o la rodea él mismo. Por esta razón, a veces se asume erróneamente que la escultura debe ser diseñada principalmente para presentar una serie de vistas proyectivas satisfactorias y que esta multiplicidad de vistas constituye la principal diferencia entre la escultura y las artes pictóricas, que presentan una sola vista de su objeto.

Tal actitud hacia la escultura ignora el hecho de que es posible aprehender las formas sólidas como volúmenes, concebir una idea de ellas en redondo desde cualquier aspecto. Gran parte de la escultura está concebida para ser apreciada principalmente como volumen.

Un solo volumen es la unidad fundamental de la forma sólida tridimensional que puede concebirse en redondo. Algunas esculturas constan de un solo volumen, otras son configuraciones de varios volúmenes. La figura humana suele ser tratada por los escultores como una configuración de volúmenes, cada uno de los cuales corresponde a una parte importante del cuerpo, como la cabeza, el cuello, el tórax y el muslo.

Los agujeros y las cavidades en la escultura, que se moldean tan cuidadosamente como las formas sólidas y tienen la misma importancia para el diseño general, se denominan a veces volúmenes negativos.

Las superficies de las esculturas son, de hecho, lo único que se ve. Es a partir de sus inflexiones que se hacen inferencias sobre la estructura interna de la escultura. Una superficie tiene, por así decirlo, dos aspectos: contiene y define la estructura interna de las masas de la escultura, y es la parte de la escultura que entra en relación con el espacio exterior.

El carácter expresivo de los diferentes tipos de superficies es de suma importancia en la escultura. Las superficies convexas de doble curvatura sugieren plenitud, contención, encierro, la presión hacia el exterior de las fuerzas internas. En la estética de la escultura india, estas superficies tienen un significado metafísico especial.

Las superficies cóncavas, que representan la invasión del espacio en la masa de la escultura, sugieren la acción de fuerzas externas y suelen ser indicativas de colapso o erosión. Las superficies planas tienden a transmitir una sensación de dureza y rigidez del material; son inflexibles o inamovibles, no se ven afectadas por presiones internas o externas.

Las superficies convexas en una curvatura y cóncavas en la otra pueden sugerir el funcionamiento de presiones internas y al mismo tiempo una receptividad a la influencia de fuerzas externas. Se asocian al crecimiento, a la expansión en el espacio.

A diferencia del pintor, que crea efectos de luz dentro de la obra, el escultor manipula la luz real sobre la obra. La distribución de luces y sombras sobre las formas de su obra depende de la dirección e intensidad de la luz procedente de fuentes externas. Sin embargo, hasta cierto punto puede determinar el tipo de efecto que tendrá esta luz externa. Si el artista sabe dónde va a situar su obra, puede adaptarla al tipo de luz que va a recibir. La brillante luz del sol de Egipto y la India exige un tratamiento diferente al de la tenue luz interior de una catedral medieval del norte.

Por otra parte, es posible crear efectos de luz y sombra, o claroscuro, recortando o modelando huecos profundos que atraen la sombra y crestas prominentes y resaltadas.

Muchos escultores del gótico tardío utilizaron la luz y la sombra como una poderosa característica expresiva de su obra, buscando una misteriosa oscuridad, con formas rotas por la sombra que emergen de un fondo oscuro.

Los escultores griegos, indios y la mayoría de los italianos del Renacimiento moldearon las formas de sus obras para que recibieran la luz de manera que el conjunto resultara radiantemente claro.

La coloración de la escultura puede ser natural o aplicada. En los últimos tiempos, los escultores han sido más conscientes que nunca de la belleza inherente a los materiales escultóricos.

Bajo el lema de «la verdad de los materiales», muchos de ellos trabajaron sus materiales de manera que explotaran sus propiedades naturales, incluyendo el color y la textura. Sin embargo, en los últimos tiempos ha crecido la tendencia a utilizar colores artificiales brillantes como elemento importante en el diseño de la escultura.

En el mundo antiguo y durante la Edad Media, casi toda la escultura se coloreaba artificialmente, normalmente de forma audaz y decorativa, más que naturalista. El portal esculpido de una catedral, por ejemplo, se coloreaba y doraba con todo el brillo de un manuscrito iluminado contemporáneo. Las combinaciones de materiales de diferentes colores, como el marfil y el oro de algunas esculturas griegas, no eran desconocidas antes del siglo XVII; pero el escultor de principios del Barroco Gian Lorenzo Bernini extendió enormemente la práctica combinando mármoles de diversos colores con mármol blanco y bronce dorado.

METODOS Y TECNICAS EMPREADAS PARA LA CREACIÓN DE ESCULTURAS

Aunque un escultor puede especializarse, por ejemplo, en la talla de la piedra o en el trabajo directo del metal, el arte de la escultura no puede identificarse con ningún oficio o conjunto de oficios en particular.

Se pone al servicio de cualquier oficio que se adapte a sus objetivos. Las tecnologías desarrolladas para fines más utilitarios suelen adaptarse fácilmente a la escultura; de hecho, los artefactos útiles y las imágenes esculpidas se han producido a menudo en el mismo taller, a veces por el mismo artesano.

Los métodos y técnicas empleados en la producción de una maceta, un cepo de bronce, una moldura o columna de piedra decorativa, un poste de madera tallado o incluso una carrocería de fibra de vidrio son esencialmente los mismos que los utilizados en la escultura.

Por ejemplo, las técnicas de repujado, fundición de metales, herrería, trabajo en chapa y soldadura, que se utilizan para la producción de artefactos funcionales y trabajos decorativos en metal, también se utilizan en la escultura en metal; y la preparación, el moldeado, el vidriado, la decoración y la cocción de la arcilla son básicamente los mismos tanto en la cerámica utilitaria como en la escultura en cerámica.

Las nuevas técnicas utilizadas por los escultores en el siglo XX están estrechamente relacionadas con las nuevas técnicas aplicadas en la construcción y la fabricación industrial.

De acuerdo con el material, las herramientas y el tipo de acabado que se desee, las técnicas para crear una escultura pueden variar. Hay muchos tipos de técnicas, cada una de ellas se orientan al manejo eficiente de los materiales y tienen además un acabado único. A continuación conocerás las técnicas más comunes para crear esculturas:

Esculpido

La técnica del esculpido consiste en remover de un bloque o pieza de material duro, partículas con ayuda de algún instrumento, de esta manera se permite el moldeado de la pieza hasta obtener el resultado deseado, que es la obra artística. Herramientas como los cinceles planos que producen surcos profundos son los más empleados en el esculpido de esculturas.

Modelado

El modelado es una técnica especial, en lugar de emplear materiales duros, en este caso se emplean materiales blandos y maleables. Materiales como la cera, la arcilla y otros son empleados en la técnica del moldeado, habitualmente el uso de herramientas es reducido, se emplean principalmente para pulir los detalles.

escultura de barro
Trabajando el barro

A diferencia del proceso reductor de la talla, el modelado es esencialmente un proceso de construcción en el que la escultura crece orgánicamente desde el interior. Se utilizan numerosos materiales plásticos para el modelado. Los principales son la arcilla, el yeso y la cera; pero también se puede modelar hormigón, resinas sintéticas, madera plástica, estuco e incluso metal fundido.

Un diseño modelado en materiales plásticos puede estar destinado a ser reproducido mediante vaciado en materiales más permanentes y rígidos, como el metal, el yeso, el hormigón y la fibra de vidrio, o puede hacerse rígido y más permanente por las propiedades de autofijación de sus materiales (por ejemplo, el yeso) o por cocción.

Modelado para la fundición

El material más utilizado para hacer modelos positivos para fundición es la arcilla. Un diseño pequeño y compacto o un bajo relieve pueden modelarse sólidamente en arcilla sin ningún soporte interno; pero un modelo de arcilla grande debe formarse sobre una armadura fuerte hecha de madera y metal. Dado que la armadura puede ser muy elaborada y sólo puede modificarse ligeramente, si es que se hace, una vez que se ha empezado a trabajar, el modelista debe tener una idea bastante clara, a partir de sus dibujos y maquetas, de la disposición de las formas principales del modelo terminado.

Las masas principales subyacentes de la escultura se construyen firmemente sobre la armadura, y luego se modelan sobre ellas las formas más pequeñas, el modelado de la superficie y los detalles.

Las principales herramientas del modelista son sus dedos, pero para el trabajo fino puede utilizar una variedad de herramientas de modelado de madera para aplicar la arcilla y herramientas de bucle de alambre para cortarla. Los relieves se modelan en una tabla vertical o casi vertical. La arcilla se fija a la tabla con clavos galvanizados o listones de madera. La cantidad de armadura necesaria depende de la altura del relieve y del peso de la arcilla.

Para hacer un molde en metal, una fundición requiere del escultor un modelo hecho de un material rígido, generalmente yeso. El escultor puede producirlo modelando en arcilla y luego fundiendo en yeso a partir del modelo de arcilla o modelando directamente en yeso. Para el modelado directo en yeso, se requiere una armadura fuerte porque el material es frágil.

Las formas principales pueden construirse a grandes rasgos sobre la armadura en alambre expandido y luego cubrirse con tela de escayola (una arpillera tejida sin apretar). Esto proporciona una base hueca para el modelado final, que se realiza aplicando yeso con espátulas metálicas y raspando y recortando con escofinas y cinceles.

La Fundición
fundición

Las esculturas de fibra de vidrio y hormigón se vierten en moldes de escayola tomados del modelo original del escultor. El modelo suele ser de arcilla y no de escayola porque, si las formas de la escultura son complejas, es más fácil extraer un molde de escayola de un modelo de arcilla blanda que de un modelo de un material rígido, como la escayola.

Gran parte de la escultura metálica del pasado, incluida la nigeriana, la india y muchos bronces del Renacimiento, se producía mediante el proceso de cera perdida directa, que implica una técnica especial de modelado (véase Fundición y moldeado más adelante). El diseño se modela primero en algún material refractario hasta una fracción de pulgada de la superficie final, y luego el modelado final se hace en una capa de cera, utilizando los dedos y también herramientas de metal, que pueden calentarse para hacer la cera más flexible.

Los medallones se producen a menudo a partir de originales de cera, pero debido a su pequeño tamaño pueden ser fundidos en sólido y por lo tanto no requieren un núcleo.

Modelado para la escultura en cerámica

Para soportar las tensiones de la cocción, una gran escultura de cerámica debe ser hueca y tener un grosor uniforme. Hay dos formas principales de conseguirlo. En el proceso de modelado en hueco, que es típico del enfoque alfarero de la forma, las formas principales del modelo de arcilla se construyen directamente como formas huecas con paredes de un grosor más o menos uniforme. Los métodos de construcción son similares a los que se emplean para hacer cerámica a mano: enrollar, pellizcar y forjar. A continuación se añaden las formas más pequeñas y los detalles, y la obra terminada se deja secar lenta y completamente antes de la cocción.

El proceso de modelado sólido es más típico del enfoque tradicional de la forma del escultor. La escultura se modela en arcilla sólida, a veces sobre una armadura cuidadosamente considerada, mediante los métodos habituales de modelado de arcilla del escultor. A continuación, se corta y se ahueca, y se retira la armadura, si la hay. Las piezas se vuelven a unir y la obra se seca y se cuece.

Características generales de la escultura modelada

El proceso de modelado afecta al diseño de la escultura de tres maneras importantes. En primer lugar, las formas de la escultura tienden a ordenarse desde el interior. No hay formas y planos de contención externos, como en la escultura tallada. El diseño general de la obra -sus volúmenes principales, proporciones y disposición axial- está determinado por las formas subyacentes; y las formas más pequeñas, el modelado de la superficie y los detalles decorativos se forman alrededor de esta estructura subyacente y se sustentan en ella.

En segundo lugar, como su extensión en el espacio no está limitada por las dimensiones de un bloque de material, la escultura modelada tiende a ser mucho más libre y expansiva en su diseño espacial que la escultura tallada.

Si se quiere aprovechar la resistencia a la tracción del metal en la obra terminada, la libertad es casi ilimitada; los diseños para materiales frágiles como el hormigón o el yeso son más limitados. En tercer lugar, la plasticidad de la arcilla y la cera favorece un tipo de manipulación fluida e inmediata, y a muchos escultores, como Auguste Rodin, Giacomo Manzù y Sir Jacob Epstein, les gusta conservar este registro de su manipulación directa del medio en su obra terminada. Su enfoque contrasta con el de los escultores de bronce de Benín y de la India, que refinaban las superficies de sus obras para eliminar todo rastro de «escritura personal».

Construir y ensamblar

Obra ensamblada
Obra ensamblada

Una escultura construida o ensamblada se realiza uniendo piezas preformadas de material. Difiere radicalmente en principio de la escultura tallada y modelada, ambas fabricadas a partir de una masa homogénea de material. La escultura construida se realiza a partir de componentes básicos preformados como tubos, varillas, placas, barras y láminas de metal; listones, tablones, espigas y bloques de madera; maderas laminadas y tableros de aglomerado; láminas de plexiglás, fórmica y vidrio; tejidos y alambres e hilos. Se cortan a distintos tamaños y se les puede dar forma antes de ensamblarlos o utilizarlos tal cual.

El término «assemblage» suele reservarse para las esculturas construidas que incorporan una amplia gama de objetos ya fabricados, denominados «encontrados», como calderas viejas, máquinas de escribir, componentes de motores, espejos, sillas, patas de mesas y otros muebles viejos. Para unir estos componentes se emplean numerosas técnicas, la mayoría de ellas derivadas de oficios distintos a los tradicionales de la escultura; por ejemplo, la soldadura metálica y la soldadura fuerte, la carpintería de madera, el atornillado, el remachado, el clavado y la unión con nuevos y potentes adhesivos.

El uso de técnicas constructivas para producir escultura es el principal desarrollo técnico del arte en los últimos años. Su popularidad se debe, entre otras cosas, a que se presta fácilmente a hacer hincapié en los aspectos espaciales de la escultura que preocupaban a tantos artistas del siglo XX; es más rápida que la talla y el modelado; muchos escultores y críticos la consideran especialmente apropiada para una civilización tecnológica; está abriendo nuevos campos de imaginería y nuevos tipos de simbolismo y forma.

Para la escultura «de galería» construida, es probable que se utilicen casi todos los materiales y técnicas, y los productos suelen ser extremadamente efímeros.

Pero la escultura arquitectónica, la escultura de exterior y, de hecho, cualquier escultura que se utilice realmente debe construirse de forma segura y, al menos, razonablemente permanente. Por lo tanto, los materiales y las técnicas empleadas son algo restringidos. Las esculturas de metal construidas mediante remaches, pernos y, sobre todo, soldaduras son las más adecuadas para su uso en exteriores.

Tallado

Seguramente al hablar de tallado lo primero que se te viene a la mente es la madera, y tienes razón pero ¿sabías que también se puede tallar en el mármol?

Así es, estos son los materiales más utilizados con esta técnica, que consiste en remover material desde el exterior hacia el interior de la pieza empleando herramientas filosas que faciliten el desgaste de la pieza. Hay otros materiales que se emplean en el tallado, el marfil es uno de los más comunes, pero no es de los más empleados actualmente.

Sea cual sea el material utilizado, las características esenciales del método directo de talla son las mismas: el escultor parte de una masa sólida de material y la reduce sistemáticamente a la forma deseada.

Una vez que ha bloqueado las masas y los planos principales que definen los límites exteriores de las formas, trabaja progresivamente sobre toda la escultura, tallando primero las formas y los planos de contención más grandes y luego los más pequeños hasta llegar finalmente a los detalles de la superficie. A continuación, el artista da a la superficie el acabado que sea necesario. Incluso con un modelo preliminar como guía, el concepto del escultor evoluciona y se aclara constantemente a medida que avanza el trabajo; así, a medida que adapta el diseño a la naturaleza del proceso de talla y al material, la obra se desarrolla como un todo orgánico.

El proceso de talla directa impone un orden característico a las formas de la escultura. Las caras del bloque, losa o cilindro de material original suelen seguir percibiéndose, existiendo alrededor de la obra terminada como una especie de envoltura espacial implícita que limita la extensión de las formas en el espacio y conecta sus puntos más altos a través del espacio.

De forma similar, a lo largo de toda la talla, las formas y los planos más pequeños pueden verse como contenidos dentro de los más grandes implícitos. Así, una secuencia ordenada de formas y planos de contención, de los más grandes a los más pequeños, da unidad a la obra.

La talla indirecta

Todas las grandes tradiciones escultóricas del pasado utilizaban el método directo de talla, pero en la civilización occidental, durante el siglo XIX y principios del XX, se hizo habitual que la escultura en piedra y, en menor medida, en madera, se realizara por el método indirecto.

Esto requería la producción de un modelo de arcilla acabado que posteriormente se fundía en yeso y se reproducía en piedra o madera de forma más o menos mecánica mediante una máquina de apuntar (véase Apuntar más abajo). Por lo general, el tallado no lo hacía el propio escultor.

En el peor de los casos, este procedimiento da como resultado una copia tallada de un diseño que fue concebido en términos de modelado de arcilla. Aunque la talla indirecta no consigue las cualidades estéticas típicas de la escultura tallada, no da lugar necesariamente a una mala escultura.

Las esculturas de mármol de Rodin, por ejemplo, suelen ser consideradas grandes obras de arte incluso por quienes se oponen a los métodos indirectos con los que fueron producidas.

El método indirecto ha ido perdiendo terreno desde el resurgimiento de la talla directa a principios del siglo XX y de innovaciones como la impresión en 3D a finales de ese siglo.

Herramientas y técnicas de talla

Las herramientas utilizadas para la talla difieren según el material que se vaya a tallar. La piedra se talla principalmente con herramientas de acero que se asemejan a cinceles fríos. Para eliminar las esquinas y los ángulos de un bloque, se introduce en la superficie una herramienta llamada «jarra» con un pesado martillo de hierro. La jarra es una herramienta gruesa, parecida a un cincel, con un amplio borde biselado que rompe la piedra en lugar de cortarla.

La punta pesada realiza el desbaste principal, seguida de la punta fina, que puede utilizarse hasta una corta distancia de la superficie final. Estas herramientas puntiagudas se clavan en la superficie con un ángulo que hace que la piedra se rompa en astillas de distintos tamaños.

Los cinceles de garra, que tienen bordes dentados, pueden trabajarse entonces en todas las direcciones sobre la superficie, eliminando la piedra en forma de gránulos y refinando así las formas de la superficie.

Los cinceles planos se utilizan para el acabado de la talla superficial y para cortar detalles afilados. Hay muchas otras herramientas especiales, como gubias de piedra, taladros, martillos dentados (conocidos como martillos o bouchardes) y, a menudo utilizados hoy en día, herramientas neumáticas motorizadas, para golpear la superficie de la piedra. La superficie se puede pulir con diversos procesos y materiales.

talla en piedra
trabajando la piedra

Dado que los tallistas medievales trabajaban sobre todo en piedras más blandas y utilizaban mucho los cinceles planos, sus obras tienden a tener una calidad de corte y a ser talladas de forma libre y profunda. En cambio, el trabajo realizado en piedras duras por personas que carecían de herramientas metálicas lo suficientemente duras para cortar la piedra. La escultura egipcia de granito, por ejemplo, se realizaba principalmente por abrasión, es decir, golpeando la superficie y frotándola con materiales abrasivos. El resultado es una escultura compacta, no profundamente ahuecada, con bordes suavizados y superficies fluidas. Suele tener un alto grado de atractivo táctil.

Aunque el proceso de talla es fundamentalmente el mismo para la madera o la piedra, la estructura física de la madera exige herramientas de un tipo diferente. Para la primera talla en madera, el escultor puede utilizar sierras y hachas, pero sus principales herramientas son una amplia gama de gubias de tallista.

El borde afilado y curvado de una gubia corta fácilmente los haces de fibra y, cuando se utiliza correctamente, no parte la madera. También se utilizan cinceles planos, especialmente para tallar detalles afilados.

Se pueden utilizar escofinas de madera, o limas gruesas, y papel de lija para dar a la superficie un acabado liso o, si se prefiere, se puede dejar con un aspecto facetado y cincelado. Las herramientas para tallar la madera tienen mangos de madera dura y se golpean con mazos redondos de madera. Los escultores de madera africanos utilizan una variedad de azuelas en lugar de gubias y mazos. El marfil se talla con un surtido de sierras, cuchillos, escofinas, limas, cinceles, taladros y raspadores.

Fundición

Se trata de una técnica que además del material, requiere de moldes para derivar en la escultura. Generalmente las esculturas elaboradas con esta técnica son el resultado de la fundición y la combinación de varios metales, que vertidos en un molde al momento de solidificarse se convierte en una obra de arte hermosa pero además resistente y duradera.

Técnicas de reproducción y acabado de superficies

Los procesos de fundición y moldeado se utilizan en la escultura, ya sea para realizar copias de esculturas existentes o como etapas esenciales en la producción de una obra terminada. Se utilizan numerosos materiales para fabricar moldes y vaciados, y algunos de los métodos son complejos y altamente especializados. Aquí sólo se puede ofrecer un amplio resumen de los principales métodos.

Fundición y moldeado

Se utilizan para producir un único molde a partir de un original blando y plástico, normalmente arcilla. Son especialmente útiles para producir moldes maestros para su posterior reproducción en metal. El procedimiento básico es el siguiente.

En primer lugar, se construye el molde en yeso líquido sobre el modelo original de arcilla; para vaciar relieves, un molde de una sola pieza puede ser suficiente, pero para la escultura en redondo se requiere un molde en al menos dos secciones.

Posteriormente, el yeso se ha endurecido, el molde se divide y se separa del modelo de arcilla.

En tercer lugar, se limpia el molde, se vuelve a montar y se rellena con un material autofraguante, como yeso, hormigón o resina reforzada con fibra de vidrio.

En cuarto lugar, el molde se desprende con cuidado del molde. Esto implica la destrucción del molde, de ahí el término de molde «de desecho».

El orden de montaje y llenado del molde puede invertirse; la fibra de vidrio y la resina, por ejemplo, se «colocan» en las piezas del molde antes de volver a montarlas.

 El arte de fundir esculturas, el moldeado.
Moldeado

Los moldes de piezas de escayola se utilizan para producir más de un molde a partir de un original blando o rígido y son especialmente buenos para reproducir esculturas existentes y para el vaciado en barbotina (véase más adelante).

Antes de la invención de los moldes flexibles (véase más adelante), los moldes de piezas se utilizaban para producir vaciados de cera para la fundición de metales mediante el proceso de cera perdida. Un molde de pieza se construye en secciones que pueden retirarse del modelo original sin dañarlo.

El número de secciones depende de la complejidad de la forma y de la cantidad de cortes; pueden ser necesarias decenas, o incluso cientos, de piezas para obras realmente grandes y complejas. Las secciones del molde se encajan cuidadosamente y se apoyan en una caja de yeso. Cuando el molde se ha llenado, puede extraerse sección por sección del molde y volver a utilizarse. El moldeo de piezas es un proceso altamente cualificado y laborioso.

Los moldes flexibles, fabricados con materiales como la gelatina, el vinilo y el caucho, se utilizan para producir más de un molde; ofrecen una alternativa mucho más sencilla al moldeo de piezas cuando el modelo original es rígido y tiene formas y cortes complejos. El material se funde y se vierte alrededor del positivo original en secciones, si es necesario. Al ser flexible, el molde se desprende fácilmente de una superficie rígida sin causar daños.

Mientras se rellena (con cera, yeso, hormigón y resinas reforzadas con fibra de vidrio), el molde debe estar rodeado por una caja de yeso para evitar su deformación.

El proceso de cera perdida es el método tradicional de fundición de esculturas de metal. Requiere un positivo, que consiste en un núcleo de material refractario y una capa exterior de cera. El positivo puede producirse mediante el modelado directo en cera sobre un núcleo preparado, en cuyo caso el proceso se conoce como fundición directa a la cera perdida, o mediante la fundición en un molde de pieza o un molde flexible tomado de un molde maestro.

El positivo de cera se invierte en un molde de materiales refractarios y se calienta a continuación a una temperatura que expulsa toda la humedad y funde toda la cera, dejando una estrecha cavidad entre el núcleo y el revestimiento. En esta cavidad se vierte el metal fundido. Cuando el metal se ha enfriado y solidificado, se rompe el revestimiento y se extrae el núcleo del molde. El proceso es, por supuesto, mucho más complejo de lo que sugiere este simple esquema. Hay que tener cuidado de suspender el núcleo dentro del molde por medio de pasadores metálicos, y hay que hacer una estructura de canales en el molde que permita que el metal llegue a todas las partes de la cavidad y permita que los gases del molde salgan. Una vez terminada la fundición, suele ser necesario limar y repasar el molde.

Mientras que el proceso de cera perdida se utiliza para producir piezas de metal complejas y refinadas, el moldeo en arena es más adecuado para tipos de formas más simples y para la escultura en la que no importa una cierta rugosidad de la superficie.

Las recientes mejoras en la calidad de las piezas fundidas en arena y la invención del proceso de «patrón perdido» (véase más adelante) han dado lugar a un uso mucho más amplio del moldeo en arena como medio para producir esculturas.

Un molde de arena, hecho de arena especial unida por un aglutinante, se construye alrededor de un positivo rígido, normalmente en varias secciones unidas en cajas de metal. Para una fundición hueca, se requiere un núcleo que encaje dentro del molde negativo, dejando una estrecha cavidad como en el proceso de cera perdida. El metal fundido se vierte en esta cavidad.

El proceso de patrón perdido se utiliza para la producción por moldeo en arena de moldes individuales en metal. Después de que un positivo de poliestireno expandido esté firmemente incrustado en la arena de fundición, se vierte metal fundido en el molde directamente sobre el original de espuma expandida. El calor del metal hace que la espuma se convierta en vapor y desaparezca, dejando un molde negativo que se llenará con el metal. En el molde se hacen canales para que el metal corra y para que los gases salgan, como en el proceso de cera perdida. Este método se utiliza principalmente para producir piezas de fundición sólidas en aluminio que pueden soldarse o remacharse para hacer la escultura terminada.

La fundición en barbotina es principalmente una técnica de alfarería que puede utilizarse para la fundición por repetición de pequeñas esculturas de cerámica. La arcilla líquida, o barbotina, se vierte en un molde de pieza de yeso. Parte del agua de la barbotina es absorbida por el yeso y se acumula una capa de arcilla rígida en la superficie del molde. Cuando esta capa es lo suficientemente gruesa como para formar un molde, se vierte el exceso de engobe y se retira el molde. El molde de arcilla hueca se seca y se cuece.

Los moldes sencillos para esculturas de cerámica -principalmente azulejos y relieves bajos- pueden prepararse presionando la arcilla en un molde rígido. Las formas más complejas pueden construirse a partir de varias piezas prensadas por separado. Los moldes sencillos de terracota pueden hacerse presionando la arcilla alrededor de una forma positiva rígida. Después de la cocción, estos moldes se pueden utilizar para la fundición a presión.

Señalizado o punteado

Una escultura puede reproducirse transponiendo a una copia las medidas tomadas en toda su superficie. El proceso se hace preciso y minucioso mediante el uso de un puntero, que es una disposición de brazos metálicos ajustables y punteros que se ajustan a la posición de cualquier punto de la superficie de una forma tridimensional y luego se utilizan para localizar el punto correspondiente en la superficie de una copia.

Si la copia es de piedra, el bloque se perfora hasta la profundidad medida por el puntero. Cuando se han fijado varios puntos mediante la perforación, se corta la piedra hasta la profundidad requerida. Para que el punteado sea preciso, hay que tomar un gran número de puntos, y la superficie final se aproxima gradualmente. El principal uso del punteado ha sido para el método indirecto de escultura.

También se pueden producir copias ampliadas y reducidas de la escultura con la ayuda de dispositivos mecánicos. Una sofisticada máquina reductora que funciona según el principio del pantógrafo (un instrumento para copiar a cualquier escala predeterminada, que consiste en cuatro barras ligeras y rígidas unidas en forma de paralelogramo), se utiliza en la acuñación para reducir el modelo original del escultor al tamaño de una moneda.

Acabado de la superficie

Los acabados de las superficies de las esculturas pueden ser naturales, es decir, el propio material de la escultura, o aplicados. Casi todos los acabados superficiales aplicados conservan y decoran.

Alisado y pulido

Muchos materiales escultóricos tienen una belleza natural de color y textura que se puede realzar mediante el alisado y el pulido. Las esculturas de piedra se alisan frotando con una serie graduada de abrasivos gruesos y finos, como carborundo, arenisca, esmeril, piedra pómez y pescadilla, todos ellos utilizados mientras la piedra está húmeda.

Algunas piedras, como el mármol y el granito, adquieren un alto brillo; otras son demasiado gruesas para ser pulidas y sólo pueden alisarse hasta conseguir un acabado granular. A veces se utiliza cera para dar a la piedra un pulido final.

La belleza natural de la madera se consigue lijando o raspando y luego encerando o aceitando. La cera de abejas y el aceite de linaza son los materiales tradicionales, pero actualmente existe una amplia gama de ceras y aceites.

El marfil se pule con abrasivos suaves como la piedra pómez y la pescadilla, aplicados con un paño húmedo.

El hormigón puede frotarse, como la piedra, con agua y abrasivos, que alisan la superficie y dejan al descubierto los áridos. Algunos hormigones pueden pulirse.

Los metales se frotan manualmente con lana de acero y papel de esmeril y se pulen con diversos abrillantadores para metales. Se puede dar un pulido de alto brillo a los metales mediante ruedas pulidoras motorizadas utilizadas junto con abrasivos y pulidores. Se aplican lacas transparentes para conservar el pulido.

Pintura

La piedra, la madera, la terracota, el metal, la fibra de vidrio y el yeso pueden pintarse de forma razonablemente duradera siempre que las superficies se preparen correctamente y se utilicen imprimaciones y pinturas adecuadas.

En el pasado, las tallas de piedra y madera solían acabarse con una capa de gesso (yeso o escayola preparada con cola) que servía tanto de material de modelado final para los detalles delicados de la superficie como de imprimación para la pintura. Históricamente, la pintura y el dorado de la escultura solían dejarse en manos de especialistas.

En la escultura griega en relieve, los detalles reales de la composición se omitían a menudo en la fase de talla y se dejaban para que el pintor los insertara. En el siglo XV, el gran pintor flamenco Rogier van der Weyden se encargó de pintar la escultura como parte de su trabajo.

La tecnología moderna de la pintura ha puesto a disposición una enorme gama de materiales. Las esculturas construidas se suelen acabar con amoladoras y lijadoras mecánicas y luego se rocían con pinturas celulósicas de alta calidad.

Dorado

Las superficies de las esculturas de madera, piedra y yeso pueden decorarse con oro, plata y otros metales que se aplican en forma de hoja o polvo sobre una imprimación adecuada.

Los metales, especialmente el bronce, solían dorarse al fuego, es decir, se trataban con una amalgama de oro y mercurio que se calentaba para expulsar el mercurio. Los paneles de las Puertas del Paraíso de Florencia, obra del escultor del siglo XV Lorenzo Ghiberti, son un conocido ejemplo de bronce dorado.

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Pátinas

Las pátinas en los metales se producen por la acción corrosiva de los productos químicos. Las esculturas expuestas a diferentes tipos de atmósfera o enterradas en el suelo o sumergidas en el agua del mar durante algún tiempo adquieren una pátina que puede resultar muy atractiva.

Se pueden conseguir efectos similares de forma artificial aplicando diversos productos químicos a la superficie del metal, que a menudo se calienta para crear una unión. Este tratamiento es especialmente eficaz en el caso del bronce, que puede adquirir una amplia variedad de atractivas pátinas verdes, marrones, azules y negras. A veces se deja que el hierro se oxide hasta que adquiere un color satisfactorio, y entonces se detiene el proceso mediante el lacado.

Galvanoplastia

Las superficies de las esculturas metálicas o de las no metálicas especialmente preparadas pueden recubrirse con metales como el cromo, la plata, el oro, el cobre y el níquel mediante el conocido proceso industrial de galvanoplastia. La técnica relacionada de anodización puede utilizarse para evitar la corrosión de la escultura de aluminio y para teñir su superficie.

Otros acabados

Las superficies de las esculturas de metal pueden decorarse mediante numerosas técnicas de orfebrería: grabado, incrustación de metales, esmaltado, etc. Las esculturas de cerámica se pueden decorar con engobes de colores, óxidos y esmaltes; se pueden esmaltar con una variedad de esmaltes brillantes o mates; y se pueden pulir mediante el bruñido.

A menudo se han añadido otros materiales a la superficie de la escultura. Los ojos de las antiguas esculturas de figuras, por ejemplo, a veces se incrustaban con piedras. A veces, como en los mosaicos mexicanos, toda la superficie de una escultura está incrustada con nácar, turquesa, coral y muchas otras sustancias.

ESCULTURA DIRECTA EN EL METAL

La introducción del soplete de oxiacetileno como herramienta para el escultor revolucionó la escultura en metal en el siglo XX. El escultor español Julio González fue pionero en la combinación de las técnicas de soldadura y forja hacia 1930; y durante las décadas de 1940 y 1950 se convirtió en una importante técnica escultórica, sobre todo en Gran Bretaña y en Estados Unidos, donde su máximo exponente fue David Smith. En los años 60 y principios de los 70, procesos de soldadura eléctrica más sofisticados sustituyeron a la soldadura con llama.

Los equipos de soldadura pueden utilizarse para unir y cortar metales. Una unión soldada se realiza fundiendo y fusionando las superficies de dos piezas de metal, normalmente con la adición de una pequeña cantidad del mismo metal como relleno. El metal más utilizado para la escultura soldada es el acero dulce, pero se pueden soldar otros metales.

En una unión por soldadura fuerte, los metales principales no se funden realmente, sino que se unen mediante una aleación que se funde a una temperatura inferior a la de los metales principales. La soldadura fuerte es especialmente útil para realizar uniones entre diferentes tipos de metal, lo que no puede hacerse mediante soldadura, y para unir metales no ferrosos. La forja es la conformación directa del metal mediante el doblado, el martilleo y el corte.

Las técnicas de trabajo directo del metal han abierto al escultor toda una serie de nuevas formas: estructuras esqueléticas abiertas, formas lineales y muy extendidas, y formas de láminas complejas y curvadas.

La escultura metálica construida puede ser precisa y limpia, como la de los escultores minimalistas Donald Judd y Phillip King, o puede explotar los efectos texturales del metal fundido de forma libre y «romántica», como en la obra de Lee Bontecou.

Grabado

En el grabado, el escultor trabaja sobre una superficie que bien puede ser de madera o metal, y que por medio de herramientas filosas y/o cortantes dibuja patrones o figuras con el objetivo de crear piezas artísticas. Se pueden encontrar grabados de diversas dimensiones, y es muy común en piezas de bisutería y joyería.

Troquelado

El troquelado es una técnica que por lo general se emplea sobre superficies de tamaño reducido, consiste en realizar cortes o hendiduras, formas irregulares o patrones a través de un molde que se aplica sobre diversidad de materiales, que van desde el papel, el cartón, pieles, metales.

TIPOS DE ESCULTURAS

La escultura ha atravesado por infinidad de cambios a lo largo de la historia de la humanidad, el manejo de nuevos materiales así como la influencia del ingenio y la cultura, le han permitido evolucionar, y conforme ha evolucionado ha derivado en una gran variedad de formas. A continuación, se aprecian los tipos de esculturas que han emergido a lo largo de los años.

Las esculturas de Picasso toman el MoMA de Nueva York | Diariocrítico.com
Pablo Ruiz Picasso

Principios del diseño


Es dudoso que haya principios de diseño universales en el arte de la escultura, ya que los principios que rigen la organización de los elementos de la escultura en composiciones expresivas difieren de un estilo a otro. De hecho, las distinciones entre los principales estilos de escultura se basan en gran medida en el reconocimiento de las diferencias en los principios de diseño que los sustentan.

Así, el historiador del arte Erwin Panofsky intentaba definir una diferencia de principio en el diseño de la escultura románica y gótica cuando afirmaba que las formas del románico se concebían como proyecciones de un plano exterior a ellas mismas, mientras que las del gótico se concebían como centradas en un eje dentro de ellas. El «principio de axialidad» era considerado por Panofsky como «el principio esencial de la estatuaria clásica», que el gótico había redescubierto.

Los principios del diseño escultórico rigen los planteamientos de los escultores sobre cuestiones fundamentales como la orientación, la proporción, la escala, la articulación y el equilibrio.

Para concebir y describir la orientación de las formas de la escultura en relación con las demás, con el espectador y con su entorno, se requiere algún tipo de esquema espacial de referencia. Esto se consigue con un sistema de ejes y planos de referencia.

Un eje es una línea central imaginaria que atraviesa un volumen o grupo de volúmenes simétricos o casi simétricos y que sugiere el pivote gravitatorio de la masa.

Así, todos los componentes principales del cuerpo humano tienen ejes propios, mientras que una figura erguida tiene un único eje vertical que recorre toda su longitud. Los volúmenes pueden girar o inclinarse sobre sus ejes.

Los planos de referencia son planos imaginarios a los que pueden referirse los movimientos, posiciones y direcciones de los volúmenes, ejes y superficies. Los principales planos de referencia son el frontal, el horizontal y los dos planos de perfil.

Los principios que rigen las poses características y las composiciones espaciales de las figuras erguidas en los diferentes estilos de escultura se formulan con referencia a los ejes y a los cuatro planos cardinales: Por ejemplo, el principio de axialidad al que ya se ha hecho referencia; el principio de frontalidad, que rige el diseño de la escultura arcaica; el característico contrapposto (postura en la que partes del cuerpo, como la superior y la inferior, se inclinan o incluso se retuercen en direcciones opuestas) de las figuras de Miguel Ángel.

En la escultura griega de pie del periodo clásico, la postura «quística» equilibrada (postura en la que el peso del cuerpo recae principalmente sobre una pierna, creando así un contraste de tensión y relajación entre los lados opuestos de una figura), de uso frecuente.

Proporcionalidad de la escultura

Existen relaciones proporcionales entre las dimensiones lineales, las áreas y los volúmenes y masas. Los tres tipos de proporción coexisten e interactúan en la escultura, contribuyendo a su expresividad y belleza. Las actitudes hacia la proporción difieren considerablemente entre los escultores.

Algunos escultores, tanto abstractos como figurativos, utilizan sistemas matemáticos de proporción; por ejemplo, el refinamiento y la idealización de las proporciones humanas naturales fue una de las principales preocupaciones de los escultores griegos. Los escultores indios empleaban cánones iconométricos, o sistemas de proporciones cuidadosamente relacionados, que determinaban las proporciones de todas las dimensiones significativas de la figura humana. Los escultores africanos y de otros países basan las proporciones de sus figuras en la importancia subjetiva de las partes del cuerpo. Las proporciones no naturales pueden utilizarse con fines expresivos o para acomodar una escultura a su entorno.

El alargamiento de las figuras del Portail Royal de la catedral de Chartres hace ambas cosas: realza su carácter sobrenatural y las integra en la arquitectura columnaria.

Venus de Milo análisis de la escultura
analizando la venus del milo

A veces es necesario adaptar las proporciones de la escultura a su posición con respecto al espectador. Una figura situada en lo alto de un edificio, por ejemplo, suele agrandarse en sus partes superiores para contrarrestar los efectos del escorzo. Esto debe tenerse en cuenta cuando una escultura destinada a esa posición se expone a la altura de los ojos en un museo.

La escala de la escultura debe considerarse a veces en relación con la escala de su entorno. Cuando es un elemento de un conjunto mayor, como la fachada de un edificio, debe estar en escala con el resto. Otra consideración importante que los escultores deben tener en cuenta al diseñar esculturas al aire libre es la tendencia de la escultura al aire libre -especialmente cuando se ve contra el cielo- a parecer menos masiva que en un estudio.

Como uno tiende a relacionar la escala de la escultura con sus propias dimensiones físicas, el impacto emocional de una figura colosal y de una pequeña estatuilla es muy diferente.

En la escultura antigua y medieval, la escala relativa de las figuras en una composición suele estar determinada por su importancia; por ejemplo, las personas esclavizadas son mucho más pequeñas que los reyes o los nobles. Esto se conoce a veces como escala jerárquica.

La unión de una forma con otra puede llevarse a cabo de diversas maneras. En gran parte de la obra del escultor francés del siglo XIX Auguste Rodin, no hay límites claros, y una forma se fusiona con otra de manera impresionista para crear una superficie que fluye continuamente. En las obras del escultor griego Praxiteles, las formas se mezclan suave y sutilmente mediante transiciones suaves y borrosas. Los volúmenes de la escultura india y la anatomía superficial de las figuras masculinas en el estilo del escultor griego Policleto están muy definidos y claramente articulados.

Una de las principales diferencias entre la obra de los escultores italianos y los del norte del Renacimiento radica en la preferencia de los italianos por las composiciones formadas por unidades formales claramente articuladas y distintas, y la tendencia de los europeos del norte a subordinar las partes individuales a la fluidez de la composición.

Balance y equilibrio escultórico

El balance, o equilibrio, de la escultura independiente tiene tres aspectos. En primer lugar, la escultura debe tener una estabilidad física real. Esto puede lograrse mediante el equilibrio natural, es decir, haciendo que la escultura sea lo suficientemente estable por sí misma como para mantenerse en pie, lo que es bastante fácil de hacer con un animal de cuatro patas o una figura reclinada, pero no con una figura de pie o una escultura alta y delgada, que debe estar sujeta a una base. El segundo aspecto del equilibrio es la composición.

La interacción de fuerzas y la distribución del peso dentro de una composición pueden producir un estado de equilibrio dinámico o estático. El tercer aspecto del equilibrio se aplica únicamente a la escultura que representa una figura viva. Una figura humana viva se equilibra sobre dos pies realizando constantes movimientos y ajustes musculares. Este efecto puede transmitirse en la escultura mediante sutiles desplazamientos de la forma y sugerencias de tensión y relajación.

Principalmente la escultura se divide en dos grandes vertientes, la escultura estatuaria y la escultura ornamental. La primera de ella se base en la representación de algún personaje o evento de gran relevancia. Por su parte, la escultura ornamental se trata de cualquier obra de carácter escultórico cuyo objetivo sea servir como elemento decorativo. Se pueden encontrar además otros tipos de esculturas, que se clasifican de las siguientes maneras de acuerdo a sus formas:

  • Relieves: Son esculturas que se tallan sobre una superficie o que se unen a un fondo de maneras que pueden ser variantes. Los relieves a su vez se dividen en dos tipos, los altorrelieves donde se aprecia que las figuras talladas sobresalen del fondo y los bajorrelieves donde se recorta el fondo o base.
  • Bustos: Los bustos son una forma de escultura que sirve para representar a personajes importantes, consta únicamente del torso y la cabeza, particularmente se emplea para representar a personas.
  • Estatuas: Las estatuas son representaciones tridimensionales que por lo general se centran en personas, se caracterizan por estar aisladas.
  • Cinéticas: Las esculturas cinéticas hace uso de fuentes físicas de movimiento, está catalogada como una forma de escultura abstracta.

MATERIALES EMPLEADOS PARA CREAR ESCULTURAS

Al momento de realizar una escultura, uno de los factores más importantes son los materiales a utilizar, ya que existen muchos tipos y de acuerdo con ellos los acabados pueden variar, los materiales se adaptan al tipo de proyecto que se desee crear, algunos sirven de soporte y otros son la base fundamental para que la escultura se mantenga firme.

A continuación, se detallan los materiales más utilizados al momento de hacer una escultura:

Cualquier material que pueda ser moldeado en tres dimensiones puede ser utilizado escultóricamente. Algunos materiales, por sus propiedades estructurales y estéticas y por su disponibilidad, han resultado especialmente adecuados. Los más importantes son la piedra, la madera, el metal, la arcilla, el marfil y el yeso. También hay una serie de materiales que se han empezado a utilizar recientemente.

La Piedra como material primario.

La piedra es por mucho, el material más utilizado en toda la historia para la creación de esculturas, desde los tiempos más antiguos ha sido utilizada para moldear y esculpir figuras de todo tipo y convertirlas en arte puro. La principal razón de esto es su resistencia a todo tipo de climas, por lo que pueden ser puestas al ambiente externo sin afectar drásticamente su superficie, es por ello que muchas obras hechas en este material son exhibidas al aire libre

A lo largo de la historia, la piedra ha sido el principal material de la escultura monumental. Hay razones prácticas para ello: muchos tipos de piedra son muy resistentes a la intemperie y, por lo tanto, adecuados para su uso en el exterior; la piedra está disponible en todas las partes del mundo y puede obtenerse en grandes bloques; muchas piedras tienen una textura bastante homogénea y una dureza uniforme que las hace adecuadas para la talla; la piedra ha sido el principal material utilizado para la arquitectura monumental con la que se ha asociado tanta escultura.

Existen muchos tipos de piedras, cada una con un propósito diferente dentro del mundo de las esculturas. La primera de ellas son las rocas ígneas, que es aquella cuya aparición depende de la solidificación del magma natural de los volcanes, luego están las rocas sedimentarias, que surgen a partir de la sedimentación o partículas pequeñas de rocas y son las más frecuentes y, las metamórficas que emanan de la transformación de otros tipos de rocas.

En la escultura se han utilizado piedras pertenecientes a las tres principales categorías de formación de rocas. Las rocas ígneas, que se forman por el enfriamiento de masas minerales fundidas al acercarse a la superficie de la Tierra, incluyen el granito, la diorita, el basalto y la obsidiana. Son algunas de las piedras más duras que se utilizan para la escultura. Las rocas sedimentarias, que incluyen las areniscas y las calizas, se forman a partir de depósitos acumulados de sustancias minerales y orgánicas.

Las areniscas son aglomeraciones de partículas de piedra erosionada que se mantienen unidas por una sustancia cementante. Las calizas se forman principalmente a partir de restos calcáreos de organismos. El alabastro (yeso), también una roca sedimentaria, es un depósito químico. Para la escultura se utilizan muchas variedades de arenisca y caliza, que varían mucho en cuanto a su calidad e idoneidad para la talla. Debido a su método de formación, muchas rocas sedimentarias tienen estratos pronunciados y son ricas en fósiles.

Las rocas metamórficas son el resultado de los cambios producidos en la estructura de las rocas sedimentarias e ígneas por la presión o el calor extremos. Las rocas metamórficas más conocidas y utilizadas en escultura son los mármoles, que son calizas recristalizadas. El mármol italiano de Carrara, el más conocido, fue utilizado por los escultores romanos y renacentistas, especialmente por Miguel Ángel, y sigue siendo muy utilizado. Las variedades más conocidas utilizadas por los escultores griegos, entre los que el mármol era más popular que cualquier otra piedra, son el pentélico -del que están hechos el Partenón y su escultura- y el pariano.

Metal

En la creación de esculturas, siempre ha existido el uso de todo tipo de metales, por su gran duración y resistencia, muchos artistas deciden utilizarlo como soporte o material principal para hacer sus obras. Por otra parte, al crear en metal, se suele presentar el riesgo de ser saqueado o robado para ser fundido con otros propósitos, como ha pasado a lo largo de la historia con muchas de estas creaciones.

Allí donde se han desarrollado las tecnologías del metal, los metales se han utilizado para la escultura. La cantidad de esculturas de metal que han sobrevivido del mundo antiguo no refleja adecuadamente el alcance de su uso, ya que grandes cantidades han sido saqueadas y fundidas. Así se han perdido innumerables esculturas antiguas de metal, así como casi toda la orfebrería de los indios americanos precolombinos.

El metal más utilizado para la escultura es el bronce, que es básicamente una aleación de cobre y estaño. Por ser el más accesible en cuanto a costo y disponibilidad, aunque también se ha hecho uso de la palta y el oro en muchísimas obras. Sus principales ventajas son su resistencia y facilidad para fundir, además de su reflectividad que resulta en un acabado elegante.

Pero el oro, la plata, el aluminio, el cobre, el latón, el plomo y el hierro también se han utilizado ampliamente. La mayoría de los metales son extremadamente fuertes, duros y duraderos, con una resistencia a la tracción que permite una libertad de diseño mucho mayor que la que ofrecen la piedra o la madera. Una figura de bronce de tamaño natural firmemente sujeta a una base no necesita más apoyo que sus propios pies, e incluso puede estar apoyada sobre un pie. También es posible atenuar considerablemente la forma sin riesgo de fractura.

esculturas de oro
Escultura de oro 24k

El color, el brillo y la reflectividad de las superficies metálicas han sido muy valorados y aprovechados en la escultura, aunque desde el Renacimiento se prefieren las pátinas artificiales como acabado del bronce.

Los metales se pueden trabajar de diversas maneras para producir esculturas. Pueden fundirse -es decir, fundirse y verterse en moldes-, comprimirse bajo presión en matrices, como en la fabricación de monedas, o trabajarse directamente -por ejemplo, martillando, doblando, cortando, soldando y repoussé (martillando o presionando en relieve).

Las tradiciones más importantes de la escultura en bronce son la griega, la romana, la india (especialmente la chola), la africana (bini y yoruba), la del Renacimiento italiano y la china. El oro se utilizó con gran efecto para obras de pequeña escala en la América precolombina y la Europa medieval. El aluminio, un descubrimiento bastante reciente, ha sido muy utilizado por los escultores modernos. El hierro no se ha utilizado mucho como material de fundición, pero en los últimos años se ha convertido en un material popular para el trabajo directo mediante técnicas similares a las del herrero. La chapa es uno de los principales materiales utilizados hoy en día para la escultura de construcción. El escultor estadounidense David Smith ha utilizado eficazmente el acero inoxidable en forma de lámina.

Madera

Es uno de los materiales favoritos de los escultores por sus flexibles propiedades y acabados de primera. Al igual que los anteriores, existen muchos tipos de madera, cada una adaptada a las necesidades del artista y el proyecto que esté llevando a cabo. Entre los tipos de madera más utilizados se encuentra el nogal, el roble, el cedro y la caoba, mismos que suelen dejarse su color natural por su belleza y suelen utilizarse para esculturas de interiores, por su fragilidad ante el clima.

Otro tipo de madera es el contrachapado, de menor calidad que los anteriores y muy utilizado para trabajos caseros o escolares, sin embargo, muchos escultores suelen hacer uso de este para complementar sus obras ya que permite lograr acabados de superficies lisas por su fácil pulitura, lo que la hace perfecta para las capas exteriores de las esculturas hechas en este material.

La madera es el principal material de escultura en África, Oceanía y América del Norte, también ha sido utilizada por todas las grandes civilizaciones; por ejemplo, se utilizó mucho durante la Edad Media, especialmente en Alemania y Europa central. Entre los escultores modernos que han utilizado la madera para obras importantes están Ernst Barlach, Ossip Zadkine y Henry Moore.

Para la escultura se utilizan tanto maderas duras como blandas. Algunas son de grano cerrado, y se cortan como un queso; otras son de grano abierto y fibroso. La estructura fibrosa de la madera le confiere una considerable resistencia a la tracción, por lo que se puede tallar de forma fina y con mayor libertad que la piedra. Para composiciones grandes o complejas y abiertas, se pueden unir varias piezas de madera.

La madera se utiliza principalmente para la escultura de interior, ya que no es tan resistente ni duradera como la piedra; los cambios de humedad y temperatura pueden hacer que se parta, y está sujeta al ataque de insectos y hongos. La veta de la madera es una de sus características más atractivas, ya que da variedad de dibujos y texturas a sus superficies. También sus colores son sutiles y variados. En general, la madera tiene una calidez que no tiene la piedra, pero carece de la dignidad y el peso de la piedra.

Las principales maderas para la escultura son el roble, la caoba, la madera de tilo, el nogal, el olmo, el pino, el cedro, el boj, el peral y el ébano, pero también se utilizan muchas otras. Los tamaños de madera disponibles están limitados por el tamaño de los árboles; los indios norteamericanos, por ejemplo, podían tallar gigantescos tótems en pino, pero el boj sólo está disponible en piezas pequeñas.

En el siglo XX, muchos escultores utilizaron la madera como medio de construcción y de escultura. Las maderas laminadas, los tableros de aglomerado y las maderas en forma de bloques y tablones pueden pegarse, unirse, atornillarse o atornillarse, y recibir diversos acabados.

Arcilla

Materiales para hacer una escultura
herrajes para esculpir

Este es uno de los materiales más utilizados en la creación de esculturas, por lo general sueles ser utilizado para moldear figuras humanas, animales u objetos y es uno de los más fáciles de obtener, por lo que cualquier escultor siempre lo tiene en su taller para aportar ideas creativas o bocetos para sus esculturas finales. Existen ciertas propiedades que hacen de la arcilla un material bastante manejable, esto se debe a que al humedecerse se puede moldear fácilmente.

La arcilla es uno de los materiales más comunes y fáciles de conseguir. Utilizado para modelar figuras humanas y animales mucho antes de que el hombre descubriera cómo cocer ollas, ha sido uno de los principales materiales del escultor desde entonces.

La arcilla tiene cuatro propiedades que explican su uso generalizado: cuando está húmeda, es una de las sustancias más plásticas, fácil de modelar y capaz de registrar las impresiones más detalladas.

Cuando seca parcialmente hasta alcanzar un estado duro como el cuero o se seca por completo, puede tallarse y rasparse.

Al mezclarse con suficiente agua, se convierte en un líquido cremoso conocido como barbotina, que puede verterse en moldes y dejarse secar.

Cuando se cuece a temperaturas de entre 700 y 1.400 °C (1.300 y 2.600 °F), sufre cambios estructurales irreversibles que la hacen permanentemente dura y extremadamente duradera.

Los escultores utilizan la arcilla como material para elaborar ideas; para realizar modelos preliminares que posteriormente se vierten en materiales como el yeso, el metal y el hormigón o se tallan en piedra; y para la escultura en cerámica.

Dependiendo de la naturaleza del propio cuerpo de arcilla y de la temperatura a la que se cuece, se dice que un producto de alfarería acabado es loza, que es opaca, relativamente blanda y porosa; gres, que es duro, no poroso y más o menos vitrificado; o porcelana, que es de textura fina, vitrificada y translúcida. Los tres tipos de cerámica se utilizan para la escultura. La escultura realizada en arcillas de baja cocción, sobre todo en arcillas de color marrón y rojo, se conoce como terracota (tierra cocida). Sin embargo, este término se utiliza de forma inconsistente y a menudo se extiende para cubrir todas las formas de escultura de cerámica.

Los cuerpos de arcilla sin esmaltar pueden tener una textura lisa o gruesa y pueden ser de color blanco, gris, beige, marrón, rosa o rojo. La escultura de cerámica puede decorarse con cualquiera de las técnicas inventadas por los alfareros y recubrirse con una variedad de bellos esmaltes.

Otra de sus grandes ventajas es que cuando se seca se puede tallar y lijar para dar cualquier tipo de textura a la superficie y, al calentarse a altas temperaturas puede solidificarse a tal punto que su durabilidad puede extenderse por muchos años, por lo que es uno de los materiales predilectos en la fabricación de esculturas y uno de los favoritos al momento de hacer un bosquejo o prototipo de idea del escultor.

Los escultores del Paleolítico realizaban trabajos en relieve y en torno a la arcilla sin cocer. Los antiguos chinos, sobre todo durante las dinastías Tang (618-907 d.C.) y Song (960-1279 d.C.), realizaron magníficas esculturas en cerámica, incluyendo figuras humanas a gran escala. Las obras griegas más conocidas son las figuras y grupos íntimos a pequeña escala de Tanagra. Los escultores-alfareros mexicanos y mayas produjeron vigorosas figuras modeladas directamente. Durante el Renacimiento, la cerámica se utilizó en Italia para grandes proyectos escultóricos, como las esculturas vidriadas y coloreadas a gran escala de Luca della Robbia y su familia, que se encuentran entre las mejores obras del medio. Uno de los usos más populares del medio alfarero ha sido la fabricación de figurillas, en Staffordshire, Meissen y Sèvres, por ejemplo.

Marfil

La principal fuente de marfil son los colmillos de elefante, pero la morsa, el hipopótamo, el narval (un animal acuático del Ártico) y, en el Paleolítico, los colmillos de mamut también se utilizaban para la escultura. El marfil es denso, duro y difícil de trabajar. Su color es blanco cremoso, que suele amarillear con el paso del tiempo, y admite un pulido intenso. Un colmillo puede ser aserrado en paneles para tallar en relieve o en bloques para tallar en redondo; o se puede utilizar la forma del propio colmillo. Las propiedades físicas del material invitan a realizar las tallas más delicadas y detalladas, y son frecuentes las muestras de virtuosismo.

Escultura de marfil
escultura de marfil

El marfil se utilizó mucho en la antigüedad en Oriente Medio y Extremo Oriente y en el Mediterráneo. Una tradición cristiana casi ininterrumpida de talla de marfil se extiende desde Roma y Bizancio hasta el final de la Edad Media. Durante todo este tiempo, el marfil se utilizó principalmente en relieve, a menudo en combinación con metales preciosos, esmaltes y piedras preciosas para producir los efectos más espléndidos.

Algunos de sus principales usos escultóricos fueron los dípticos devocionales, los altares portátiles, las cubiertas de libros, los retablos (estantes elevados sobre los altares), las arquetas y los crucifijos. El periodo barroco también es rico en marfiles, especialmente en Alemania. En Benín, antiguo reino de África occidental, también existía una gran tradición de talla de marfil.

Relacionados con el marfil, el cuerno y el hueso se han utilizado desde el Paleolítico para la escultura a pequeña escala. El cuerno de caribú y los colmillos de morsa eran dos de los materiales más importantes para los tallistas inupiaq e inuit. Uno de los mejores «marfiles» medievales es una talla en hueso de ballena, La Adoración de los Reyes Magos.

Yeso

Es muy utilizado por los escultores para crear moldes o modelos preliminares de sus obras. Al mezclarse con agua, se endurece fácilmente, por lo que debe moldearse muy bien antes de este proceso, ya que no se puede volver a suavizar una vez haya endurecido, también es posible ajustar su dureza o resistencia, lo que lo hace un material muy usado para todo tipo de obras artísticas que requieran prototipos o moldes de trabajo.

El yeso de París (sulfato de cal) es especialmente útil para la producción de moldes, vaciados y modelos preliminares. Fue utilizado por los escultores egipcios y griegos como medio de vaciado y hoy es el material más versátil en el taller del escultor.

Cuando se mezcla con agua, el yeso recristaliza en poco tiempo, es decir, se vuelve duro e inerte, y su volumen aumenta ligeramente. Una vez fraguado, es relativamente frágil y carente de carácter, por lo que su utilidad para el trabajo final es limitada. La escayola puede verterse en forma líquida, modelarse directamente cuando tiene una consistencia adecuada, o tallarse fácilmente una vez fraguada. Se le pueden añadir otros materiales para aflojar su fraguado, aumentar su dureza o resistencia al calor, cambiar su color o reforzarlo.

El principal uso escultórico del yeso en el pasado era para moldear y vaciar modelos de arcilla como etapa en la producción de escultura de metal fundido. En la actualidad, muchos escultores omiten la etapa de modelado en arcilla y modelan directamente en yeso. Como material de moldeo en la fundición de esculturas de hormigón y fibra de vidrio, la escayola se utiliza ampliamente. Tiene un gran valor como material para reproducir esculturas existentes; muchos museos, por ejemplo, utilizan estos moldes para su estudio.

Papel

Es un material de fibras de pulpa de celulosa que se usa mucho para crear esculturas, el más utilizado es el papel blanco y se suelen aplicar en creaciones sencillas o complejas, también como complemente junto a otros materiales para aspectos estéticos, por lo general no es de los más utilizados debido a su fragilidad, pero al mezclarse con otros puede aplicar una mayor durabilidad.

El papel maché (papel pulido pegado con cola) se ha utilizado para la escultura, especialmente en el Lejano Oriente. Utilizado principalmente para las artes aplicadas, sobre todo para las máscaras, puede tener una resistencia considerable; los japoneses, por ejemplo, hacían armaduras con él. La escultura en papel es una forma de arte limitada, utilizada sólo para trabajos efímeros y generalmente triviales.

Otros materiales

Básicamente, el hormigón es una mezcla de un agregado (normalmente arena y pequeños trozos de piedra) unidos por cemento. Se puede utilizar una variedad de piedras, como mármol triturado, trozos de granito y grava, cada una de las cuales da un efecto diferente de color y textura.

El cemento comercial es gris, blanco o negro, pero se puede colorear con aditivos. El cemento más utilizado por los escultores es el ciment fondu, que es extremadamente duro y de fraguado rápido. Un invento reciente -al menos, en formas apropiadas para la escultura-, el hormigón está sustituyendo rápidamente a la piedra para ciertos tipos de trabajos.

Al ser barato, duro, resistente y duradero, es especialmente adecuado para grandes proyectos al aire libre, sobre todo para las superficies decorativas de las paredes. Con un refuerzo adecuado, permite una gran libertad de diseño. Y utilizando técnicas similares a las de la industria de la construcción, los escultores pueden crear obras en hormigón a escala gigantesca.

Cuando las resinas sintéticas, especialmente los poliésteres, se refuerzan con laminaciones de fibra de vidrio, el resultado es una carcasa ligera que es extremadamente fuerte, dura y duradera. Suele conocerse simplemente como fibra de vidrio. Después de haber sido utilizada con éxito en carrocerías de coches, cascos de barcos y similares, se ha convertido recientemente en un importante material para la escultura. Como el material es poco atractivo en sí mismo, se suele colorear con rellenos y pigmentos.

Al principio se utilizaba en escultura junto con rellenos metálicos en polvo para producir sustitutos baratos de bronce y aluminio, pero con la reciente tendencia a utilizar colores brillantes en escultura, ahora se suele colorear bien pigmentando el propio material o bien pintando. Es posible modelar la fibra de vidrio, pero lo más habitual es que se funda como una cáscara laminada.

En el pasado se han utilizado diversas fórmulas de cera para modelar, pero en general se han sustituido por ceras sintéticas. Los principales usos de la cera en la escultura han sido como material de modelado preliminar para la fundición de metales mediante el proceso de cera perdida o cire-perdue (véase Métodos y técnicas, más adelante) y para hacer bocetos.

No es lo suficientemente duradero como para utilizarlo como material en sí mismo, aunque se ha utilizado para pequeñas obras, como frutas de cera, que pueden conservarse bajo una cúpula de cristal.

Otros muchos materiales permanentes -como las conchas, el ámbar y el ladrillo- y efímeros -como las plumas, la masa de panadero, el azúcar, las semillas de pájaros, el follaje, el hielo y la nieve y el glaseado de pasteles- se han utilizado para crear imágenes tridimensionales. A la vista de las tendencias de la escultura de finales del siglo XX, ya no es posible hablar de «los materiales de la escultura».

La escultura moderna no tiene materiales especiales. Es probable que se utilice cualquier material, natural o artificial, incluido el polietileno inflado, la espuma de caucho, el poliestireno expandido, los tejidos y los tubos de neón; los materiales de una escultura de Claes Oldenburg, por ejemplo, figuran como lienzo, tela, dacrón, metal, espuma de caucho y plexiglás. Los objetos reales también pueden incorporarse a la escultura, como en las composiciones de medios mixtos de Edward Kienholz; incluso la chatarra tiene sus devotos, que crean esculturas «basura». También se utilizan alimentos, como en los caramelos envueltos de colores brillantes de «Sin título» (Retrato de Ross en L.A.) (1991) de Félix González-Torres, el azúcar de «A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby» (2014) de Kara Walker, y un plátano en la pieza conceptual «Comedian» (2019) de Maurizio Cattelan.

EL ESCULTOR COMO DISEÑADOR Y ARTESANO

La concepción de una artesanía o de una obra de arte -su forma, su contenido imaginativo y su expresividad- es la preocupación de un diseñador, y debe distinguirse de la ejecución de la obra en una técnica y un material determinados, que es la tarea de un artesano. A menudo, el escultor actúa como diseñador y como artesano, pero estos dos aspectos de la escultura pueden separarse.

Escultor de piedra trabajando con sus herramientas
Escultor en su taller

Ciertos tipos de escultura dependen considerablemente, para su efecto estético, de la forma en que su material ha sido manipulado directamente por el artista. La manipulación directa y expresiva de la arcilla en un modelo de Rodin, o el uso del cincel en los relieves stiacciato (muy bajos) del escultor florentino del siglo XV, Donatello, no podrían haber sido delegados a un artesano más que las pinceladas de Rembrandt.

Para muchos escultores, el proceso físico real de trabajar los materiales es una parte integral del arte de la escultura, y su respuesta a las cualidades de trabajo del material -como su plasticidad, dureza y textura- es evidente en la obra terminada. El diseño y la artesanía se funden íntimamente en una obra de este tipo, que es una expresión muy personal.

Incluso cuando la manipulación directa del material no es tan vital para la expresividad de la obra, puede resultar imposible separar las funciones del artista como diseñador y artesano. Las cualidades e interrelaciones de las formas pueden ser tan sutiles y complejas que no pueden especificarse ni comunicarse adecuadamente a un artesano. Además, muchos aspectos del diseño pueden ser aportados durante el proceso de trabajo. La forma de trabajar de Miguel Ángel, por ejemplo, le permitía cambiar de opinión sobre aspectos importantes de la composición a medida que avanzaba la obra.

La fusión completa de diseño y artesanía puede no ser posible si el proyecto es grande o si el escultor no puede hacer todo el trabajo por sí mismo. El trabajo físico de hacer una gran escultura puede ser considerable, y los escultores, desde Fidias en el siglo V a.C. hasta Henry Moore en el siglo XX, por ejemplo, han empleado a alumnos y ayudantes para que les ayuden.

Por lo general, el escultor delega en sus ayudantes las primeras fases de la obra, que requieren mucho tiempo, o algunas de sus partes menos importantes, y ejecuta él mismo las fases finales o las partes más importantes.

En ocasiones, un escultor puede funcionar como un arquitecto o un diseñador industrial. Puede que no trabaje directamente en la escultura terminada, sino que su contribución consista en proporcionar especificaciones exhaustivas en forma de dibujos y quizás modelos a escala para una obra que va a ser fabricada en su totalidad por artesanos. Evidentemente, este procedimiento excluye la posibilidad de una expresión directa y personal a través de la manipulación de los materiales, por lo que las obras de este tipo suelen tener el mismo carácter anónimo e impersonal que la arquitectura y el diseño industrial. Un enfoque impersonal de la escultura fue favorecido por muchos escultores de la década de 1960, como William Tucker, Donald Judd y William Turnbull. Utilizaron la mano de obra anónima de las fabricaciones industriales para realizar sus formas escultóricas simples, extremadamente precisas y a gran escala, denominadas «estructuras primarias».

Métodos generales

A grandes rasgos, las etapas de la producción de una obra escultórica de envergadura se ajustan al siguiente esquema: el encargo; la preparación, presentación y aceptación del diseño; la selección y preparación de los materiales; la conformación de los materiales; el acabado de la superficie; la instalación o la presentación.

Casi toda la escultura del pasado y parte de la actual tiene su origen en una demanda externa al escultor, normalmente en forma de encargo directo o a través de un concurso. Si el encargo es un retrato o una escultura privada, el cliente puede exigir únicamente ver ejemplos de la obra anterior del artista; pero si se trata de un encargo público, se suele esperar que el escultor presente dibujos y maquetas (modelos de bocetos tridimensionales a pequeña escala) que den una idea de la naturaleza de la obra terminada y su relación con el lugar. El escultor puede ser libre de elegir su propia materia o tema, o puede estar más o menos estrictamente prescrito.

Un maestro escultor medieval, por ejemplo, recibía el programa de un complejo esquema de escultura eclesiástica de los asesores teológicos, y los contratos de escultura del Renacimiento eran a menudo extremadamente específicos y detallados. Hoy en día, gran parte de la escultura no se realiza por encargo. Surge de la preocupación privada del escultor por la forma y la imagen, y trabaja principalmente para satisfacerse a sí mismo. Una vez terminada la obra, puede exponerla e intentar venderla en una galería de arte.

La mayoría de los materiales utilizados por los escultores del siglo XX se podían obtener fácilmente en forma utilizable de los proveedores de los constructores o escultores, pero ciertos tipos de escultura pueden implicar una buena cantidad de trabajo de preparación de los materiales.

Un escultor puede visitar una cantera de piedra para seleccionar el material para un proyecto de gran envergadura y cortarlo en bloques del tamaño y la forma adecuados. Y como la piedra es costosa de transportar y se talla mejor cuando está recién extraída, puede decidir hacer todo su trabajo en la cantera. Dado que la piedra es extremadamente pesada, el escultor debe contar con el equipo especial necesario para maniobrar incluso los bloques pequeños hasta su posición para la talla. El escultor de madera necesita un suministro de madera bien curada y puede guardar una cantidad de troncos y bloques. El modelista necesita un buen suministro de arcilla del tipo adecuado. Para las grandes piezas de terracota puede necesitar un cuerpo de arcilla especialmente fabricado, o puede trabajar en una fábrica de ladrillos, utilizando la arcilla local y cociéndola en los hornos de ladrillos.

La parte principal del trabajo del escultor, la conformación del propio material mediante el modelado, la talla o las técnicas de construcción, puede ser un proceso largo y arduo, que puede prolongarse durante varios años y requerir ayudantes. Gran parte del trabajo, especialmente la decoración arquitectónica, puede llevarse a cabo en el lugar, o in situ.

Para mejorar su resistencia a la intemperie, para resaltar las características de su material o para hacerla más decorativa o realista, la escultura suele recibir un acabado superficial especial. Puede ser frotada y pulida, patinada, chapada, dorada, pintada, con incrustaciones de otros materiales, etc.

Por último, la instalación de la escultura puede ser una parte compleja e importante de la obra. El posicionamiento y la fijación de grandes esculturas arquitectónicas pueden implicar la cooperación con constructores e ingenieros; las fuentes pueden implicar una elaborada fontanería; el diseño y la colocación de bases exteriores, o zócalos, en relación con el lugar y el espectador pueden requerir una cuidadosa reflexión. La elección de los materiales, la forma y las proporciones de la base, incluso para una obra pequeña, requiere un cuidado considerable.

Formas, temática, imaginería y simbolismo de la escultura

Gran parte de la escultura está diseñada para ser colocada en plazas públicas, jardines, parques y lugares abiertos similares o en posiciones interiores donde está aislada en el espacio y puede ser vista desde todas las direcciones. Otras esculturas están talladas en relieve y se ven sólo de frente y de lado.

Escultura redonda

Las oportunidades de diseño espacial libre que presenta este tipo de escultura independiente no siempre se aprovechan del todo. La obra puede estar concebida, como muchas esculturas arcaicas, para ser vista sólo desde una o dos posiciones fijas, o puede ser en efecto poco más que un relieve de cuatro lados que apenas cambia la forma tridimensional del bloque. Los escultores manieristas del siglo XVI, por el contrario, se esforzaron especialmente en explotar la visibilidad total de la escultura exenta. El Rapto de las Sabinas de Giambologna, por ejemplo, obliga al espectador a caminar a su alrededor para comprender su diseño espacial. No tiene vistas principales; sus formas se mueven alrededor del eje central de la composición, y su movimiento serpenteante se despliega gradualmente a medida que el espectador se desplaza para seguirlas.

Gran parte de la escultura de Henry Moore y de otros escultores del siglo XX no tiene este tipo de movimiento, ni está diseñada para ser vista desde posiciones fijas. Se trata más bien de una estructura libremente diseñada de formas multidireccionales que se abre, se perfora y se extiende en el espacio de tal manera que el espectador se da cuenta de su diseño global en gran medida viendo a través de la escultura. La mayoría de las esculturas construidas se disponen en el espacio con total libertad e invitan a ser vistas desde todas las direcciones. En muchos casos, el espectador puede pasar por debajo y a través de ellas.

Escultura Variante Ovoide
escultura ovoide

La forma en que una escultura independiente entra en contacto con el suelo o con su base es una cuestión de considerable importancia. Una figura reclinada, por ejemplo, puede ser un relieve horizontal. Puede fundirse con el plano del suelo y parecer arraigada en él como un afloramiento de roca. Otras esculturas, incluidas algunas figuras reclinadas, pueden estar diseñadas de tal manera que parecen descansar en el suelo y ser independientes de su base. Otras se apoyan en el espacio por encima del suelo. Las esculturas más completamente independientes son las que no tienen base y pueden cogerse, girarse en las manos y verse literalmente por todas partes, como un netsuke (un pequeño toggle de madera, marfil o metal utilizado para sujetar una pequeña bolsa o monedero a la faja de un kimono).

Por supuesto, una escultura de gran tamaño no puede cogerse de esta manera, pero puede diseñarse de forma que invite al espectador a pensar en ella como un objeto independiente que no tiene una base fija y que está diseñado por todas partes.

La escultura diseñada para colocarse contra una pared o un fondo similar, o en un nicho, puede ser redonda e independiente, en el sentido de que no está unida a su fondo como un relieve; pero no tiene la independencia espacial de la escultura completamente independiente, y no está diseñada para ser vista a su alrededor. Debe diseñarse de manera que su estructura formal y la naturaleza y el significado de su tema puedan apreciarse claramente desde una gama limitada de vistas frontales. Por lo tanto, las formas de la escultura suelen extenderse principalmente en dirección lateral y no en profundidad. La escultura pedimental griega ilustra magníficamente este enfoque: la composición se extiende en un plano perpendicular a la línea de visión del espectador y se hace completamente inteligible de frente. Los escultores barrocos del siglo XVII, especialmente Bernini, adoptaron un enfoque bastante diferente. Aunque algunos preferían un punto de vista frontal coherente, por muy activo que fuera, se sabe que Bernini concibió una obra (el Apolo y Dafne [1622-24]) en la que la narración se desarrollaba en detalles que se descubrían a medida que el espectador recorría la obra, empezando por la parte trasera.

La composición frontal de la escultura mural y de nicho no implica necesariamente una falta de tridimensionalidad de las formas en sí mismas; lo que se limita es la disposición de las formas. La escultura pedimental clásica, la escultura de los templos indios, como la de Khajuraho, la escultura gótica de nicho y las figuras de la tumba de los Médicis de Miguel Ángel están diseñadas para colocarse sobre un fondo, pero sus formas están concebidas con una plenitud total de volumen.

Escultura en relieve


La escultura en relieve es una forma de arte compleja que combina muchas características de las artes pictóricas bidimensionales y de las artes escultóricas tridimensionales. Por un lado, un relieve, al igual que un cuadro, depende de una superficie de apoyo, y su composición debe extenderse en un plano para ser visible. Por otro lado, sus propiedades tridimensionales no se limitan a ser representadas pictóricamente, sino que son hasta cierto punto reales, como las de la escultura completamente desarrollada.

Entre los diversos tipos de relieve hay algunos que se acercan mucho a la condición de las artes pictóricas. Los relieves de Donatello, Ghiberti y otros artistas de principios del Renacimiento utilizan plenamente la perspectiva, que es un método pictórico para representar con realismo las relaciones espaciales tridimensionales en una superficie bidimensional. Los bajorrelieves egipcios y la mayoría de los americanos precolombinos son también extremadamente pictóricos, pero de un modo diferente. Utilizando un sistema de convenciones gráficas, traducen el mundo tridimensional a uno bidimensional. La imagen en relieve es esencialmente de superficies planas y no podría existir en tres dimensiones. Sus únicos aspectos escultóricos son su ligero grado de proyección real desde una superficie y su modelado superficial, a menudo sutil.

Otros tipos de relieve -por ejemplo, el griego clásico y la mayoría de los indios- se conciben principalmente en términos escultóricos. Las figuras habitan un espacio que está definido por las formas sólidas de las propias figuras y está limitado por el plano del fondo. Este plano de fondo se trata como una barrera finita e impenetrable frente a la cual existen las figuras. No se concibe como un espacio o entorno perspectivo en retroceso dentro del cual se sitúan las figuras ni como una superficie plana sobre la que se colocan. Los relieves, por así decirlo, se parecen más a una escultura contraída que a un cuadro expandido.

El problema central de la escultura en relieve es contraer o condensar la forma sólida tridimensional y las relaciones espaciales en un espacio de profundidad limitado. El grado en que las formas se proyectan realmente varía considerablemente, y los relieves se clasifican sobre esta base como bajos relieves (bajorrelieves) o altos relieves. Hay tipos de relieves que forman una serie continua desde los casi totalmente pictóricos hasta los casi totalmente en redondo.

Una de las tareas más difíciles del escultor de relieves es representar las relaciones entre las formas en profundidad dentro del espacio limitado de que dispone. Lo hace principalmente prestando una cuidadosa atención a los planos del relieve.

En un relieve tallado, el plano más alto, o frontal, está definido por la superficie de la plancha de madera o piedra en la que se ha tallado el relieve; y el plano posterior es la superficie desde la que se proyectan las formas. El espacio entre estos dos planos puede considerarse dividido en una serie de planos, uno detrás del otro. Las relaciones de las formas en profundidad pueden considerarse entonces como relaciones entre formas situadas en diferentes planos.

El relieve hundido también se conoce como relieve inciso, coelanaglífico y calcográfico. Es una forma de arte egipcia casi exclusiva, pero en Bagrām (Afganistán) se han descubierto algunos bellos ejemplos indios a pequeña escala realizados en marfil. En un relieve hundido, el contorno del diseño se incide primero en todo su contorno. A continuación se talla el relieve dentro del contorno inciso, dejando la superficie circundante intacta. De este modo, el relieve terminado se hunde por debajo del nivel de la superficie circundante y queda contenido dentro de una línea de contorno afilada y de paredes verticales. Este enfoque de la escultura en relieve preserva la continuidad de la superficie original del material y no crea ninguna proyección a partir de ella. El contorno aparece como una potente línea de luz y sombra alrededor de todo el diseño.

El bajo relieve figurativo suele ser considerado por los escultores como una forma de arte extremadamente difícil. Dar una impresión convincente de estructura tridimensional y de modelado de la superficie con sólo un grado mínimo de proyección exige una fusión de dibujo y habilidad de tallado o modelado de alto nivel. El escultor tiene que proceder empíricamente, cambiando constantemente la dirección de su luz y probando el efecto óptico de la obra. El artista no puede seguir ninguna regla fija ni representar las cosas en profundidad simplemente reduciendo las medidas matemáticamente.

Las formas de bajo relieve suelen estar en contacto con el fondo en todo su contorno. Si hay un ligero socavón, su finalidad es dar énfasis, mediante la sombra proyectada, a un contorno más que dar la impresión de que las formas son independientes de su fondo. El bajo relieve incluye figuras que sobresalen hasta la mitad de su circunferencia natural.

Técnicamente, el tipo de bajo relieve más sencillo es el de dos planos. Para ello, el escultor dibuja un contorno sobre una superficie y luego recorta la superficie circundante, dejando la figura elevada como una silueta plana sobre el plano de fondo.

Este procedimiento se utiliza a menudo para las primeras etapas de una talla en relieve, en cuyo caso el escultor procederá a tallar en la silueta elevada, redondeando las formas y dando una impresión de estructura tridimensional. Sin embargo, en un relieve de dos planos, la silueta se deja plana y no se altera sustancialmente, salvo para añadir detalles a la superficie. Los escultores precolombinos utilizaron este método de tallado en relieve para crear audaces relieves figurativos y abstractos.

El stiacciato es un tipo de talla plana en bajo relieve extremadamente sutil que se asocia especialmente con los escultores del siglo XV Donatello y Desiderio da Settignano. El diseño se dibuja en parte con líneas de cincel finamente grabadas y en parte se talla en relieve.

La técnica del stiacciato depende en gran medida del modo en que los materiales pálidos, como el mármol blanco, responden a la luz y ponen de manifiesto las líneas más delicadas y los sutiles cambios de textura o relieve.

Las formas del alto relieve se proyectan lo suficientemente lejos como para ser en cierto grado independientes de su fondo. A medida que se acercan a la plenitud de la escultura en redondo, se vuelven por necesidad considerablemente socavadas. En muchos altorrelieves, en los que algunas partes de la composición están completamente separadas de su fondo y totalmente en redondo, a menudo es imposible saber de frente si una figura está realmente unida a su fondo.

A menudo se combinan varios grados de proyección en una composición en relieve. Las figuras del primer plano pueden estar completamente desprendidas y en redondo, mientras que las de la media distancia están en medio relieve y las del fondo en bajo relieve. Estos efectos son comunes en la escultura gótica tardía, renacentista y barroca.

LA ESCULTURA Y SUS RELACIONES CON OTRAS ARTES

La escultura ha estado durante mucho tiempo estrechamente relacionada con la arquitectura por su papel como decoración arquitectónica y también a nivel de diseño. La arquitectura, al igual que la escultura, se ocupa de la forma tridimensional; y, aunque el problema central en el diseño de los edificios es la organización del espacio más que la masa, hay estilos de arquitectura que son eficaces en gran medida por la calidad y la organización de sus formas sólidas. Los estilos antiguos de arquitectura en piedra, especialmente el egipcio, el griego y el mexicano, tienden a tratar sus componentes de forma escultórica.

Además, la mayoría de los edificios vistos desde el exterior son composiciones de masas. El crecimiento de la escultura espacial está tan íntimamente relacionado con la apertura y el aligeramiento de la arquitectura, que el desarrollo de la tecnología moderna de la construcción ha hecho posible, que puede decirse que muchos escultores del siglo XX han tratado su obra de manera arquitectónica.

Algunas formas de escultura en relieve se acercan mucho a las artes pictóricas de la pintura, el dibujo, el grabado, etc. Y se dice que las esculturas en bulto que utilizan el claroscuro y que están concebidas principalmente como vistas pictóricas más que como composiciones en bulto son «pictóricas»; por ejemplo, el Éxtasis de Santa Teresa de Bernini.

La frontera entre la escultura y la alfarería y las artes del metal no está bien definida, y muchos artefactos de cerámica y metal tienen todo el derecho a ser considerados como escultura. Hoy en día existe una creciente afinidad entre el trabajo de los diseñadores industriales y el de los escultores.

Las técnicas de modelado escultórico, y a veces los propios escultores, participan a menudo, por ejemplo, en las fases iniciales del diseño de nuevas carrocerías de automóviles.

Las estrechas relaciones que existen entre la escultura y las demás artes visuales quedan atestiguadas por el número de artistas que han pasado fácilmente de un arte a otro; por ejemplo, Miguel Ángel, Bernini, Pisanello, Degas y Picasso.

ESCULTORES FAMOSOS

A lo largo de toda la historia ha habido un gran número escultores famosos y reconocidos por su trascendencia artística.

Desde el renacimiento hasta el barroco, muchas han sido las personalidades de este arte que han dejado sus obras para el deleite de toda la humanidad. A continuación se presentan algunos de los más destacables:

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Escultores famosos

Donatello

Se trata de uno de los escultores más famosos de la época renacentista, mediante su técnica de stiacciato, que conseguía dar una sensación de relieve y profundidad en cada una de sus obras. Donatello trabajó mucho sobre mármol, bronce y madera y algunos de sus trabajos más sobresalientes son David que se encuentra en el Museo Nacional del Bargello, la Gattamelatta en la Piazza del Santo en Padua y la escultura de María Magdalena Penitente.

Miguel Ángel

Reconocido como uno de los más grandes escultores y pintores que han existido, Miguel Ángel fue de los artistas más destacables de Italia y fue aprendiendo pintura de la mano de Domenico Ghirlandaio, y a una corta edad comenzó a hacer grandes obras, como La Piedad, que se encuentra en la Basílica de San Pedro y su famoso David que se conoce hoy en día como toda una obra maestra del renacimiento y que se encuentra disponible para ver en la Galería de la Academia.

Antonio Canova

Durante mucho tiempo fue considerado como el mejor escultor de Europa y es conocido por ser uno de los principales exponentes de la escultura neoclásica. Sus acabados se caracterizan por tener perfección y un toque artístico bastante llamativo y evocador, alguna de sus obras más famosas son las de Eros y Psique, se encuentran en el Museo del Louvre y Teseo y el Minitauro en el Museo de Victoria y Alberto.

Fernando Botero

Este extraordinario escultor y pintor colombiano creó su propio estilo el cual se denomina como Boterismo, y destacan siempre por sus características únicas como el volumen de sus obras. Sus esculturas suelen ser bastante robustas y corpulentas, siempre evoca los temas naturales o de la vida diaria en cada una de ellas. Algunas de sus obras más famosas son La maternidad y La mujer con espejo.

Auguste Rodin

Este reconocido escultor francés es uno de los fundadores de la escultura moderna. Al no poder entrar en la academia artística más prestigiosa para la época, comenzó a estudiar por su cuenta y a montar su propio taller.

Tiene muchas obras destacables en su repertorio entre las que se encuentran El Pensador y El Beso las cuales son expuestas en el Museo Rodin de Paris.

 Esculturas famosas de la historia

Los artistas y escultores, son reconocidos siempre por sus obras, en toda la historia ha habido un gran número de esculturas que se han popularizado en todo el mundo, las cuales se encuentran principalmente en museos y plazas, en donde todas las personas pueden ir a apreciarlas. Estas son algunas de las mejores esculturas jamás creadas:

El David de Miguel Ángel

David de Miguel Ángel
David de Miguel Ángel

Si hay una obra que todos o que la gran mayoría conoce es el David de Miguel Ángel, un símbolo del renacimiento que ha transcendido a través del tiempo y por el que muchas personas suelen viajar desde todas partes del mundo solo para verle. Se encuentra disponible en la Galería de la Academia y es una belleza tallada en mármol que evoca todo tipo de emociones a los visitantes.

Apolo y Dafne

Esta es una de las grandes obras del gran artista Gian Lorenzo Bernini, un representante destacable de la época del Barroco. Fue esculpida en mármol y tiene detalles realistas que destacan el talento de su escultor. Se encuentra disponible para ver en la Galería Borghese.

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Apolo y Dafne de Berini

El Pensador

Auguste Rodin obra El pensador
Auguste Rodin

Una de las obras más importantes del famoso escultor Auguste Rodin, utilizando materiales como el mármol y el bronce, fue bastante destacable por su estilo moderno y detallado. Puedes ver esta escultura en el Museo de Rodin en Paris, Francia.

Eros y Psique

Se trata de una de las más destacables obras del escultor Antonio Canova, experto en escultura neoclásica, su estilo es bastante perfeccionista y esta emblemática escultura representa a estas figuras mitológicas hechas en mármol con un detalle en cada uno de sus trazos. Se puede ver en el Museo del Louvre en Francia.

Del escultor Antonio Canova.
Eros y Psique de Antonio Cánova

Gattamelatta

Una escultura hecha por el famoso artista italiano Donatello, conocida por ser un monumento ecuestre trabajado en mármol que resalta la belleza de la Piazza del Santo en Padua.

Gattamelatta del italiano Donatello.

En el mundo de la escultura hay de todo ¿sabías que incluso hay una escultura invisible? Así es, un artista italiano se las ingenió para crear una escultura invisible / intangible y no solo eso ¡la vendió por 15.000 euros! No cabe dudas que en el arte escultórico hay para todos los gustos.

Resumen
La escultura como bella arte
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La escultura como bella arte
Descripción
Arte y técnica de representar objetos o crear figuras en tres dimensiones trabajando o labrando un material, como barro, piedra, madera o bronce
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